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Abro este hilo para contribuir con una inspiración, que sumida en arte, sea el reflejo de algo que todos podamos entender. Con este cuadro quiero dar a comprender que el sexo en grupo ya era en el pasado una práctica habitual y quizás más normal que en la actualidad. Por eso, entre de muchas os pongo una pintura de "La bacanal de los andrios", de Tiziano, pintada en 1519
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Este hilo va a dar mucho de si.
Pongo una de mis pinturas preferidas: "El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli, pintada entre 1482 y 1484.
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Detalles:
* Cephiro y Cloris tiran rosas: Dicen que nacieron con Venus, por eso representan el amor.
* Cephiro y Cloris: Dios del viento del Oeste y diosa de la Brisa, representan la unión entre materia y espíritu.
* Venus púdica: A esta postura se le denomina así porque tapa sus vergüenzas de forma pudorosa.
* Aciano y plantas: La Hora se representa con un manto bordado de acianos, planta de la Primavera.
* Anémona azul: Planta de la Primavera
* Hora de la Primavera: Ataviada con un manto y una guirnalda de mirto (planta sagrada de Venus) espera la diosa en las costas de Creta.
* Naranjos y laurel: Pueden tener relación con la familia Médicis
* Perspectiva y espacio: A Botticelli no le interesaba la representación del espacio.
Las Meninas - Diego Velázquez (1656).
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Ubicación: Museo del Prado
Estilo artístico: Arte Barroco.
Técnica:Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 310 cm x 276 cm
Detalles:
* Menina: Menina es una palabra portuguesa que denomina a los pajes de la infanta, doncellas de honor a su servicio. La de la izquierda es María Agustina Sarmiento de Sotomayor.
* Sala: La sala representada es la estancia donde tenía el taller Velázquez, que anteriormente fue la estancia del príncipe Baltasar Carlos, muerto diez años antes del cuadro. Era una sala del Alcázar de Madrid.
* Espejo: En el reflejo del espejo vemos a los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria. En realidad, el cuadro lo que representa es al público que miraba cómo Velázquez pintaba a los Reyes. Es un truco muy utilizado, sobre todo en el Barroco, una ilusión.
* Infanta: En el centro se sitúa la princesa Margarita, única superviviente de los hijos de los reyes. Posa orgullosa alrededor de sus meninas y personajes de la Corte, como los enanos.
* Mari: Mari Barbola es la enana que se encuentra a la derecha del cuadro y que pertenecía a la Corte.
* Niño: El niño que pega una patada al perro es Nicolasito Pertusato, miembro también de la Corte de la Infanta.
* Detrás: Doña Marcela de Ulloa es la viuda que se encuentra detrás de la Corte, siendo también público de la representación.
* Menina: La menina de la derecha es Isabel de Velasco.
* Velázquez: El propio autor se representa así mismo concentrado pintando un gran cuadro. Esto subraya la teoría que en realidad pinta un retrato de los reyes, reflejados en el espejo del fondo. Era habitual en el taller del pintor las visitas de la Corte y la Infanta cuando éste pintaba, así que la representación es fiel a la costumbre.
* José: José Nieto Velázquez, probablemente familia del pintor, aparece al fondo abriendo la puerta. Era el encargado de la tapicería real. Al abrir la puerta, en el cuadro vemos un punto de entrada de luz natural que ofrece claroscuros muy marcados. Sobre todo esta luz se ayuda de la que viene de las ventanas a la derecha.
* Teorías: Hay muchas teorías acerca de qué momento representa el cuadro. Unos dicen que es una representación de los Reyes, otros dicen que es el momento justo donde los reyes entran y todo el mundo se sorprende. La mirada baja de la Infanta y la cara de sorpresa de la enana pueden justificar esta afirmación. Sin embargo, muchos teóricos piensan que Velázquez lo que realmente está haciendo es una reivindicación del valor social del artista, muy importante en el siglo XVII.
* Teorías: Otras teorías aluden al carácter simbólico de los personajes. Así, la enana tiene una bolsa de monedas en la mano, simbolizando la codicia. El niño pega al perro, la fidelidad, por lo que sería la representación del Mal.
* Cruz: Velázquez recibió la Cruz de Santiago en 1659. Esta importante distinción se la concedieron pues después del cuadro, por lo que la leyenda dice que fue el propio rey Felipe IV quien la pintara en el cuadro para agradecerle su apoyo y trabajo para él.
* Cuadros: En el fondo podemos ver dos grandes cuadros de temas mitológicos. Minerva y Aracne, de Rubens copiado por Juan Bautista del Mazo y Apolo y Pan, de Jordaens.
* Ventanas: Aunque no las veamos, a la derecha están situadas las ventanas. Es un efecto lumínico que produce gran naturalidad.
* Perspectiva: La maestría de Velázquez radica en su uso de la técnica, la pincelada suelta y la luminosidad produciendo claroscuros. La perspectiva que usa es la aérea. Los rostros de los personajes se difuminan como si el aire estuviera viciado, ya que están alejados de la escena principal. Así, el cuadro tiene profundidad.
Gran Muralla China (hacia el S. III a.d.c.)
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Detalles:
* Impedir: Sus 7000 km que recorre servían para impedir que los atacantes trajeran caballos con ellos, no tanto para que sea atravesada a pie. La muralla llegaba desde el paso de Shanghai hasta el paso de Jiayu.
* Secciones: La confección de la muralla no se hizo de un tirón, sino que fueron secciones independientes que se iban haciendo. En la dinastía Chin se unificaron todas las partes y se configuró la existente ahora.
* Torres: En la dinastía Han se crearon torres de vigilancia que se comunicaban con antorchas entre ellas si había ataques.
* Edificios: A parte de los muros y de las torres, también había edificios de administración más distanciados entre sí.
* Piedras: Algunas de las zonas del muro se han utilizado como cantera para casas cercanas, por lo que la conservación ha sufrido. Sin embargo, algunos tramos han sido reconstruídos actualmente.
La Gran Muralla China (chino tradicional: ??, chino simplificado: ??, pinyin: Cháng Chéng, "Larga fortaleza") o (chino simplificado: ????; chino tradicional: ????; pinyin: Wànl? Chángchéng; literal "la larga muralla de 10.000 Li (?)[1] " es una antigua fortificación china construida y reconstruida entre el siglo V a. C. y el siglo XVI para proteger la frontera norte del imperio Chino durante las sucesivas dinastías imperiales de los ataques de los nómadas xiongnu de Mongolia y Manchuria.
Sin contar sus ramificaciones y construcciones secundarias, cubrió 6.400 km desde la frontera con Corea al borde del río Yalu hasta el desierto de Gobi lo largo de un arco que delinea aproximadamente el borde sur de Mongolia Interior, aunque al día de hoy sólo se conserva un 30% de ella. En promedio, tiene 6 a 7 metros y 4 a 5 metros de ancho. En su apogeo Ming, fue custodiada por más de un millón de guerreros.[2]
La muralla fue nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1987. Gran parte de la Gran Muralla tiene fama de ser el mayor cementerio del mundo. Aproximadamente 10 millones de trabajadores que murieron durante la construcción.[3] No se les enterró en el muro en sí, sino en sus inmediaciones.
El día 7/7/2007 la muralla china fue nombrada como una de las ganadoras en la lista de las Siete Maravillas del Mundo Moderno.
Ictino y Calícrates. 447 a.C.-432 a.C.
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Encargante: época de Pericles.
Ubicación: Acrópolis de Atenas (Grecia)
Estilo artístico: Arte griego, estilo dórico.
Técnica: Mármol blanco
Detalles:
* Templo: Si sitúa en la Acrópolis de Atenas, lugar más alto donde se ponían los edificios más importantes ya que estaba mejor defendido. El Partenón es un templo dórico que estaba erigido para la diosa Atenea, cuya imagen protagonizaba la naos principal en una gran escultura de oro y marfil, que no se conserva.
* Arquitrabe: Su exquisita decoración la realizó Fidias, escultor que fue quien dirigió los trabajos la mayoría de las veces de los arquitectos. La decoración, aunque simple, es una bella combinación de metopas con relieves con temas de la mitología griega. Una metopa es el cuadrado o tramos que queda entre los triglifos, la especie de barras verticales que podemos ver.
* Tímpano: Los templos acababan siempre por un gran tímpano. Dependiendo del orden que hablemos, la decoración general variará. Por ello, como este templo es dórico, vemos una decoración de metopas y triglifos en el arquitrabe, que es el tramo rectangular que queda entre las columnas y el tímpano. El tímpano se decora a su vez por un friso que representaba la procesión de las Panateneas.
* Columna: La columna de orden dórico griega es una columna simple, que se asienta directamente sobre la escalinata y cuyo fuste o parte central tiene acanaladuras vivas. Es decir, su tronco estaba horadado formando canales que tenían sus aristas sin redondear. En la parte del capitel o zona superior, había un collarino y todo se remataba por el equino y el ábaco. Estos son los dos módulos que vemos formando un capitel muy simple, sin decoración.
* Escalinata: Los templos generalmente se colocaban sobre una escalinata para salvar las aguas. Esta escalinata se denomina estereóbato y al último peldaño o suelo se llama estilóbato.
* Octástilo: A la hora de organizar las tipologías de templos hay que tener en cuanta muchas cosas. Una de ellas es el número de columnas que tiene en su frontal. Así, en este caso, al haber ocho columnas, podemos afirmar que el templo es octástilo. Las columnas de los frentes siempre son pares y, sino lo son, es que es un templo muy primitivo.
* Efecto: Como comentamos en su día con el templo del Panteón en Roma, aquí también podemos ver el efecto visual de las columnas más estrechas en los extremos que en la central. Recordamos que era un efecto visual que se usaba para hacer que en la distancia, parecieran perfectamente rectas.
* Interior: En los templos suele haber varias salas, llamadas naos o cellas, aunque también puede haber naves precediendo a estas, las pronaos. En este ejemplo tenemos varias cellas, aunque una de ellas es la más importante ya que tiene nueve columnas que forman una U en cuyo interior estaba colocada la gran estatua de Atenea Parthenos, Atena la Virgen. Por esta gran escultura se denominó así al templo griego.
* Expolio: Hablar del Panteón es hablar de expolio. El embajador británico en Constantinopla a principios del siglo XX decidió llevarse la gran mayoría de los frisos decorativos a Inglaterra para venderlos al Museo Británico, que los exhibe con orgullo en su interior, sin escuchar las continuas quejas internacionales por tal desfachatez y pidiendo su vuelta a su lugar de origen. Es extremadamente grave este caso, ya que no tiene ningún sentido histórico ni artístico despojar a un monumento de ninguna de sus partes, y menos exhibirlas de forma independiente sin entender el conjunto, que es lo que realmente hace grande a una obra de arte.
* Color: Aunque nosotros tenemos la visión pulcra, blanca inmaculada, de los templos clásicos es importante recalcar que eso es totalmente falso. Los templos, al igual que las esculturas, estaban policromados con colores vivos y con paños de oro.
Acueducto de Segovia (Segunda mitad s. I - Principios s. II)
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El Acueducto de Segovia (en realidad, el puente del acueducto) es uno de los monumentos más significativos y mejor conservados de los que dejaron los romanos en la península Ibérica. Se trata probablemente del símbolo más importante para los habitantes de Segovia, hasta el punto de figurar en su escudo.
La falta de inscripción, que estaba situada en el ático del acueducto, hace que no se pueda saber con certeza la época exacta en que fue construido. Los investigadores lo sitúan entre la segunda mitad del siglo I y principios del II, en tiempo de los emperadores Vespasiano o Nerva. No se conoce el origen de la ciudad. Sí se sabe que la zona estaba poblada por los vacceos antes de su conquista y que quizá hubiese asentamientos de tropas para su control y vigilancia. En cualquier caso, la zona perteneció al convento jurídico de Clunia.
El acueducto de Segovia conduce las aguas del manantial de la Fuenfría, situado en la sierra cercana a 17 kilómetros de la ciudad, en un paraje denominado La Acebeda. Recorre más de 15 kilómetros antes de llegar a la ciudad. El agua se recoge primeramente en una cisterna conocida con el nombre de El Caserón, para ser conducida a continuación por un canal de sillares hasta una segunda torre (llamada Casa de Aguas), donde se decanta y desarena, para continuar su camino. Después recorre 728 metros (con una pendiente de un 1%) hasta lo alto del Postigo (el espolón rocoso sobre el que se asentaba la ciudad en torno al Alcázar). Antes, en la plaza de Día Sanz, hace un brusco giro y se dirige hacia la plaza del Azoguejo, donde el monumento presenta todo su esplendor. En la parte más profunda mide 28,5 metros (con cerca de 6 metros de cimientos) y tiene dos órdenes de arcos que se sostienen con pilares. En total tiene 167 arcos. Desde su llegada a la ciudad hasta la plaza de Día Sanz hay 75 arcos sencillos y a continuación 44 arcadas de orden doble (esto es, 88 arcos), siguiendo después otros cuatro arcos sencillos. En el primer sector del acueducto aparecen 36 arcos apuntados, reconstruidos en el siglo XV para restaurar la parte destruida por los musulmanes en el año 1072. En el piso superior, los arcos tienen una luz de 5,10 metros, con los pilares de menor altura y grosor que los del piso inferior. El remate es un ático por donde discurre el canal conductor de agua (con una sección en forma de U de 180 x 150 cm), adaptándose el piso inferior a los desniveles del terreno. En el piso inferior, los arcos tienen una luz que oscila alrededor de los 4,50 metros y los pilares disminuyen su grosor de manera escalonada, de abajo arriba: en la coronación tiene una sección de 1,80 x 2,50 metros, mientras que en la base llegan a alcanzar 2,40 x 3 metros.
Está construido con sillares de granito colocados sin argamasa entre ellos. Sobre los tres arcos de mayor altura había en la época romana una cartela con letras de bronce donde constaba la fecha y el constructor. También en lo alto pueden verse dos nichos, uno a cada lado del acueducto. Se sabe que en uno de ellos estuvo la imagen de Hércules Egipcio, que según la leyenda, fue el fundador de la ciudad. Ahora pueden verse en esos dos nichos la imagen de la Virgen de la Fuencisla (patrona de la ciudad) y San Esteban. El día 4 de diciembre, onomástica de Santa Bárbara, patrona del cuerpo de Artillería, cuya academia está en Segovia, los cadetes arropan la imagen de la virgen con una bandera. La línea de arcos se levanta organizada en dos pisos, con una decoración sencilla en la que predominan unas sencillas molduras que enmarcan y estructuran el edificio.
En tiempos de los Reyes Católicos se realizó la primera gran obra de reconstrucción del acueducto. Se encargó de las obras el prior del monasterio cercano de los Jerónimos del Parral, llamado don Pedro Mesa. Se reedificaron 36 arcos, con mucho respeto hacia la obra original. Más tarde, en el siglo XVI, fue cuando se pusieron en los nichos centrales las estatuas antes mencionadas de la Fuencisla y San Esteban.
El acueducto es el hito arquitectónico más importante de la ciudad. Se ha mantenido en activo a través de los siglos y quizás por eso haya llegado al tiempo presente en perfecto estado. Hasta casi nuestros días proveía de agua a la ciudad de Segovia, y más concretamente a su Alcázar. En los últimos años ha sufrido un patente deterioro debido a la contaminación (calefacciones y tráfico rodado, que hasta hace poco pasaba entre los arcos) y a los propios procesos de erosión del granito. Las vibraciones originados por el tráfico, contra lo que se pudiera pensar, no le afectan debido a su gran masa e inercia. Para garantizar su supervivencia, se ha procedido a un minucioso proceso de restauración que ha durado casi 8 años, bajo la dirección del arquitecto Francisco Jurado, al tiempo que se ha desviado el tráfico rodado de las inmediaciones del monumento (la plaza del Azoguejo se ha transformado en zona peatonal).
Bueno... lógicamente la tierra tira mucho....
Giralda es el nombre que recibe el campanario de la Catedral de Santa María de la ciudad de Sevilla, en Andalucía (España). Los dos tercios inferiores de la torre corresponden al alminar de la antigua mezquita de la ciudad, de finales del siglo XII, en la época almohade, mientras que el tercio superior es un remate añadido en época cristiana para albergar las campanas. En su cúspide se halla una bola llamada tinaja sobre la cual se alza el Giraldillo, estatua que hace las funciones de veleta y que fue la escultura en bronce más grande del Renacimiento europeo.
La Giralda, con sus 97,5 m de altura, fue en su día la torre más alta de Europa y actualmente lo sigue siendo de la ciudad, así como una de las construcciones más famosas de toda Andalucía. El 29 de diciembre de 1928 fue declarada Patrimonio Nacional y en 1987 integró la lista del Patrimonio de la Humanidad.
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esta pintura siempre fe una de mis preferidas, espero que os guste se la dedico a los amigos el chat.
http://img261.imageshack.us/img261/3...eree280.th.jpgEn la mitología griega, las Nereidas (en griego antiguo ???????? Nêreídes o ???????? Nêrêídes, en singular ?????? Nêreís o ?????? Nêrêís, de ????? néein, ‘nadar’) eran las cincuenta hijas de Nereo y de Doris.
Se las consideraba las ninfas del mar, puesto que vivían en las profundidades del océano; no obstante emergían a la superficie para ayudar a marineros que surcaban los procelosos mares, siendo los argonautas los más famosos entre los que socorrieron mientras viajaban en búsqueda del vellocino de oro. Se aparecen a los hombres del mar montadas en delfines y otros animales marinos. Los griegos las adoraban en altares en las orillas de mares y acantilados, donde se les ofrendaba leche, aceite y miel.
Representaban todo aquello que hubiese de hermoso y amable en el mar. Cantaban con voz melodiosa y bailaban alrededor de su padre. Se las representa coronadas por ramas de coral y portando el tridente de Poseidón, de cuyo séquito formaban parte.
Las más importantes eran Tetis (mujer de Peleo y madre de Aquiles), Galatea (amante de Acis y que enamoró al cíclope Polifemo) y Anfítrite (mujer del fabuloso Poseidón).
En el arte clásico se las encuentra habitualmente con delfines, monstruos marinos e incluso algún hipocampo.
Si te molesta Bibian, la retiro
Ningún inconveniente
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gracias por la ayuda buik, no consigo aclararme colocando las fotos.
Guernica (Pablo Ruiz Picasso - 1937).
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Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. La obra llegó finalmente a España en 1981, donde fue primero exhibido en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
Encargante: Gobierno de la República.
Ubicación: Museo Reina Sofía, Madrid.
Estilo artístico: Expresionismo / Surrealismo / Cubismo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 349,3 x 776,6 cm.
Detalles:
* Toro: El toro, aturdido por lo que sucede mira a su alrededor.
* Historia: El Guernica fue un cuadro encargado por el gobierno de la República para la Exposición Universal de 1937. En ese mismo años se había producido el bombardeo de la ciudad de Guernica y Picasso quería expresar con este inmenso cuadro el horror de la violencia, de la guerra.
* Color: La ausencia de color no es fortuito. El horror de la violencia está reflejado de forma triste en los colores, que se vuelven grises y negros. Tanto las formas como los colores del cuadro expresan la emoción que el propio Picasso sintió al leer las noticias del bombardeo. Es un horror interior.
* Piedad: Una mujer rota de dolor, con lágrimas como si fueran sus ojos, recoge a su hijo en brazos, muerto. Picasso representa aquí los distintos modos de horror, aquí el de una madre, como si fuera una auténtica Piedad.
* Hombre: Un hombre descuartizado, tirado en el suelo, con una estrella de cinco puntas en una mano y una espada y flor en otra. El símbolo de la barbarie, de lo inexpresable.
* Yegua: En la yegua podemos ver perfectamente las reminiscencias de su etapa cubista. Los distintos puntos de vista que ofrece, como en las demás figuras, aquí podemos verlas a la perfección. Realmente no estamos viendo una única perspectiva, sino muchas que se suman para realizar el todo. Se trata de una yegua que sufre y está desbocada ante este dolor.
* República: Una figura como un fantasma llega desde una ventana abierta con una vela en sus manos. Se dice que podría ser una representación de la República, que entra desconsolada para mirar la escena.
* Llamas: Otra forma de dolor representa Picasso al colocar una mujer saliendo de un edificio en llamas, totalmente atrapada en ellas. Con sus brazos levantados y la boca abierta expresa el horrible sufrimiento que está padeciendo.
* Mujer: Una mujer vaga perdida entre el horror.
* Suerte: Ante todo el horror, se puede ver la esperanza en la herradura, en el candil encendendido y la flor.
* Paloma: Picasso dibuja una paloma con un ala rota y el pico abierto, símbolo de que la paz se ha roto, de la guerra.
* Luz: Una bombilla podría aludir a las bombas que cayeron en la ciudad.
* Espacio: No se sabe si es una escena de interior o exterior, porque no hay iluminación ni ninguna alusión espacial.
* Guernica: El 26 de abril de 1937 se produjo el bombardeo de Guernica por aviones Junker alemanes. Guernica era una villa sin importancia militar ni estratégica, por lo que el horror inexplicable se agudiza mucho más. La razón argumentada por Franco fue que fueron los propios republicanos los que lo propiciaron, cosa que no fue tomada en serio. La razón real fue que se quería probar el tipo de armamento y de aviones.
A esto es a lo que me refería ayer cuando charlaba contigo en el chat y me preguntaste si me gustaba el arte...
No voy a entrar en disquisiciones políticas ni artísticas sobre el valor de este cuadro... que sin duda la tiene... ni sobre lo que pueda representar en estos dos mismos sentidos (político y artístico)...
Pero yo no lo pondría en el salón de mi casa... personalmente es un cuadro y un artista que no me dice nada...
La Gioconda - Mona Lisa (Leonardo da Vinci 1503 - 1506)
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El cuadro La Gioconda, conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés y se exhibe en el Museo del Louvre de París.
Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506 y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente
Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica se conoce como Sfumato, la cual consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.
El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de álamo extremadamente frágil recubierta por varias capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40 cm de espesor a prueba de balas, tratada de manera especial para evitar los reflejos. La cámara que alberga el cuadro está diseñada para mantener una temperatura constante de 20ºC y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones óptimas para los cuidados de la pintura.
La pintura tiene una grieta de 12 centímetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación del marco original, aunque un estudio con infrarrojos, revela que la grieta puede ser tan antigua como el lienzo mismo; dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX. En la actualidad, se ha determinado que es estable y no ha empeorado con el tiempo.
Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conformó un equipo de curadores franceses, quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo
Ya sabía que no te gustaría. Pero debemos reconocer que el Guernica es una de las obras más importantes del arte moderno español.Cita:
Iniciado por Antonio-2
Cúpula de la Catedral de Florencia (Brunelleschi, 1420 - 1436).
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Aunque todas las obras de Brunelleschi son muy significativas, hay una que destaca entre todas ellas, que es la cúpula de Santa María de Fiore, catedral de Florencia. De ella escribió Alberti que era "amplia como para cubrir con su sombra todo el pueblo toscano" y en ella se puede decir que toma forma ese deseo de asimilar la imagen de Florencia a la de la antigua Roma, pues se busca un paralelismo con la cúpula del Panteón.
Brunelleschi se enfrentó en esa obra al reto que supone trabajar sobre algo ya hecho. No sólo existía ya el campanile de Giotto, verdadero emblema del orgullo ciudadano, sino que de la catedral, en la que había trabajado Arnolfo di Cambio, tan sólo quedaba por hacer la cúpula, de la que incluso las medidas estaban ya dadas. Después del concurso celebrado en 1418 para adjudicar el proyecto de la nueva cúpula, ésta fue encargada a Ghiberti y a Brunelleschi. Los mismos artífices volvieron a concursar en 1436 para la realización de la linterna, pero en ambos casos el triunfador fue Brunelleschi pues, incluso en la obra de la cúpula, en la que no le quedó más remedio que compartir funciones con Ghiberti, logró con sus ausencias dejar clara la falta de preparación técnica de éste para ocuparse en solitario de las obras y, de hecho, se sabe que en 1423 Brunelleschi era llamado "inventor y gobernador de la cúpula mayor". La consideración y el nuevo el papel del arquitecto en una obra fue también consolidado por Brunelleschi, pues todo estuvo bajo su dirección -se enfrentó incluso a una huelga- abriendo el camino del arquitecto-tracista, cuya consideración intelectual le aleja del artesano que trabaja con las manos.
En 1436 se acabó la cúpula y fue bendecida oficialmente por el papa Eugenio IV, pero la linterna, diseñada también por Brunelleschi, no se acabó hasta 1464. El conjunto es emblemático del primer Renacimiento, con su cúpula doble para que la exterior, "más magnífica y henchida", según palabras atribuidas a Brunelleschi, se convierta en ese referente urbano que fue desde su creación. La linterna, en la que confluyen los nervios de la cúpula, se muestra así como una suerte de punto de fuga -acentuado por el bicromatismo- y sobre todo como el nexo entre esa arquitectura creada por el hombre y la ciudad e, incluso, la bóveda celeste.
Sin un precedente inmediato que pudiera servirle, Brunelleschi concibe una gran cúpula de 42 m. de diámetro, compuesta de una bóveda semiesférica comprendida en otra de sección apuntada, entrabada por las cadenas de piedra que como costillas enlazan el remate con los ángulos del tambor octogonal, que sirven para neutralizar los empujes, a la vez que prestan al conjunto un perfil apuntado, en armonía con las formas góticas del resto del duomo y del campanile.
El Discóbolo (Mirón Hacia 455 a.d.C.).
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Estatua original de bronce atribuida a Mirón (Miró)
Dimensiones: altura 1,60 m.
Estilo griego clásico, cronología aproximada: Siglo V aC. 460 aC.
Localización: Museo Nazionale Romano, Italia, y varias copias más en otros museos y lugares.
El discóbolo (Lanzador de disco) fue en origen, como muchas otras obras griegas, una escultura de bronce, que sólo conocemos a través de copias romanas en mármol.
Representa un notable avance en la representación del movimiento, rompiendo con la formalidad y el hieratismo de la escultura griega anterior.
Para ello se elige el momento crítico en el que el atleta se dobla hacia delante, en una postura de gran tensión y concentración, antes de girar para lanzar el disco.
Decimos que el momento es crítico por varios motivos, en primer lugar podemos observar que la posición del cuerpo es inestable, sólo se comprende en un contexto de movimiento continuado, en segundo lugar la colocación de brazos, piernas, tronco y cabeza responden al justo momento de iniciar el esfuerzo final de salida del dico, todo el curpo se tensa y concentra para dar la mayor velocidad posible al disco.
El equilibrio es también intencionalmente crítico, es un momento puntual, como una foto realizada a alta velocidad, congelando el tiempo
La composición, está construida sobre el equilibrio inestable de dos arcos que se cortan, el primer arco está formado por los brazos y hombros, hasta el pie levantado. El segundo arco lo forman la cabeza, la espalda y una continuación hacia el pie que sostiene la mayor parte del cuerpo.
A partir de estos dos arcos la figura se desarrolla siguiendo una linea quebrada desde el disco hasta el pie levantado. El Discóbolo no representa el momento en el que la acción está terminada, sino un instante fugaz de la misma. Su belleza deriva de la magnifica composición geométrica.
A pesar de estos prodigios compositivos, la figura no rompe del todo con el estilo severo, podemos observar que la expresión de la cara no se corresponde con el esfuerzo del momento, y que a pesar del evidente movimiento, la composición sigue pecando de una cierta frontalidad, muy apreciable si se observa el Discóbolo desde una posición lateral.
Detalles:
* Movimiento: Lo que hace a esta escultura diferente a las demás es que aquí se empieza a romper con la frontalidad. El movimiento se ve sobre todo en el momento que se retrata; es el momento de concentración para lanzar el disco, donde las articulaciones se flexionan.
* Arcos: El movimiento lo generan sobre todo dos arcos imaginarios. Uno va de los hombros, cabeza y llega hasta el pie levantado; otro va desde la cabeza, por la espalda hasta el otro pie. Son líneas curvas, lo que producen un gran dinamismo.
* Anatomía: Como toda escultura griega clásica que se precie, hay un profundo estudio de la anatomía.
* Cara: Aunque en el cuerpo se intenta dar movimiento, en la cara aún encontramos signos de frontalidad e hieratismo. Su cara no responde al esfuerzo que refleja el cuerpo, siendo un rostro sereno, vacío de sentimiento.
* Discóbolo: El discóbolo significa el Lanzador de disco. Algunos teóricos afirman que este lanzador era Hyakinthos, atleta griego del que se había enamorado Apolo y que había asesinado con un disco.
* Color: Aunque muchos no lo piensen, la mayoría de la escultura y la arquitectura griega que ha llegado a nosotros en blanco inmaculado, originariamente estaba policromada con colores vivos.
Coliseo (mandato de Vespasiano, 70 d.C.-80 d.d.C.).
http://img150.imageshack.us/img150/5...odevespasi.jpg
Detalles:
* Lugar: En este lugar estaba el lago de la Domus Aurea de Nerón, en cuya entrada estaba el gran Coloso. El Anfiteatro Flavio tomó su nombre de esta escultura y se construyó en el centro de la ciudad.
* Dentro: Se hicieron numerosos espectáculos de gladiadores, con animales e incluso batallas navales. Con el emperador Domiciano se hizo una remodelación construyendo galerías subterráneas y un aforo más numeroso.
* Alzado: Su alzado son cuatro pisos (tres por Vespasiano y el último por Domiciano). Se utilizaron diversos materiales, como mármol para las zonas más ricas, mortero para bóvedas. Se articula por arquerías con columnas entre sí siguiendo el orden dórico o toscano (primer piso), jónico (segundo) y corintio (tercero). Es un sistema que influirá mucho más tarde, sobre todo en el Renacimiento. A ello se une su decoración, ya que debajo de cada arco se erigía una columna.
* Domiciano: El emperador Domiciano después modificó la estructura del monumento añadiendo un último ático como gradería, aumentando así el aforo. Tenía como decoración ménsulas y además tenía ventanas.
* Toldo: Aunque no conservado, sabemos que había un gran toldo o velo que cubría a los asistentes. Se configuraba por varias partes triangulares que eran tensadas por medio de postes en el suelo.
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La Venus del espejo de Velázquez.
http://img15.imageshack.us/img15/327...delespejod.jpg
http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_del_Espejo
¡Que casualidad, Voli!Cita:
Iniciado por volitans
Pensaba poner ese cuadro, mañana.
Detalles de "La Venus del Espejo" de Velázquez (1648)
* Venus: Se sabe que Velázquez pintó más de una mujer desnuda en sus cuadros, pero éste sería el único que conservamos. Utiliza el tema mitológico para atenuarlo, dado que en la época no era bien visto el retratar a una mujer desnuda sino era por ser una diosa. Venus se encuentra recostada sobre unas sábanas, despaldas al espectador, que era una posición con connotaciones eróticas en la Antigüedad, y su fisonomía es la de una mujer normal, quitándole todos los elementos mitológicos tradicionales ya que Velásquez solía utilizar los mitos como excusa representándolos como personas normales. Sólo puede verse su rostro distorsionado en un espejo que sostiene Cupido, representado por un niño alado desnudo.
* Color: Velázquez utiliza en general unos tonos pardos, como era lo habitual en la pintura barroca, con un gran cortinaje al fondo de color rojo para destacar y aumentando el carácter teatral de la imagen.
* Técnica: Utiliza una pincelada suelta, donde los contornos quedan difuminados. Además, usa una composición de dos líneas perpendiculares, la que forma horizontalmente el cuerpo de Venus y la vertical del cuerpo de Cupido. También hay una serie de líneas curvas, como la que forma el cortinaje o las sábanas, que dan movimiento a la escena, que en general se caracteriza por su carácter calmado.
* Encargo: Según un inventario que se descubrió en 1651, Gaspar de Haro y Guzmán, marqués del Carpio, fue el particular que tenía en su posesión este cuadro por lo que se deduce que fue él quien se lo encargó a Velásquez. Era habitual que marqueses de la época encargaran obras de este tipo para su disfrute y, sobre todo, era habitual que encargaran desnudos utilizando la temática mitológica como excusa para no ser acusados de pecadores. Gracias a este inventario y a otros estudios posteriores, se descubrió que anterior a Haro fue adquirido por el pintor Domingo Guerra Coronel que lo vendió posteriormente a Haro. Por este efecto, se ha producido una discusión acerca de qué año fue realizado, estimándose entre 1640-1650 para muchos teóricos.
* Simbolismo: Se han atribuido al cuadro numerosas connotaciones. Unos teóricos afirman que sería la belleza contra el amor, como si Venus estuviera esclavizada a su belleza ya que se mira al espejo. También se ha querido ver como una representación genérica de la belleza, ya que el rostro de la diosa no se refleja en el espejo, sino simplemente es un borrón porque no quiere identificarse con alguien en particular sino puede ser cualquier tipo de belleza.
* Espejo: El espejo es un elemento con el que Velásquez juega continuamente en sus cuadros, para jugar con el espectador y con el espacio.
* Arrepentimientos: . Los arrepentimientos se denominan a los cambios de parecer del artista en cuanto a la posición de los elementos de sus cuadros. Así, aquí encontramos varios arrepentimientos como pueden verse por ejemplo en el brazo flexionado de la diosa o en la parte izquierda, en el pie de la diosa.
La Venus de Urbino. Tiziano (1538).
http://img27.imageshack.us/img27/733...notiziano1.jpg
Encargante: Guidovaldo II de la Rovere, hijo del duque de Urbino.
Ubicación: Galería de los Uffizi, Florencia
Estilo artístico: Arte del Renacimiento
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 165 x 119 cm
Detalles:
* Venus: Una Venus púdica se encuentra en primer término de la obra, con su mano escondiendo su sexo pero mostrándonos su torso desnudo. A simple vista puede parecer la pose de una diosa, por eso lo de Venus, pero la presencia del perro hace pensar en una persona real.
* Perro: Tradiocionalmente, la figura del perro a los pies de las tumbas o las representaciones de las mujeres aludían a su carácter dócil y de fidelidad. Sin embargo, aquí lo vemos dormido algo que, junto con la representación desnuda de la retratada desconocida, forma una imagen curiosa.
* Criadas: La representación aparentemente idealizada de la escena se rompe con la presencia de las criadas, que rebuscan en los arcones, para darle mayor realismo a la escena.
* Color: Maestro de la escuela veneciana, utiliza los colores de forma brillante y muy bien elegidos. Así, la escena principal de la mujer desnuda se resalta sobre un diván rojo y unas sábanas blancas. Detrás, un cortinaje verde aumenta la teatralidad de la escena y el movimiento al dar curvas en sus pliegues. Los tonos más pardos en los tapices y en las criadas dan realismo a la escena.
* Palacio: Toda la escena es pintada con el marco arquitectónico de un típico palacio veneciano, con todo lujo de detalles ya que Venecia se había convertido en una ciudad muy rica dado el comercio.
* Identificación: Los teóricos no saben quién fue la mujer retratada. Algunos hablan de que podría ser una cortesana, o incluso un amor del hijo del duque, o incluso una representación neoplatónica.
* Influencia: La forma de representar el cuadro es una influencia de la Venus de Giorgione, aunque ésta no tiene tanta idealización como ella.
Moisés. Miguel Ángel Buonarroti (1513-1516).
http://img166.imageshack.us/img166/2...el15131516.jpg
El Moisés es una escultura de mármol, obra de Michelangelo Buonarroti (1513-1515), centrada en la figura bíblica de Moisés.
Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.
La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se caracteriza por tener "karan ohr" ("rayos de luz") que salen de su cabeza, lo que San Jerónimo en la Vulgata tradujo por "cuernos". El error en la traducción es posible debido a que la palabra "keren" en hebreo puede significar "rayo" o "cuerno".
La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante. El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas. Tras la muerte del papa en 1513, la escala del proyecto se redujo paulatinamente hasta que, en 1542, un contrato final especificó una tumba con un muro sencillo y con menos de un tercio de las figuras incluidas en el proyecto original.
El espíritu de la tumba, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar, el Moisés actual, en su contexto irrisorio comparado con el proyecto original, difícilmente puede tener el impacto deseado por el artista. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.
La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Miguel Ángel lleva la cólera sagrada de Moisés hasta su punto más álgido. Sin embargo, la contiene, puesto que los pasionales seres del artista tienen prohibida la liberación de sus energías.Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Tiene cuetro elementos neoplatónicos, la tierra, representada en la pierna con los pligues de la ropa a modo de cueva. El aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden. El agua representada en sus barbas a modo de cascada. El fuego representados con esos "cuernos"(en pintura era fácil de representar, con una luz detrás del personaje, pero en escultura tuvo que emplear este artificio). La sangre fluye de manera contenida, parece que está a apunto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.
Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le ordenó "¡habla!", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar una marca, tal vez el martillo de Miguel Ángel al golpear a su Moisés.Se dice que al acabarla la golpeó y le gritó ¿Por qué no me hablas? siempre trató de quedarse con esta escultura, y con las piedras que le acompañan, que él mismo trabajó.
El Entierro del Conde de Orgaz (El Greco, 1588).
http://img16.imageshack.us/img16/67/...condedeorg.jpg
Encargante: Don Andrés Núñez de Madrid.
Ubicación: iglesia de Santo Tomé, Toledo
Estilo artístico: Manierismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 4,80 x 3,60 m.
Detalles:
* Historia: El Señor de Orgaz siempre había sido benefactor de la iglesia de Santo Tomé, tanto que en su testamento pidió que el pueblo diera a la parroquia todos los años una serie de beneficios. Sin embargo, no se habían cumplido, por lo que 200 años después el párroco de la localidad pidió estos privilegios y mandó incluir en el cuadro una inscripción para recordar su testamento y para recordar el hecho milagroso de su entierro. Resulta que en su entierro San Esteban y San Agustín fueron a depositarlo en su nicho.
* San Agustín: El hecho milagroso de la bajada de los santos se representa aquí con el Obispo San Agustín.
* San Esteban: El hecho milagroso cuenta que San Agustín y San Esteban. San Esteban se representa como diácono.
* Hijo: El niño en primer término es el hijo de El Greco, Jorge Manuel, ya que lleva un pañuelo que indica su fecha de nacimiento.
* Conde: El Señor de Orgaz, depositado por los santos, lleva puesto una armadura de noble, indicando su estado social. Es el protagonista de la escena inferior, de la terrenal. El cuadro se divide ne dos zonas: la celestial y la terrenal.
* Cura: Llama la atención la figura que mira al cielo observando el rompimiento de gloria. Parece que no está ni en la escena terrenal, porque está de espaldas, ni en la celestial, porque está en la parte inferior. Se cree que es uno de los curas de la parroquia.
* Párroco: Don Andrés Núñez de Madrid es representado celebrando el entierro ya que fue él quien propugnó el cuadro y quien ayudó a dar privilegios a su parroquia.
* Greco: Una figura que mira sin miedo al espectador, absorto quizás de la escena, es el propio autoretrato de El Greco.
* Nobles: Una hilera de nobles estidos de forma elegante, propio de su estatus social, presencia el entierro. Algunos de ellos se han identificado con cierta seguridad, como Diego de Covarrubias, pero no se sabe con seguridad.
* Detalle: En este cuadro podemos ver la calidad técnica del artista en su faceta detallista, ya que los atuendos de los personajes están decorados con imágenes. En el caso del párroco de Santo Tomé, vemos una representación de San José.
* Unión: Lo celestial y lo terrenal se unen en el centro con un angel portando lo que parece ser un feto, que sería el alma del difunto que va a parar al Cielo.
* Jesucristo: Jesús aparece como Luz del mundo, por eso a sus espaldas hay un gran foco de luz divina. Recoge con sus brazos abiertos el alma del Conde.
* Virgen: La Virgen María se representa con atuendos de vivos colores, muy típicos de El Greco. Parece recoger maternalmente el alma del difunto.
* Juan: San Juan Bautista también recoge el alma del difunto.
* Bienaventurados: El grupo a la derecha son los grupos de bienaventurados, como los apóstoles. También se ha identificado posiblemente a Felipe II y al papa Sixto V.
* Pedro: San Pedro también aparece, llevando las llaves del Cielo en sus manos.
* Maniera: El Greco es un representante del manierismo. Se puede er en sus figuras alargadas, en sus colores vivos y en el uso de un fondo neutro, sin suelo ni naturaleza.
* Influencias: Esta obra tiene claras influencias bizantinas, como la especie de pantocrator superior, y también autores como Tiziano, en los colores, y Miguel Ángel.
* Martirio: En su indumentaria, San Esteban lleva pintado una representación de su propio martirio.
Saturno devorando a sus hijos (Francisco de Goya, 1819-1823)
Ubicación: Museo del Prado.
Estilo artístico: Llamadas Pinturas Negras.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 146 x 83 cm.
Detalles:
* Historia: Según la mitología, el dios Saturno o Cronos debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así, cuando nacían de su mujer, Rea, él directamente se los comía.
* Simbolismo: La pintura es una de sus pinturas negras, que colocó en su casa, la Quinta del Sordo, en la planta baja. Se trata de pinturas oscuras, realizadas originalmente con la técnica de óleo a secco, es decir, en la pared; posteriormente pasadas a lienzo. Se trata de una pintura muy desgarradora, que simboliza el paso del tiempo ya que Cronos o Saturno era el dios del tiempo. Así, el tiempo nos devora inexorablemente y de forma cruel, algo que atormentaba al pintor.
* Sangre: Se trata de una pintura muy cruel, llena de dramatismo, sobre todo visto en dos puntos: la boca del dios desgarrando la carne de su propio hijo y la mancha de color representado la sangre. Esta última es verdaderamente desconcertante, ya que es una simple mancha, sin dibujo, resaltando el carácter espontáneo.
* Monstruoso: Goya representa al dios como un verdadero monstruo, con unos ojos saltones y atormentados, locos de ira. Así, representa al tiempo como un animal inexplicable que nos devora. Sería una imagen del tiempo melancólica por parte de Goya, que ya mayor, representa su nostalgia del tiempo pasado.
* Estilo: De fondo negro, nos representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado, cuya deformidad es evidente y que produce mucho más dramatismo en la escena. Así, otro elemento que representa dicha crueldad es que apenas es dibujo, sino una simple mancha que sale de la nada oscura.
http://img261.imageshack.us/img261/4...ndoasushij.jpg
La última cena (Leonardo da Vinci. 1495-1497).
http://img398.imageshack.us/img398/5...onardodavi.jpg
Encargante: Duque Ludovico Sforza
Ubicación: Refectorio de la iglesia dominica de Santa María de las Gracias (Milán).
Estilo artístico: Renacimiento.
Técnica: Mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.
Estado de conservación: malo.
Detalles:
* Historia: El Conde Ludovico Sforza le pidió pintar para la nueva iglesia de los dominicos de santa María de las Gracias en Milán un mural de grandes dimensiones. Su factura se demoró mucho tiempo, dado al gran cuidado que esgrimía Leonardo, así como la difícil técnica mural que empleó.
* Tema: El tema es uno de los más importantes y conocidos de los relatos bíblicos y viene de Juan 13.21. Se trata de la sagrada cena donde Cristo junto a sus apóstoles toma lo que va a ser su última cena. El momento es en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dado mucho movimiento y expresión a la representación.
* Perspectiva: Uno de los elementos que más llama la atención y que más fue aplaudido por los pintores de su época es la perspectiva, tanto en el fondo de la factura como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. Sin embargo, hay una luz frontal, que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición.
* Composición: Se trata de una composición simétrica, son un punto de referencia que es Jesucristo, en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo.
* Personajes: Bartolomé, Santiago el Menor y San Andrés, Judas Iscariote, Simón Pedro y Juan
* Personajes: Mateo, Judas Tadeo, Simón Zelote, tomás Santiago el Mayor y Felipe
* Significado : : según la escuela florentina por Ficino y Mirandola, los personajes se dividían en varias triadas, o lo que es lo mismo, grupos de tres. En ellos se puede ver diferentes motivos y teorias filosóficas, como el amor platónico o el camino a Cristo a través del diálogo filosófico
* Técnica: . Para Leonardo el fresco no era una técnica óptima para este trabajo, así que prefirió experimentar con una solución de técnica al temple y óleo sobre capas de yeso en el enlucido. Esto provocó que, poco después de su realización, se empezara a deteriorar ya que el muro al secarse se agrietaba y se desprendía. Así, en la actualidad su conservación es muy cuidadosa y costosa, por lo que sus visitas están reducidas.
* Curiosidades: Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. Sería uno de los apóstoles de la derecha. Sin embargo, esto se ha descartado ya que la edad del representado es bastante superior a la edad en ese momento del propio pintor, por lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la figura de una daga en la parte izquierda. Los técnicos que hicieron radiografías al cuadro explican que en los dibujos preliminares la daga la sostenía Pedro, en relación con el capítulo por el que defiende con ella a Jesús. Por último, en cuanto a las especulaciones sobre la figura que hay a la derecha de Cristo con pelo largo comentar que se ha especulado mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es María Magdalena. Sin embargo, si observamos la tradición pictórica hasta la fecha y posteriores, siempre se ha representado a San Juan como un joven de pelo largo, delgado y joven, por lo que la imagen corresponde a la perfección con la que aparece de Leonardo. Además, si este apostol no apareciera y fuera María Magdalena, faltaría uno de los más importantes fieles de Jesús en una de las escenas más importantes, por lo que es una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y no la de una mujer.
El bar de Folies Bergere (Edouard Manet, 1882)
http://img8.imageshack.us/img8/7880/...bergereedo.jpg
Ubicación: Courtauld Institute of Art, Londres.
Estilo artístico: Impresionismo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 96 × 130 cm.
Detalles:
* Cuadro: Manet representó en este cuadro el escenario típico de un club nocturno de París, cuya clientela era preferiblemente británica. En este cuadro vemos los elementos típicos de ese mundo, ya sea la cerveza, la gente,...Era el lugar favorito del artista y un lugar muy famoso por sus fiestas y por ser considerado el mejor club nocturno de la capital parisina.
* Fiesta: En primer término vemos a una joven y bella camarera, pero únicamente vemos el reflejo en un gran espejo a sus espaldas de lo que sucede en el club. Un gran tumulto, representado casi por manchas de color y luz, se puede ver en una gran fiesta.
* Cerveza: La clientela del bar parecía inglesa, por dos motivos fundamentales: uno la cerveza que marcamos con el triángulo rojo, que no era del gusto francés sino inglés. Otro elemento a tener en cuenta para decirlo es el hombre que se refleja y que está al lado del propio reflejo de la camarera. Se trata de un típico dandy inglés con un sombrero de copa.
* Bodegón: En primer término vemos un bodegón, al más puro estilo barroco, con frutas y flores representadas de forma detallada y concentrándose sobre todo en el colro y en la luz.
* Champán: El champán era la bebida preferida en el club nocturno, de ahi que veamos una gran cantidad de botellas en la barra.
* Camarera: La camarera que representa en primer término se llamaba Suzon y era realmente camarera del club. Manet la conoció y le pidió que posara en su estudio para él. La representa absorta, distraida, y resaltando su piel blanquecina.
* Manet: Uno de los logros de este cuadro es el propio artista, que muy enfermo, se cansaba constantemente. Acabó este cuadro dos años antes de morir.
El entierro del Conde de Orgaz - El Greco
http://img194.imageshack.us/img194/2...heburialof.jpg
http://es.wikipedia.org/wiki/El_entierr ... e_de_Orgaz
- Paño de pureza (perizoma): Habitual en el Barroco era hacerlos con vuelo, pero Velázquez prefirió hacerlo escueto para dar mayor énfasis al estudio de anatomía que prima en la obra.
- Presencia de poca sangre: Su influencia andaluza hacía que la representación careciese del dramatismo y sangre que se daba en los artistas castellanos.
- Halo místico: Resplandece en su cabeza, captando el aspecto religioso y sagrado de la figura.
- Cuatro clavos: Era la iconografía habitual en el siglo XVII y que Velázquez tomó de su mentor, Francisco Pacheco. Se representaba a Cristo con cuatro clavos: dos en manos y dos en pies.
- Ligero contrapposto : Signo clásico, la pierna se flexiona levemente para que sea la otra la que soporta el peso.
- Fondo oscuro: La influencia tenebrista se ve en el fondo oscuro y en la luz que incide en la cruz.
- Rostro idealizado: La incluencia clasicista se ve en su rostro sereno, caído hacia uno de sus lados.
Tengo en casa una reproducción a lápiz de esta pintura, que dibujé cuando tenía 17 años. Empecé otra de "Las meninas", pero está aún por terminar.Cita:
Iniciado por Sweetman
No sabía que fueras un artista.Cita:
Iniciado por teo
Si te gusta el tema, podrías participar en este hilo.
Han desaparecido las fotos (cosas del dichoso Imagashack). Pero podemos seguir adelante. Hay muchísimo por mostrar y explicar.
La joven de la perla.
La joven de la perla o Muchacha con turbante (en holandés Het meisje met de parel) es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como "la Mona Lisa del Norte" o "la Mona Lisa holandesa".
Más información: http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla
http://www.imagengratis.org/images/lajovendeere.jpg