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Tema: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

  1. #61
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Olimpia de Manet



    Olympia, cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863. Mide 130,5 cm de altura y 190 de largo. Esta célebre obra fue realizada por Manet para presentarla en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) en el citado año de 1863. Sin embargo, no se expuso hasta 1865, en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo, ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.

    Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino del Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En lugar de las doncellas que acompañaban a los desnudos del Cinquecento, entra en escena llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. Por otra parte las carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto gato negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Por otra parte Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

    A pesar de la audacia conceptual de este cuadro, su temática se inscribe en una larga tradición de la pintura académica, aquella de la odalisca y la esclava, tal como se observa en las Odaliscas de Ingres e incluso en la Odalisca de Bénouille y la de Jalabert, realizadas en los 1840. Aunque Manet ha sabido quitar el subterfugio para representar a la mujer desnuda y es de este modo que se encuentra una suerte de directa filiación con su precedente: La maja desnuda retratada por Goya.
    En cuanto a este cuadro de Manet, otro de los motivos para el escándalo fue que la mujer pintada era bastante conocida en París: la modelo y también pintora Victorine Meurent.
    Cabe señalar que el nombre del cuadro no le fue dado por su realizador sino por Charles Baudelaire.

    Se produce un notable contraste entre la figura de la modelo, y la ropa, tanto de la cama como de la criada negra, con el fondo, oscuro, del resto del cuadro. En este predominio del negro y el blanco, las únicas manchas de color son, por un lado, los bordados florales tipo oriental de una tela de seda, especie de mantón con flecos, que hay sobre la cama y del ramo de flores que le trae la sirvienta, que en cierto modo repite los colores de las flores bordadas.
    ( Texto Wikipedia )

  2. #62
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado





    Tondo Doni
    De Wikipedia, la enciclopedia libre

    Sagrada Familia
    (Tondo Doni)



    Información
    Pintor Miguel Ángel
    Año Hacia 1503
    Estilo artístico Renacimiento
    Técnica pictórica Óleo y temple sobre madera
    Longitud 120 cm
    Anchura 120 cm
    Localización Galería Uffizi
    Florencia, Italia

    Esta Sagrada Familia, conocida como Tondo Doni, es un cuadro del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Su diámetro alcanza los 120 centímetros. Se considera que esta obra se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.

    Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz, Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. La escuela flamenca usaba la técnica al óleo opuesta, de iluminar desde los highlights hasta los tonos más oscuros del pigmento. El efecto colorista de Miguel Ángel se llama cangianti y es típico de su estilo pictórico.

    Es el único panel de madera pintado por Miguel Ángel. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su matrimonio con Alex Cecala, la hija de una famosa familia de banqueros. Tiene forma de tondo, esto es, redonda, lo que se asociaba en el Renacimiento con el matrimonio.

    En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado. María y José presentan al Niño al espectador. Esta composición de presentación podría estar refiriéndose al nombre del comitente de la pieza Doni, en italiano "regalos", y ayuda a fundamentar la tesis de que fuera él quien lo encargó.

    Detrás de estas figuras principales, separados por una balaustrada, se distingue a san Juan y un grupo de ignudi. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano. No obstante, la inclusión de estas figuras desnudas no es de modo alguno inusual en la obra de Miguel Ángel, como puede verse en otras obras suyas, incluyendo el famoso techo de la Capilla Sixtina. Se cree que pueden ser ángeles ápteros, esto es, sin alas.


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  3. #63
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Alma-Tadema, Lawrence: "Rivales inconscientes", 1893






    Aunque nacido en los Países Bajos, Sir Lawrence Alma-Tadema pasó la mayor parte de su vida en Londres, donde llegó a ser uno de los más famosos pintores victorianos. Es autor de varias composiciones complejas sobre el Imperio Romano, como ésta o "Las Rosas del Heliogabalus"


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  4. #64
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    Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Sonia Delaunay

    De Wikipedia, la enciclopedia libre

    Sonia Delaunay (Odesa,1885 - París, 1979) fue una pintora y diseñadora francesa de origen ruso, casada con el pintor Robert Delaunay.

    Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y los orfistas, desarrolló, a partir de 1910, un estilo basado en la yuxtaposición o 'contraste simultáneo' de colores puros rotos en prismas. Se la considera la reina del art déco.

    Expuso pinturas, telas y encuadernaciones realizadas con esta técnica y también diseñó vestuarios para teatro.

    En la década de 1920 Delaunay se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil.

    Después de 1940 su estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento.

    En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de París recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo.



    Colorista,pasional, fuerte... me gustan las pinturas de Sonia y también las de su marido Robert...

  5. #65
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado



    Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Aviñón es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

    Este cuadro, que marcó el comienzo de su Época Negra, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.
    Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.

    Las bases de esta obra están influenciadas por una reinterpretación de las figuras alargadas de El Greco, habiéndose señalado una influencia particular de su Visión del Apocalipsis; su estructura ambiental que rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.

    Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso, quien, junto con Georges Braque, crearía y continuaría la nueva corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.

    Se expuso en la Galerie d’antin (París) en 1916, tras lo cual Picasso la guardó en su estudio, hasta que a principios de los años 20 fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais. Poco tiempo después el cuadro fue comprado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde es una de las piezas más preciadas de la colección.

    Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura del siglo XX.

  6. #66
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Joaquin Sorolla "Aún dicen que el pescado es caro"






    Las primeras obras de Sorolla no están realizadas en ese típico estilo luminista por el que todo el mundo le conoce. El caso del maestro valenciano es el del típico pintor que se tiene que atener a la moda imperante en la época hasta que obtiene el éxito con su estilo personal. Este hecho, característico de los pintores españoles del siglo XIX, viene motivado por la escasez económica de sus primeros años y por el rápido deseo de triunfo, que hace que se adapten a lo exigido en el mundo académico para conseguir el dinero y la fama. Por esto, Sorolla va a realizar sus primeras obras dentro del realismo social que tanto gustaba a los críticos españoles en aquellos momentos. Con Aún dicen que el pescado es caro obtuvo una Medalla de Primera Clase en la Exposición Nacional de 1895, por lo que el cuadro fue adquirido por el Estado y se exhibe en el Museo del Prado. A pesar de tener una temática social, Sorolla ya hace una alusión a uno de sus temas favoritos: los pescadores de su tierra natal, Valencia, que más tarde pintará en diferentes faenas cotidianas. Ahora nos pone de manifiesto lo peligroso de la pesca, lo que provocaría el título de la obra. Podemos observar a un joven pescador, tendido en la cubierta del barco, con el torso desnudo, mientras otro le sujeta por las axilas y un tercero le cura la herida con un paño. La escena, como vemos, se desarrolla en una barca al apreciarse perfectamente pescados en el fondo y diversos utensilios en primer plano: los toneles de agua dulce, las cuerdas, el candil, etc. La preocupación por la crítica social no significa que el pintor olvide los efectos lumínicos, produciéndose importantes contrastes entre luz y sombra aunque no muy violentos. Otra de sus preocupaciones será la expresividad en los rostros de sus personajes, como observamos en los gestos de los veteranos pescadores. El colorido empleado es bastante oscuro, continuando la tradición cromática de la Escuela española, aunque introduce algunos tonos verdes y azules. La conjugación de la pintura de realismo social con la luz valenciana hace de ésta una de las mejores obras del artista.


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  7. #67
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    Re: Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Joaquin Sorolla "Cosiendo la vela"






    Cosiendo la vela es otra obra importante de Sorolla, como solución de problemas técnicos de luminosidad. Bajo el emparrado del jardincillo de una casa de pescadores del Cabañal, la luz solar, que en el meditarráneo tiene una potencia peculiar, reverbera sobre la lona en llamsa blancas, cuando los rayos logran atravesar el dosel de pámpanos. A la derecha del cuadro, varias jóvenes, algunas bellísimas, cosen la vela; a la izquierda, un pescador, con su gran sombrero de paja, la sostiene; al fondo, otra mujer, sentada en tierra, cose también, y un anciano pescador examina lo hecho.
    Tanto la lona como las enjalbegadas pilastras del emparrado, los muros del fondo, la tierra y el verde exaltado de la fronda, reflejan una luz que inunda el ambiente con centelleo cristalino, rebajando los contrastes de tal modo que apenas hasy diferencia tonal entre las luces y las sombras.
    Sorolla presentó Cosiendo la vela en varios certámenes: obtuvo primera Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Munich de 1897 y Gran medalla del Estado en la Exposición Internacional de Viena de 1898.

    Bibliografía
    Manaut Viglietti, Jose. Crónica del pintor Joaquín Sorolla. Madrid: Editora Nacional, 1964.


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  8. #68
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    Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Diego Rivera... simplemente la luz...


  9. #69
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    Arte.... pinturas y cuadros que nos hayan impresionado

    Homenaje al Bicentenario del 2 de Mayo




    Los dos grandes cuadros del dos y tres de mayo fueron realizados por Goya en 1814. El pintor se había dirigido por escrito el 24 de febrero de ese a año a la Regencia, presidida por el cardenal de Toledo Luis de Barbón y Vallabriga, manifestando «sus ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa», y para poder pintar tales obras pedía una ayuda económica. El 9 de marzo se accedía a su petición, concediéndole el pago de «lienzos, aparejos y colores», además de 1.500 reales de vellón mensuales mientras durase la realización de esos cuadros.

    Tanto este cuadro como La Carga de los Mamelucos están en el Museo del Prado.

    También han montado diferentes exposiciones en Madrid para celebrar el bicentenario, si venís no os las perdais.

  10. #70
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    A veces los viajes no dan para todo...

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