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Tema: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

  1. #271
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Lynn Bari

    Lynn Bari, nacido Schuyler Margaret Fisher (18 de diciembre de 1913-el 20 de noviembre de 1989), fue una actriz de cine (por lo general, en B-movies), que especializados en el juego sensual, el hombre statuesque asesinos en más de un centenar de 20th Century Fox películas de la principios de 1930 a través de la década de 1940.

    Nació en Roanoke, Virginia, la mayoría de sus primeras películas, antes de obtener el apoyo a las partes, se suele jugar uncredited funciones recepcionistas o coro niñas.

    Bari raro principales funciones incluyen China Girl (1942) y Hola, Frisco, Hola (1943). Sin embargo, en el B, las películas fue en, Lynn se suele proponer como villainess. Algunos ejemplos incluyen las películas de choque y Nocturne (ambos de 1946).

    Notables excepciones a este tema fue El Puente de San Luis Rey (1944). Lynn Bari la última película fue la aparición de la madre adolescente rebelde Patty McCormack en La Pareja Pistas (196.

    En julio de 1952, Bari, apareció en su propia comedia de situación llamada jefe Señora. Ella retrató Gwen Allen, el hermoso primer ejecutivo de una empresa de construcción. Ni hablar de sus problemas en la asignación fue la de poder contratar a un gerente general que no se enamoran de ella. [Noticias de Televisión, 4 de julio, 1952]

    Al comentar sobre su "otra mujer" funciones, Bari dijo una vez: "Me parece que una mujer siempre con una pistola en su bolso. Estoy aterrorizada de las armas. Voy de una serie a la otra gente disparando y robando maridos!"


    Vida personal

    Bari es la única hija de John Fisher Manard, un nativo de Tennessee, y su esposa, Marjorie Halpen de Nueva York. Ella tenía un hermano menor, Juan. Su padre murió en 1920, y su viuda se trasladó con sus hijos a Lynchburg, Virginia. Aquí la madre de Bari se reunió con el reverendo Robert Bizer, un ministro de Ciencias Religiosas, y se casan. Asignación de un puesto en su iglesia en Boston, la familia se mudó a Massachusetts. Bari posteriormente recordó a los otros niños en la escuela en Boston hizo la vida imposible para ella y su hermano de diversión constante de sus evidentes acentos Sur. Ella decidida a eliminar su acento y, en consecuencia, se involucró con teatrales de aficionados, teniendo también elocución lecciones. Bari era más que encantados cuando a la edad de 13 años le dijo su padrastro había sido reasignado a Los Ángeles, donde más tarde se convirtió en el jefe del Instituto de Ciencias Religiosas.

    Bari se casó tres veces, con su segundo marido de su primer hijo, una hija, nació muerto. Dos años más tarde dio a luz a John Michael Luft (n. 194. Su nombre «Lynn Bari» es un compuesto de los nombres del teatro actriz Lynn Fontanne y el autor JM Barrie. Si bien en la escuela dramática, a la edad de 14, que había seleccionado su nombre escrito "Lynn Barrie». Posteriormente, se cambió la ortografía de "Bari", después de leer una historia que incluyó la ciudad italiana de ese nombre.

    Ella murió de un aparente ataque cardíaco en Santa Mónica, California a la edad de 75.


    Filmografía parcial

    · Charlie Chan en la ciudad en la oscuridad (1939)
    · Libre, Rubia y 21 (1940)
    · Lillian Russell (1940)
    · Sangre y arena (1941)
    · Sun Valley Serenade (1941)
    · El Falcon Toma Más (1942)
    · El Magnífico Dope (1942)
    · Esposas orquesta (1942)
    · China Girl (1942)
    · Hola, Frisco, Hola (1943)
    · El puente de San Luis Rey (1944)
    · Shock (1946)
    · Hogar, dulce homicidio (1946)
    · Margie (1946)
    · Nocturne (1946)
    · The Amazing Mr. X (194
    · El hijo de Cleveland (1949)
    · Me Sube la montaña más alta (1951)
    · ¿Alguien ha visto mi Gal? (1952)
    · Francisco se une a la WACS (1954)
    · Abbott y Costello Conoce los Keystone Kops (1955)








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  2. #272
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Marian Marsh

    Marian Marsh (17 de octubre de 1913 - 9 de noviembre de 2006) fue una actriz cinematográfica estadounidense, dedicada al final de su vida a la protección del medio ambiente.

    Es conocida por su participación en películas de los años treinta, tales como Svengali (1931), Five Star Final (1931), y el film de Howard Hughes Hell's Angels (Los ángeles del infierno) (1930).

    Su verdadero nombre era Violet Ethelred Krauth, y nació en lo que actualmente es Trinidad y Tobago. Era la más joven de cuatro hermanos, y sus padres eran un fabricante alemán de chocolate y su esposa, de origen francés e inglés.

    Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, la familia de Violet se trasladó a Boston, Massachusetts. Con diez años de edad se mudaron de nuevo, en esta ocasión a California, donde la hermana de Violet, la actriz Jean Fenwick, había conseguido un contrato con los estudios Film Booking Offices of America.

    Violet estudió en la La Conte Junior High School y en la Hollywood High School. En 1928, la actriz del cine mudo Nance O'Neil ofreció a Violet seguir lecciones de dicción y de movimiento. Con la ayuda de Jean, Violet pronto tuvo acceso al cine. Violet, ahora conocida como Marilyn Morgan, consiguió un contrato con Pathé, compañía con la que trabajó rodando muchos cortos. Pronto intervino con un pequeño papel en el clásico de Howard Hughes Hell's Angels (Los ángeles del infierno), así como en el musical en Technicolor de Eddie Cantor "Whoopee". Poco tiempo después, firmó para Warner Bros. y se cambió su nombre por el de Marian Marsh.

    En 1931, con 17 años, hizo uno de sus papeles más importantes, en Svengali, con John Barrymore. Marsh fue elegida por el mismo Barrymore para el principal papel femenino de "Trilby". "Svengali" se basaba en la novela de terror gótico de 1894 "Trilby", escrita por George du Maurier.

    Fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars de 1931. La crítica positiva y el éxito en taquilla de Svengali facilitaron a Marsh participar en una serie de filmes producidos por Warner Bros., incluyendo Five Star Final (1931), con Edward G. Rbinson, The Mad Genius (1931), otra vez con John Barrymore, The Road to Singapore (1931), con William Powell, y Beauty and the Boss (1932), con Warren William.

    En 1932 Marsh abandonó Warner Bros. y aceptó varias ofertas en Europa hasta el año 1934. Disfrutó trabajando en Inglaterra y en Alemania, así como pasando varias vacaciones en París. De vuelta a los Estados Unidos, actuó como la heroína en una adaptación popular de "A Girl of the Limberlost" (1934), en la que también actuaba Louise Dresser. Marsh afirmaba que ésta era su interpretación faviorita. En 1935, Marsh firmó un contrato de dos años con Columbia Pictures. Durante ese tiempo, trabajó en películas tales como el clásico de Josef von Sternberg Crime and Punishment (Crimen y castigo) (1935), con Peter Lorre, The Black Room (1935), una de las mejores películas de terror de la década, con Boris Karloff, y el drama Counterfeit, junto a Chester Morris (1936). Cuando su contrato expiró en 1936, Marsh volvió a trabajar como actriz independiente durante varios años, actuando principalmente en películas de serie B. Su último film fue House of Errors (1942), en el cual actuaba con el veterano comediante del cine mudo, Harry Langdon.

    A finales de los años cincuenta actuó en un episodio piloto para una serie de televisión, junto a John Forsythe, y en un episodio de Schlitz Playhouse of Stars. Se retiró en 1959.

    El 29 de marzo de 1938 se casó con el corredor de bolsa Albert Scott, con el cual tuvo dos hijos. Tras la muerte de Scott, Marsh se casó con Cliff Henderson, pionero de la aviación y empresario, trasladándose a vivir a Palm Desert (California), ciudad que Henderson desarrolló en los años cuarenta.

    En los años sesenta fundó Desert Beautiful, una organización dedicada a la protección del medio ambiente. Cliff Henderson falleció en 1984 y Marian siguió residiendo en Palm Desert (California) hasta su muerte a los 93 años de edad.















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  3. #273
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Mary Lange






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  4. #274
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Mary Martín

    Mary Virginia Martin (1 de diciembre de 1913 – 3 de noviembre de 1990) fue una actriz teatral y cinematográfica estadounidense, ganadora de Premios Tony. Entre los papeles que le dieron fama se encuentra el de Nellie Forbush en South Pacific y el de María en The Sound of Music. Fue nombrada Kennedy Center Honoree en 1989.



    Primeros años

    Nacida en Weatherford, Texas, la infancia de Martin, según ella misma describe en su autobiografía My Heart Belongs, fue feliz y segura. Tuvo relaciones muy estrechas con sus padres y con sus hermanos. Su autobiografía detalla cómo la joven actriz tenía un oído instintivo para recrear sonidos musicales.
    El padre de Martin, Preston Martin, era abogado, y su madre, Juanita Presley, profesora de violín. Tenía una hermana mayor, Geraldine.



    Matrimonio

    Martin se comprometió con Benjamin Jackson Hagman estando en la high school, antes de ser mandada al Ward-Belmont Collage en Nashville, Tennessee. Además de imitar a Fanny Brice cantando, pensaba que la escuela era aburrida, y se sentía confinada por las reglas estrictas. Echaba de menos Weatherford, a su familia y a Hagman. Durante una visita, Mary y Benjamin convencieron a la madre de Mary para que les permitiera casarse. Se casaron, ella con 17 años, y Martin quedó embarazada de su primer hijo, el actor Larry Hagman, lo que la forzó a abandonar la escuela. Empezó una nueva vida, y para ella no había nada mejor que la interpretación.
    Debido a su juventud, la luna de miel tuvo lugar en casa de sus padres. El vivir en la casa paterna tras su matrimonio la desanimó, pero su hermana le sugirió que enseñara baile. Martin abrió un estudio de danza. Aquí creó sus propios movimientos, imitando a los famosos bailarines que ella veía en las películas.


    Inicios de su carrera

    Deseando aprender más sobre la danza, Martin se trasladó a California para aprender en una academia de baile, abriendo su propio estudio en Mineral Wells, Texas. Aquí aprendió a cantar con un micrófono y a frasear canciones de blues. Más adelante fue contratada para interpretar el tema “So Red Rose” en el Teatro Fox de San Francisco (California), y después en el Teatro Paramount de Los Ángeles.
    Tras el incendio de su estudio, dejó todo y viajó a Hollywood, dejando que su padre le tramitara el divorcio. En Hollywood Martin se sometió a numerosas pruebas. Su primera prueba y trabajo profesionales llegaron para una emisora de radio nacional. Cantó en un programa llamado “Gateway to Hollywood”. Tras diversas pruebas, Oscar Hammerstein II oyó a Martin cantar una de sus canciones, alabando su interpretación. Este momento marcó el inicio de su carrera.


    Carrera posterior

    Mary Martin luchó durante casi dos años para lograr el éxito en el mundo del espectáculo. Empezó una carrera cantando en la radio en Dallas y en clubes de Los Ángeles. Su actuación en un club impresionó a un productor teatral, y fue elegida para trabajar en una obra en Nueva York. Esa producción no llegó a estrenarse, pero consiguió un papel en la obra de Cole Porter Leave It to Me!. Con dicha obra se hizo popular en Broadway y consiguió la atención de los medios nacionales cantando "My Heart Belongs to Daddy". Esta canción catapultó su carrera y llegó a ser muy especial para Martin.

    Recibió el Donaldson Award y el New York Film Critics Circle Award en 1943 por One Touch of Venus. También le dieron un Tony especial en 1948 por su dedicación al teatro. En 1955 y 1956 consiguió, primero, un Tony por Peter Pan, y después un Emmy por su actuación en el mismo papel en televisión. También recibió otros Tony por South Pacific y, en 1959, por The Sound of Music.

    Aunque actuó en nueve filmes en su carrera, todos entre 1938 y 1943,1 estas interpretaciones no llegaron a la altura de sus actuaciones en las versiones originales para la escena. Ella explicaba que no disfrutaba rodando películas, pues no tenía la "conexión" con la audiencia que existía en el teatro. Su interpretación más ajustada a la teatral fue en televisión, con Peter Pan (la había protagonizado en Broadway en 1954, y esta producción fue llevada a cabo en la cadena televisiva NBC en 1955, 1956 y 1960). Aunque no disfrutaba con las versiones cinematográficas, aparentemente sí lo hacía con las adaptaciones televisivas, las cuales interpretó con frecuencia.

    Martin hizo su última actuación en 1980 en Londres, interpretando a "Honeybun", de South Pacific. En 1982 sufrió un accidente de tráfico, que le ocasionó lesiones graves, y en el cual falleció Janet Gaynor y el agente de prensa Ben Washer.2 3 Recibió el Kennedy Center Honors, un galardón anual concedido en reconocimiento a toda una carrera, en 1989.


    Fallecimiento

    Mary Martin falleció a los 76 años a causa de un cáncer colorrectal en su domicilio de Rancho Mirage, California, en 1990.4 Está enterrada en el Cementerio East Greenwood de Weatherford, Texas.
    Tuvo un segundo matrimonio, con Richard Halliday en 1940. Tuvieron una hija, Heller Halliday.


    Actuaciones

    Teatro

    · Leave It to Me! (193 (Broadway)
    · One Touch of Venus (1943) (Broadway)
    · Pacific 1860 (1946) (Londres)
    · Lute Song (1946) (Broadway)
    · Annie Get Your Gun (1947) (gira nacional)
    · South Pacific (1949) (Broadway)
    · South Pacific (1951) (Londres)
    · Kind Sir (1953) (Broadway)
    · Peter Pan (1954) (Broadway)
    · The Skin of Our Teeth (1955) (Broadway, Washington DC, y París)
    · The Sound of Music (1959) (Broadway)
    · Jennie (1963) (Broadway)
    · Hello, Dolly! (1965) (Londres y gira mundial)
    · I Do! I Do! (1966) (Broadway y gira nacional)
    · Together on Broadway: Mary Martin & Ethel Merman (1977) (Broadway)
    · Do You Turn Somersaults? (197 (Broadway y gira nacional)
    · Legends! (1986) (gira nacional)



    Cine · The Great Victor Herbert (1939)
    · Fashion Horizons (1940) (corto)
    · Rhythm on the River (1940)
    · Love Thy Neighbor (1940)
    · Kiss the Boys Goodbye (1941)
    · New York Town (1941)
    · Birth of the Blues (1941)
    · Star Spangled Rhythm (1942)
    · Happy Go Lucky (1943)
    · True to Life (1943)
    · Night and Day (1946)
    · Main Street to Broadway (1953)

    Televisión

    · America Applauds: An Evening for Richard Rodgers (1951)
    · The Ford 50th Anniversary Show (1953)
    · Salute to Rodgers and Hammerstein (1954)
    · Noel Coward & Mary Martin
    - Together With Music (1955)
    · Producers' Showcase: Peter Pan (dos veces, en 1955 y 1956)
    · Annie Get Your Gun (1957)
    · Magic with Mary Martin (1959)
    · Peter Pan (1960)
    · Mary Martin: Hello, Dolly! Round the World (1966)
    · Mary Martin at Eastertime (1966)
    · Valentine (1979)
    · Over Easy (presentadora entre 1981-1983)












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  5. #275
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Shirley Ross

    Shirley Ross (7 de enero de 1913, Omaha, Nebraska - 9 de marzo de 1975) fue una actriz y cantante.

    Nacido como Bernice subvención en Omaha, su familia se mudó a California cuando era un niño. Estudió en la Hollywood High School y la Universidad de California y con éxito para la audición de Gus Arnheim 's banda durante su segundo año en la universidad. Hizo sus primeras grabaciones con Arnheim en 1933.

    Su carrera cinematográfica empezó en 1933 y por primera vez alcanzado prominencia frente Bing Crosby en la película de 1937 Waikiki Wedding. En La Gran Emitida de 1938 cantó "Gracias por la Memoria", con Bob Hope. Ella re-unido con la esperanza el año siguiente para cantar "Two Sleepy People" en 1938 en el cine Gracias por la Memoria.

    También presentó a "La dama en el amor con usted" de la película de 1939, algunos les gusta caliente, que no es la comedia protagonizada por Jack Lemmon y Tony Curtis, aunque ambas películas comparten el mismo nombre.

    Su único Broadway aparición fue en el Rodgers y Hart musical superior y superior en 1940. Shirley Ross grabó cuatro canciones del espectáculo incluyendo "nunca entró en mi mente".

    Ella hizo su última película, una canción para Miss Julie, en 1945. Ella murió de cáncer en Menlo Park, California, a los 62 años.









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  6. #276
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1913 Vivien Leigh

    Vivien Leigh, (n. 5 de noviembre de 1913 - m. 7 de julio de 1967), nombre artístico de Vivian Mary Hartley, fue una actriz británica ganadora del premio Oscar en dos ocasiones. Es principalmente recordada como Scarlett O'Hara en la superproducción romántica Lo que el viento se llevó.

    Nació en la India, de padres ingleses que pertenecían a una familia acomodada residente en Inglaterra.


    Primeros años

    Desde una edad temprana demostró su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió. Más adelante estudió en la Royal Academy of Dramatic Art con el fin de perfeccionar sus aptitudes interpretativas. Debutó en el teatro en 1934 con la obra The Sash, y al año siguiente en el cine con Things are looking up, participó como modelo y tuvo que aprender a ocultar un gran defecto: sus grandes manos.

    Ya en el conocido teatro Old Vic conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas y tuvieron una sencilla ceremonia a la que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin.

    Vivian siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (193 y Callejón sin salida (193.


    Lo que el viento se llevó

    La fama mundial le llegó cuando David O. Selznick se fijó en ella para que protagonizara la versión cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó (1939).

    Inicialmente ella no era barajada para el papel de Scarlett O´Hara pues no era una actriz conocida en los Estados Unidos. Hizo una audición en Hollywood y fue elegida de entre un grupo de grandes estrellas como Lucille Ball (quien ya tenia el papel casi seguro), Carole Lombard (la esposa de Clark Gable), Paulette Goddard, Jean Arthur, Joan Bennett, Bette Davis (quien rechazó el papel por haber hecho un año antes Jezabel) y Katharine Hepburn. Parece que Vivien obtuvo el papel gracias a George Cukor, quien iba a dirigir la película hasta que fue sustituido por Victor Fleming. Se cuenta que Cukor fue apartado del proyecto por orden de Clark Gable, quien se sentía incómodo porque Cukor conocía ciertos detalles comprometedores de su pasado.

    Por años corrió un falso rumor de que en el set Vivian no estaba cómoda ya que y ella no se llevaban bien fuera del set y siempre discutían por el mal aliento que Clark se propiciaba para desagradar a Vivian.

    Olivia de Havilland, la única actriz que aun vive de los actores principales, la recuerda como «una mujer muy dulce y profesional» refiriéndose a que Vivian que era inglesa tuvo que aprender el acento sureño.

    Su actuación inolvidable de Scarlett O´Hara la catapultó a la fama mundial haciéndola una de las actrices más reconocidas de todos los tiempos tras Bette Davis y Katharine Hepburn. Su interpretación de Scarlett O´Hara le valió un premio Oscar de la Academia.


    Un tranvía llamado deseo y últimos años

    A pesar del éxito que le proporcionó este título, Vivian seguiría prefiriendo el teatro al cine, y en las posteriores décadas sólo participó en contadas películas, entre las que destaca Un tranvía llamado deseo (1951), por la que obtuvo su segundo Oscar.

    Actuó en Broadway en Tovarich que le valió su primer premio Tony. Pero su precario estado de salud le impedía desarrollar su carrera con normalidad, y las tormentosas relaciones con su marido, Lawrence Olivier, tampoco ayudaron a Vivien. Terminaron divorciándose en 1960 y ella se instaló a vivir junto al también actor John Merivale.

    Es considerada una de las mujeres más bellas de la pantalla grande por sus finas facciones y sus imponentes ojos que deslumbraron a más de un hombre.

    Después de un tiempo Vivien fue al doctor quien le diagnosticó un regreso de una tuberculosis de la que años antes se había curado, se le prohibió actuar y exponerse a los cambios climáticos.

    Después de que como todos los días arreglara su jardín y limpiara su casa Vivien tuvo una reunión. Cuando se sintió cansada subió y fue hallada muerta en su habitación dos horas después por su marido John Merivale, pero se relata que el más destrozado por la noticia fue Lawrence Olivier.

    Murió tempranamente a la edad de 53 años de tuberculosis crónica, cuando su abuela, su madre y su hija aún vivían.
















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  7. #277
    icaro69
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    Los polos se atraen. Como los colores de ésta simbólica carátula.

    Como el rojo y el negro, símbolos de la bandera fascista y la CNT.

    Rojo y Negro, fue la primera película falangista censurada en su época por el gobierno franquista.

    Estuvo empolvada 24 años, hasta que en 1966 la rescató la Filmoteca nacional.

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    ¿Porqué?

  8. #278
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1914 Andrea Leeds

    Andrea Leeds (14 de agosto de 1914 – 21 de mayo de 1984) fue una actriz cinematográfica estadounidense nominada al Premio Oscar.

    Su verdadero nombre era Antoinette Lees, y nació en Butte, Montana. Inicio su carrera cinematográfica en 1934 interpretando pequeños papeles, y usando su verdadero nombre. Ya como Andrea Leeds tuvo su primer papel importante en la película de 1936 Come and Get It (Rivales). Consiguió un nuevo éxito al año siguiente con It Could Happen to You (1937).

    Fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su siguiente papel, el de una fracasada aspirante a actriz en Stage Door (Damas del teatro) (1937). Formó parte de un reparto de actrices de gran renombre, incluyendo a Katharine Hepburn, Ginger Rogers, Lucille Ball y Eve Arden. A pesar de ello, fue elogiada y destacada por la crítica. Tras su éxito en esta película, Leeds hizo pruebas para el papel de Melanie en Lo que el viento se llevó, que finalmente consiguió Olivia de Havilland.

    Su sustancial calidad hizo que fuera elegida para trabajar en The Goldwyn Follies (193 haciendo el papel de "Miss Humanity". El film tuvo poco éxito y no recibió buenas críticas.

    Posteriormente actuó en dos películas junto a Joel McCrea, Youth Takes a Fling (Vocación de marino) (193 y They Shall Have Music (1939), la primera ocasión en la que tuvo un papel protagonista. Siguió interpretando papeles protagonistas románticos en la película de aventuras ambientada en la Filipinas de 1906, The Real Glory (La jungla en armas), junto a Gary Cooper y David Niven, y en Swanee River (1939), junto a Don Ameche, biografía en Technicolor de Stephen Foster,

    Su última película, Earthbound (1940), era de tema fantástico, sobre una mujer (el papel de Leeds) que resuelve el asesinato de su marido con la ayuda de su fantasma.

    Estas películas tuvieron bastante éxito, por lo que Leeds se hizo una actriz popular. Sin embargo, en 1939 se casó con el deportista Robert S. Howard, y decidió dejar el cine para centrarse en su familia. Se dedicó a la cría de caballos, y tras la muerte de Howard en 1962 dirigió un negocio de joyería. Fue su único matrimonio. Tuvo dos hijos, uno de los cuales falleció antes que ella.

    Andrea Leeds murió a causa de un cáncer en Palm Springs, California, a los 69 años de edad. Como residente de la ciudad durante años, es recordada como una de sus ciudadanas más importantes, poseyendo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Fue enterrada en el cementerio Desert Memorial Park en California.




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  9. #279
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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1914 Dorithy Lamour


    Dorothy Lamour nació como Mary Leta Dorothy Slaton, el 10 de diciembre de 1914, en New Orleans, Louisiana, hija de John Watson Slaton y Carmen Louise La Porte. Tanto su padre como su madre trabajaban como camareros de restaurantes. La pareja se separó al poco tiempo de casados y luego Carmen contrajo matrimonio con Clarence Lambour, de quien Dorothy tomó su apellido. Sin embargo este matrimonio tampoco duró mucho tiempo y se divorciaron cuando Dorothy era una quinceañera. Desde su adolescencia Dorothy, con 1.65m de estatura, siempre atrajo las miradas por su singular belleza y su desenvolvimiento con gran simpatía.

    Debido a los divorcios, la situación económica en la casa de Dorothy era muy precaria y por esa razón, a los 15 años dejó los estudios, falsificando una supuesta autorización de su madre para hacerlo y se dedicó a trabajar para ayudar al sustento del hogar. Después ingresó a una academia para estudiar secretariado. Cuando tenía 17 años, sus ojos marrones y su cabello negro convencieron a los jueces que la coronaron como Miss New Orleans 1931. Ese concurso le abrió las puertas de su carrera artística, aunque sus deseos eran convertirse en cantante y no en actriz. Con el dinero que recibió como premio en el concurso viajó a Chicago con su madre, donde trabajó primero como ascensorista por $17 a la semana en la tienda por departamentos Marshall Field, pero siempre dispuesta a labrarse un porvenir en el ambiente artístico. Participó en un programa de concurso de vaudeville y poco después fue contratada como vocalista en la Banda de Herbie Kay creando su nombre artístico eliminando la letra "b" de su apellido y quedándose como Dorothy Lamour. Tuvo bastante éxito en sus primeras presentaciones y poco después ambos viajaron a Nueva York donde Dorothy trabajó con Rudy Vallee y nada menos que con Eddie Duchin en el Club Morocco. En 1934 fue contratada como cantante para el programa de radio "The Dreamer of Songs". En el año 1935 contrajo matrimonio con Herbie Kaye.

    Ese mismo año, mientras trabajaba en el club nocturno 1 Fifth Avenue, conoció a Louis B. Mayer, Presidente de la Metro Goldwyn Mayer, en ocasión que ella cantaba en un club nocturno. Con ojo crítico Mayer inmediatamente pensó que Dorothy tenía cualidades y talento para convertirse en actriz y le propuso hacer unas pruebas en los estudios. La prueba se perdió y le solicitaron que hiciera otra prueba si aún lo deseaba y estaba interesada en la actuación. Mientras eso ocurría Dorothy conoció a Jack Votion buscatalentos de Paramount quien le propuso ir a los estudios para filmar unas pruebas cosa que ella aceptó. Tanto las pruebas como su trato personal cautivó tanto a los directivos de Paramount que decidieron extenderle un contrato que fue firmado inmediatamente.

    Las dos primeras películas de Dorothy, "The Stars Can't Be Wrong" (Las Estrellas Pueden Estar Equivocadas) y "The Jungle Princess" (La Princesa de la Jungla) fueron filmadas en 1936. En esta última película, actuando como la Princesa Ulah, hija de una suerte de Tarzán femenina, criada junto a un pequeño tigre, vistió el sarong que sería su prenda característica por muchos años. Su contraparte masculina fue Ray Milland. Pero, al mismo tiempo que su carrera comenzaba su matrimonio comenzó a desmoronarse. Herbie y su Banda realizaban giras artísticas a todo lo largo de los Estados Unidos, mientras Dorothy perseguía en esos momentos alcanzar el estrellato en Hollywood. Ambos estaban separados la mayor parte del tiempo y decidieron por fin divorciarse en 1939. Para explotar al máximo el éxito de su sarong, Dorothy filmó 6 películas con ese atuendo, pero posó para innumerables fotografías así vestida Las películas con el sarong fueron parte de la serie "Roads" (Caminos) con Bob Hope y Bing Crosby. "Camino a Singapur" (1940), "Camino a Zanzibar" (1941), "Camino a Marruecos" (1942), "Camino a Utopía" (1946) y "Camino a Bali" (1952). La última filmación de "Road" fue "Camino a la Fuente de la Juventud" parcialmente filmada hasta 1977 cuando murió Bing Crosby. Pero la última terminada de la serie fue "Camino a Hong Kong" (1962), con Hope y Crosby en sus papeles habituales, pero en esa oportunidad el sarong no lo llevaba Dorothy Lamour sino Joan Collins. Otras de las películas filmadas por Dorothy fueron "Huracán" (1937), "Tifón" (1940), y "Beyond The Blue Horizon" (1942) . Sólo en el período de los años 30 y 40, Dorothy filmó cerca de 40 películas y cobraba 450.000 dólares por film. Durante su carrera cinematográfica y los largos períodos de separación de su esposo, tuvo sus romances con Bob Ritchie, Cary Grant, Frank Borzage, J. Edgar Hoover, Jimmy Stewart y Rudy Vallee. También estuvo relacionada sentimentalmente con Randolph Scott en 1938, John Howard en 1939 y Greg Bautzer en 1940.
    Durante la segunda Guerra Mundial, Dorothy Lamour participó en el esfuerzo de guerra poniendo al servicio su talento artístico y ganándose el apelativo de "la bomba de los bonos" mientras hacía una gira por todo el país con el propósito de promover la venta de bonos de guerra. La promoción fue un éxito y vendió 300 millones de dólares en Bonos de Guerra. Por esa campaña, el gobierno la eximió del pago de impuestos de por vida. Durante esa gira conoció al Mayor del Cuerpo Aéreo del Ejército de EEUU, William Ross Howard III, vendedor de madera en tiempos de paz y que también se dedicó a la industria de alimentos congelados y a la publicidad. Dorothy era divorciada y William Ross también divorciado de Louise Brooks, hija de Lionel Atwill, que fue la primera esposa del General Douglas MacArthur. Dorothy y William se casaron en 1943 y tuvieron su primer hijo llamado Tom en 1949. Mientras se encontraba embarazada, decidió dejar la vida artística y la familia se mudó a Baltimore donde Bill planeaba competir y obtuvo el cargo de legislador del Estado de Maryland, mientras Dorothy se dedicó a atender el hogar y criar a sus hijos.

    En 1951 fue tentada por las tablas debutando en la obra "Oh Captain" estrenada en Broadway. Regresó al cine en 1952, trabajando en la película "The Greatest Show on Earth". Durante la década de los 50 hizo apariciones en televisión en programas como "The Colgate Comedy Hour" y "Damon Runyon Theatre." En 1961 preparó una presentación en clubes nocturnos y luego en teatro con las obras "DuBarry Was a Lady" (Dubarry fue una Dama) en 1963 y "Hello, Dolly!" en 1967.
    Dorothy y Bill tuvieron tres hijos, incluyendo uno de su anterior matrimonio con Luise Brooks. La pareja vivió feliz hasta la repentina muerte de Bill en 1978. Durante la siguiente década, Dorothy continuó apareciendo en radio, cine y teatro. En su última película "Creepshow II" filmada en 1987 interpretó a una decrépita ama de casa que es asesinada, un film que no tuvo gran éxito y mostró a Dorothy en total decacdencia.

    Dos de los méritos de Dorothy Lamour, considerando que interrumpió sus estudios secundarios, fueron que nunca estudió, ni actuación ni canto, menos música, ni nada que tuviera que ver con las técnicas del séptimo arte, sin embargo hizo 64 películas y grabó un centenar de canciones durante su carrera artística. No hay duda pues, que durante seis décadas, hizo una interesante carrera artística, en el cine, el teatro y en la industria discográfica y fue considerada una de las "pin up" favoritas de los soldados durante la Segunda Guerra Mundial, luciendo su inconfundible sarong.

    Dorothy Lamour falleció por causas no dadas a conocer en un hospital de Los Angeles, California, el 22 de setiembre de 1996, a la edad de 81 años. La sobreviven sus hijos John Ridgley Howard, Tom Howard, y su hijastro William R. Howard IV. Asistió al sepelio el único amigo que, según dijo la misma Dorothy tuvo en toda su vida, Bob Hope, quien entonces tenía 90 años de edad.













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    Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE

    1914 Ida lupino

    Ida Lupino (1914-1995). Actriz, directora y guionista británica. Era consciente de lo difícil que era dirigir a hombres. No era una situación corriente en esos años que un hombre estuviera bajo la dirección de una mujer. Así que optó por tomar el role de “mamá” y sugerirles más que dirigirles. “Podrías hacer eso por mamá” y ellos lo hacían. Ida también quería devolverle el guante a Hollywood por como trataba y retrataba a las mujeres. Así que ella retrataba a los hombres exactamente igual que Hollywood retrataba a las mujeres en las películas de cine negro: redujo los roles de los actores masculinos a seres pseudo-peligrosos, irracionales y heridos que caracterizaban a las actrices de Hollywood.

    Ida Lupino nació en Londres (Gran Bretaña) en 1914 en el seno de una de las familias dedicadas al teatro más famosas del país. La tradición histórica de su familia en el teatro venía del siglo XVII en Italia, mucho antes de que la familia Lupino se exiliara a Gran Bretaña como refugiados políticos.

    Ida fue una de las actrices más prolíficas de la época actuando en algo más de una centena de películas entre las que realizó en su país natal y más tarde en Hollywood.

    Empezó a actuar a la temprana edad de 10 años. Su padre le construyó un pequeño teatro para ella y comenzó a enseñarle arte dramático. Con 13 años, ya formaba parte de la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. En 1933 realizó su primera película. Cambió su pelo castaño por una melena platino y se colocó unas infinitas pestañas postizas en su cuerpo de niña de 15 años.

    Su espectacular aspecto conquistó a Hollywood y su audiencia y la Paramount fijó su contrato en 1.750 dólares a la semana.

    Desafortunadamente, la Paramount la incluyó en películas perfectamente olvidables y ella, después de 11 producciones de ese tipo, decidió abandonar a la Paramount. Ida se fue a Hollywood, pero la vida allí era mucho más dura de lo que ella esperaba. Era una rubia bonita antes que una magnífica actriz, perdió tanto peso que puso su vida en peligro y también se casó. Un día, se cansó de actuar como mujer suave y endeble y siguió el consejo de Hedda Hooper; se quitó de encima su rubio de bote y su excesivo maquillaje y consiguió darle el primer giro a su vida.

    Durante los años cuarenta, Ida Lupino actuó para la Warner Bros en numerosas películas, a menudo clasificadas como clase B. Casi siempre interpretó papeles de mujer herida, despechada, triste, o con el corazón roto que casi nunca terminaban especialmente bien.

    Fueron probablemente este tipo de papeles que Hollywood se empeñaba en asignarle a ella y a las mujeres en general, los que consiguieron cansarla y separarla de las pantallas de Hollywood. Así que ella y su nuevo marido formaron una productora, “Filmakers”.

    Creando esta compañía ella esperaba poder tener el control creativo de las películas y explorar todos aquellos roles que Hollywood siempre evitaba.

    Ida Lupino como directora se centró en temas de realismo social y a menudo tratando temas controvertidos para la sociedad de esa época como por ejemplo: realizó fuertes críticas a las violaciones, habló de promiscuidad, de madres solteras y de la bigamia, etc. Así mismo también se ocupa de investigar en sus películas la sexualidad femenina, la emancipación de la mujer, etc. eran heroínas. “Not Wanted”, “Never Fear”, “Hard, Fast and Beautifull”, “Outrage” o “The Bigamist” son ejemplos de ello.

    Estas películas la llevaron a que se la reconociera dentro del gremio de los directores. Ella fue la única mujer de reconocido prestigio dentro de la Industria Cinematográfica. Detrás de su silla de directora tenía escrito “mamá” en ver del tradicional “director”. Todo el mundo hablaba del magnífico ambiente que se respiraba en los platós cuando Ida dirigía. “Había una gran camaradería entre el personal e Ida; harían cualquier cosa por ella” .

    Más tarde, Ida se centró en trabajos para televisión, tanto como directora como actriz. Dirigió varias de las series de televisión de más éxito del momento como: “Gunsmoke”, The Untouchables” o “Sunset Strip”.

    Ida Lupino se retiró en 1978 y murió de un ataque al corazón 17 años más tarde en Los Ángeles. Lo más importante que hizo Ida Lupino durante su carrera cinematográfica fue demostrarle al mundo que una mujer puede ser en Hollywood mucho más que una cara bonita. Ella demostró ser una gran directora y tuvo la suerte de que también se lo reconocieran.












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