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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1928 Kathleen Hughes
This article is about the American actress. For the leader in the Relief Society, see Kathleen H. Hughes. For the Irish historian, see Kathleen Hughes (historian).
Kathleen Hughes (born November 14, 1928) is an American film, stage, and television actress from Hollywood, California.
Motion Pictures
She was discovered in a Little Theater production in 1948. Signed to a seven-year contract with 20th Century Fox, she made fourteen films for the studio. She appeared in five motion pictures for Universal Studios, including the cult film, It Came From Outer Space. Released on May 27, 1953, the sci fi feature was adapted from the writing of Ray Bradbury. It was Universal's first entry into the 3D Film medium.
Had scenes in "Ironweed", "Revenge" and "The Couch Trip" that were all cut out before their releases. Niece of screenwriter F. Hugh Herbert.
She considers The Glass Web (1953), with Edward G. Robinson, her best film. Hughes credits actor Paul Henreid with giving her the major break in her career. This came when he chose her for the role of the stunning blonde in the movie, For Men Only (1952). The film is also known as The Tall Lie.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1928 Rita Gam
Rita Gam (nacido 2 de abril de 1928, Pittsburgh, Pensilvania), un Globo de Oro por su carrera como actriz de cine y televisión y cine documental.
Gam su primer esposo fue el director Sidney Lumet.
Ella era una dama de honor en la boda de su amiga cercana Grace Kelly con el Príncipe Rainiero en Mónaco.
Gam comenzó la carrera en Broadway y en televisión, después de lo cual se trasladó a las películas, aparecen en primer lugar en el 1952 con el cine negro al ladrón con Ray Milland.
Otro papel destacado fue Herodías en 1961 la película Rey de Reyes.
Ella apareció en un par de películas antes de encontrar trabajo en Europa. Gam regresó a los EE.UU. a aparecer en piezas pequeñas en películas como Klute en 1971 antes de asumir el cine documental.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1928 Sara Montiel
María Antonia Abad Fernández, nacida en Campo de Criptana, Ciudad Real, el 10 de marzo de 1928 , conocida como Sara Montiel, es una actriz de cine y cantante española. Considerada uno de los mitos más importantes del séptimo arte en todo el mundo, por su espectacular belleza y gran voz. Exitosa actriz, mayormente en las décadas de 1940 y 1950, ha protagonizado o participado en unas 60 películas. Primera española en triunfar en Hollywood.
Biografía
Sara Montiel nació Campo de Criptana en el seno de una familia manchega humilde subsistiendo por medio de la agricultura, ya que su padre era campesino. Tras la guerra civil, su familia se estableció en Orihuela, donde su padre abrió una bodega. Estudió en el Colegio de Jesús María de San Agustín en esa ciudad. Allí falleció un hermano suyo que está enterrado en el cementerio local.
Desde muy pequeña María Antonia destacó por su belleza y sus dotes artísticas, las cuales impresionaron a Vicente Casanova, un influyente productor (uno de los dueños de CIFESA) y agente de publicidad que la vio y la oyó cantar durante una procesión de Semana Santa de Orihuela. Don Vicente procuró que la joven recibiera un entrenamiento básico en declamación y canto.
Su primera película fue Te quiero para mí apareciendo como actriz secundaria en el reparto haciendo de María Alejandra, pero fue a partir de Empezó en boda dónde usaría el nombre artístico de Sara Montiel.
Su primer papel de importancia fue en Locura de amor, a la que siguieron La mies es mucha, Pequeñeces y El capitán veneno. Su gran belleza y talento le permitiría lograr grandes éxitos, pero el cine español de la época se quedaba pequeño para una estrella como Sara Montiel, que proyectó su ambición hacia el extranjero, concretamente a México y a EE.UU., donde llegó a trabajar en Hollywood.
En el año 2000 publicó sus memorias, Vivir es un placer, escritas por el dramaturgo Pedro Víllora.
El 31 de mayo de 2008 recibió la Medalla de Oro de Castilla-La Mancha.
Actriz de Hollywood y estrellato
Gracias al éxito de la película Locura de amor, Sara Montiel llamó la atención a la industria de habla hispana más importante del mundo, el México del Cine de Oro y pronto se convertiría en una de las estrellas del momento, junto con María Félix, Miroslava y Katy Jurado. También trabajaría con los grandes actores de la época: Agustín Lara, Arturo de Córdova, Pedro Infante.... Así fue que llegó a filmar más de una decena de producciones, destacando: "Cárcel de mujeres" "Piel canela", "Furia salvaje" y "Se solicitan modelos" entre otras.
Debido a su belleza y su talento pronto llamó la atención de la industria cinematográfica estadounidense que se hallaba necesitada de estrellas hispanas en la línea de Rita Hayworth. Interpretaciones como "Cárcel de mujeres" y "Piel canela" le abrirían las puertas para entrar a Hollywood en 1954 como una nueva Gilda.
Su primera interpretación fue de la mano, nada más y nada menos, que del mítico Gary Cooper en "Veracruz" de Robert Aldrich, junto a intérpretes tan importantes de la época como Burt Lancaster, Denise Darcel y un joven Charles Bronson. Logra índices de popularidad que jamás había tenido una artista española. A esta película le sigue Serenade junto a Joan Fontaine, el tenor Mario Lanza y Vincent Price. En este rodaje conocerá al que será su primer marido, Anthony Mann, director de la cinta. Por último, rueda Yuma (también llamada Run of the arrow), junto a Rod Steiger (que volverá a ser popular en su vejez por su papel de malo en El especialista de Sylvester Stallone y Sharon Stone).
Sara Montiel (conocida como Sarita Montiel) tuvo su lugar asentado en Hollywood; mantuvo cierta amistad con personalidades tan relevantes del cine internacional como Marlon Brando, James Dean o la hija de Alfred Hitchcock. Una fotografía que le hicieron con James Dean, es la última que se conoce del mítico actor; con ella se anunció en los periódicos la muerte de James Dean -en accidente de tráfico- en todo el mundo.
Aunque tenía proyectos para realizar otras películas como The American o Burning Hills, uno de ellos junto a Paul Newman... el destino le deparó otro rumbo a su carrera y desde entonces espació sus colaboraciones en Hollywood.
Tras unas vacaciones, rodó en España una película de bajo presupuesto bajo las ordenes de Juan de Orduña, que realizó más por amistad y gratitud que por dinero: "El último cuplé". No obstante la película fue un éxito de taquilla inmenso y hará de la Montiel una de las artistas más taquilleras del mundo. Por consiguiente firmará un contrato multimillonario para realizar películas de producciones europeas (hispano-francesas-italianas) que la convirtieron en la actriz de habla hispana mejor pagada de la década.
Al "Último Cuplé" le siguieron "La Violetera", "Carmen la de Ronda", "Mi último tango", "Pecado de Amor", "La bella Lola", "La dama de Beirut", "La reina del Chantecler", "Noches de Casablanca", "La mujer perdida", "Varietés" y "Cinco almohadas para una noche".
Carrera como cantante
Como cantante ha cosechado importantes éxitos en su carrera, sobre todo al volver a poner de moda el cuplé con su insinuante forma de cantar. Rompiendo con la tradición de voces atipladas impuesta por Raquel Meller y otras divas, Sara cantaba con una voz de tesitura más grave. Es conocida su anécdota durante los ensayos vocales para El último cuplé: como no llegaba a las notas, pedía al pianista que bajase de escala, a lo que él respondió «Si sigo bajando más, me agacho debajo del piano».
Su personal estilo es inconfundible; boleros como "Contigo aprendí" o "Bésame mucho" dieron la vuelta al mundo con su voz. Pero sin duda la canción con la cual será siempre identificada es "Fumando espero", con la que Sara Montiel hizo que el fumar, hoy mal vista adicción, se considerara entonces algo elegante.
Su última película, "Cinco almohadas para una noche", no consiguió el éxito de las anteriores. El cine español vivía la época del destape. Sara Montiel decidió entonces apartarse de ese tipo de cine y se entregó por entero al teatro, como ya hicieran otras grandes estrellas. Espectáculos musicales como "Doña Sara de la Mancha", demostraban la increíble capacidad para enamorar al público, esta vez desde un escenario, con lo que el público podía ver a la diva en directo. "Saritísima" o "Saritízate" son dos ejemplos de los muchos espectáculos teatrales que Sara Montiel presentó con éxito.
En televisión protagonizó dos programas; "Sara y punto", realizado por Eduardo Stern y "Ven al Paralelo" con el cual estuvo dos temporadas, siendo por entonces la indiscutible reina del espectáculo barcelonés y de "La 2".
Vida amorosa
Gran conocedora del amor, ha vivido importantes relaciones, además de varios matrimonios.
Su primer marido fue Anthony Mann, director de cine norteamericano con quién se casó en 1957 en Hollywood (primero en artículo mortis, por consejo de la hija del director y una vez restablecido de su enfermedad, en matrimonio civil, convirtiéndose en su primer marido). Sara había conocido a Mann en el rodaje de la película "Dos pasiones y un amor" (Serenade) en la que trabajó junto a Mario Lanza y Joan Fontaine. El divorcio advino en 1963.
Su segundo marido fue el industrial Vicente Ramírez Olalla, a quién Sara llamaba cariñosamente "Chente." Se casaron ante un reducido grupo de invitados en la Iglesia de Montserrat, en Roma, oficiando la ceremonia el abad mitrado del Valle de los Caídos, Fray Justo Pérez de Urbel. Con todo, el sonado matrimonio apenas duró dos meses.
El hombre de su vida fue el empresario y periodista mallorquín Pepe Tous, con quién contrajo matrimonio después de diez años de relaciones. Juntos adoptaron a los dos hijos de la popular artista, Thais y Zeus. Pepe Tous murió y dejó a Sara sola y al cargo de sus dos hijos.
Otros hombres importantes en la vida de Sara Montiel, han sido: Ernest Hemingway, quién enseñó a Sara a fumar habanos. James Dean, con quién dicen que vivió un romance de película, incluso estuvo a punto de viajar con el malogrado actor, el día que este tuvo el fatídico accidente que le costó la vida.
Para León Felipe, el importante escritor y poeta español, Sara fue su musa y su mayor inspiración "La Mancha en ti, mujer, y en mi corazón el dardo". Palabras que el insigne poeta dedicó a su admirada Sara a quien en una ocasión llegó a decir: "Eres demasiado bella para el cine, lo tuyo es el teatro".
Con Gary Cooper, Sara vivió uno de sus más sonados romances. Se conocieron durante el rodaje de "Veracruz" y entre ellos se produjeron anécdotas muy curiosas. La primera vez que Sara hizo el amor con él, se debió a una equivocación de la actriz, pues Sara apenas sabia leer y escribir y mucho menos en inglés y se aprendió el guión de la película fonéticamente; una de las frases que el personaje de Sara tenía que decirle al de Cooper era "¿Quieres luchar (en inglés, fight) conmigo y con los mios por mi pueblo?", se equivocó y acertó a decirle "¿Quieres hacer el amor (en inglés, quizá otro verbo que empieza con f...) conmigo?", a lo que Cooper, respondió con un sonoro "Yes!" Sara recuerda cuando abrazada al actor americano le susurraba cantando "Because of you". Hasta el final de la vida de Cooper, se mantuvo la amistad y en la última visita que el mito de Hollywood realizó a España, estando ya muy enfermo, al bajarse del avión lo primero que pregunto fue: ¿Dondé está "my Montielita"?.
Se rumora que también hubo un romance con Marlon Brando durante la estancia de Sara en Hollywood; a Brando le gustaba que ella le cocinara huevos fritos.
Miguel Mihura fue, aparte de un hombre y un amor importante en la vida de Sara, su Pigmalión. Sara llegó a pedirle matrimonio a Mihura, pero a pesar de publicarse las amonestaciones no llegaron a casarse.
Indalecio Prieto, un político de izquierdas a quién Sara conoció cuando él estaba en el exilio, fue una relación corta pero de la que Sara ha guardado un gran recuerdo.
Maurice Ronet, para Sara compañero y amante, trabajó con ella en "Carmen la de Ronda", "Mi último tango" y "Noches de Casablanca", viviendo un apasionado idilio que traspasó la pantalla.
Con Giancarlo del Duca, más conocido en España como Giancarlo Viola, trabajó en "La mujer perdida" y "La dama de Beirut", y vivieron un romance que él decidió cortar. Cuando Pepe Tous murió, apareció de nuevo en su vida y el romance volvió de nuevo, pero "Gianca" como ella lo llamaba, engañó a Sara y a pesar de hablarse de boda entre ambos, decidió cortar con él definitivamente.
Como ella misma cuenta tuvo una relación tormentosa con el fotógrafo de "La bella Lola" (1962) Mario Montuori.
Su último y muy controvertido matrimonio civil fue con el joven cubano Tony Hernández. La pareja rompió a los pocos meses.
Filmografía
· Te Quiero para mi - 1944 (aparece como "Maria Alejandra")
· Empezó en boda - 1944
· Bambu" - 1945
· Se Le Fue El novio - 1945
· El misterioso viajero del Clipper -1946
· Por el gran premio - 1946
· Vidas confusas - 1947
· Confidencia - 1947
· Mariona Rebull - 1947
· Don Quijote de la Mancha (Don Quijote en E.U.A.) - 1947
· Alhucemas - 1948
· Locura de amor (The Mad Queen en E.U.A.) - 1949
· La mies es mucha - 1949
· Pequeñeces - 1950
· Aquel hombre de Tanger -1950
· Furia Roja - 1950 (English version: "Stronghold" with Veronica Lake in the Montiel part)
· Cárcel de mujeres - 1951
· Necesito Dinero - 1951
· Ahí viene Martín Corona - 1951
· El enamorado - 1951 (O también llamada "Vuelve Martin Corona")
· Ella, Lucifer y yo - 1952
· Yo soy gallo dondequiera - 1952
· Piel canela - 1953
· Porque ya no me quieres - 1953
· Se solicitan modelos - 1954
· Frente al pecado de ayer - 1954 (También llamada "Cuando se quiere de veras")
· Yo no creo en los hombres - 1954
· Donde el círculo termina -1955 (Circle of Death in the U.S.)
· Veracruz - 1955 (E.U.A.)
· Serenade - 1956 (E.U.A.)
· Run of the arrow - 1957 (E.U.A.)
· El último cuplé - 1957
· La Violetera - 1958
· Carmen la de Ronda - 1959
· Mi último tango - 1960
· Pecado de amor - 1961
· La bella Lola - 1962
· Noches de Casablanca - 1963
· Samba - 1964
· La dama de Beirut - 1965
· La mujer perdida - 1966
· Tuset Street - 1967
· Esa mujer - 1969
· Varietés - 1971
· Cinco almohadas para una noche - 1973
· Asaltar los cielos (documental - 1996) As herself.
· Sara, una estrella (documental - 2001) As herself.
· Machín, toda una vida (documental -2002) As herself.
· Mil nubes de paz - 2003 - su tema "Nena" en la banda sonora.
· La mala educación - 2004 - 2 canciones en su voz en la banda sonora.
Discografía
· Sara Montiel en México
· El Último Cuple
· La Violetera
· Baile con Sara Montiel
· Carmen la de Ronda
· Besos de Fuego
· Mi Último Tango
· El Tango
· Pecado de Amor
· La Bella Lola
· Noches De Casablanca
· Samba
· La Dama de Beirut
· Canta Sarita Montiel
· Esa Mujer
· Sara
· Caballo Loco (yo te invoco)
· Varietés
· Sara... Hoy
· Saritisima
· Anoche con Sara
· Purísimo Sara
· Sara De Cine
· Sara A Flor de Piel
· Amados Mios
· Todas Las Noches A Las Once
· Sara Montiel La Diva
· Sara Montiel La Leyenda
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1928 Shirley Temple
Shirley Jane Temple (n. 23 de abril de 1928) es una ex-diplomática estadounidense y antigua actriz infantil. Protagonizó más de 40 películas de cine durante los años 1930.
Nadie sabe cuando Shirley Temple comenzó a hacer películas ya que los Estudios FOX hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales de 1931 y 1933 apareció en dos series de cortos para Educational Pictures. Sus primera serie, Baby Burlesks, satirizaron las películas y política recientes. La series fueron consideradas polémicas por algunos telespectadores por su representación de niños pequeños en situaciones adultas. Su segunda serie en Educational, Frolics of Youth, fue un poco más aceptable e hizo el papel de una irritante hermana menor en una familia suburbana contemporánea.
Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas. Finalmente firmó con Fox Film Corporation (que más tarde se fusionó con 20th Century Pictures para convertirse en 20th Century Fox) a finales de 1933 después de aparecer en Stand Up and Cheer! con James Dunn. Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas.
Temple estaría con Fox hasta 1940, convirtiéndose en el actor más lucrativo para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y 1935, y fue prestada a Paramount para un par de películas exitosas en 1934. Durante cuatro años sólidos, figuró como la estrella más taquillera de Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleños se dio cuenta de que tenía de hecho trece.
Su popularidad ganó tanto su adulación pública como la aprobación de sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de baile preparados cuando el rodaje comenzaba. Fue la primera receptora del Premio Oscar especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple es aún el intérprete más joven de toda la historia en recibir este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies y manos en el exterior del Grauman's Chinese Theatre.
Temple también hizo películas con Carole Lombard, Gary Cooper, Adolphe Menjou y muchos otros. Arthur Treacher apareció como un bondadoso mayordomo en varias películas de Temple.
La capacidad de Temple como bailarina (especialmente como bailarina de claqué) es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó y era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con cinco años. Fue emparejada con el famoso bailarín Bill "Bojangles" Robinson en The Little Colonel, The Littlest Rebel, Rebecca of Sunnybrook Farm y Just Around the Corner. Robinson también preparó y desarrolló su coreografía para muchas de sus otras películas. Como Robinson era afroamericano, sus escenas cogiendo las manos de Temple tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur.
Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple, vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Hoy en día, las muñecas originales de Shirley Temple se cotizan en cientos de dólares en el mercado de segunda mano. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos de pelo. Varias canciones de las películas de Temple, incluyendo "On the Good Ship Lollipop" (de Bright Eyes de 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de Curly Top de 1935) y "Goodnight My Love" (de Stowaway 1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja.
El papel de Dorothy en El Mago de Oz fue originalmente pensado para Judy Garland. Sin embargo, los ejecutivos de MGM estaban preocupados con el interés taquillero de Garland. Temple fue considerada para el papel, no obstante, no pudo aparecer en la película cuando un acuerdo entre Fox y MGM fracasó. También se rumoreó ser la inspiración para Bonnie Blue Butler en Lo que el viento se llevó y fue una de las primeras competidoras para el papel en la película, pero era demasiado mayor cuando comenzó a producirse la película.
En 1940, Temple dejó la Fox. Combinó las clases en Westlake School for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y Paramount. Sus películas más exitosas de ese momento fueron Since You Went Away con Claudette Colbert, The Bachelor and the Bobby-Soxer con Cary Grant y Fort Apache. Se retiró del cine en 1949.
En los años 1950 y 1960, hizo un breve retorno al negocio del espectáculo con dos series de televisión. Shirley Temple's Storybook se estrenó en la NBC el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 1 de diciembre de 1959. Shirley Temple Theatre -- también conocido como The Shirley Temple Show -- se estrenó en la NBC el 11 de septiembre de 1960 y su última emisión fue el 10 de septiembre de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones de cuentos de hadas y otros cuentos orientados a la familia. Shirley Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas series.
Familia y carrera como Shirley Temple Black
Con 17 años, Temple se casó con el soldado convertido en actor John Agar (1921–2002) el 19 de septiembre de 1945. Tuvieron una hija, Linda Susan Agar (más tarde conocida como Susan Black) nacida el 20 de enero de 1948. Temple presentó una demanda de divorcio a finales de 1949 siendo el divorcio efectivo el 5 de diciembre de 1950. A principios de 1950, mientras estaba de vacaciones en Hawaii, Shirley conoció y se enamoró del hombre de negocios californiano Charles Alden Black (1919–2005) y se casaron el 16 de diciembre de 1950. Juntos tuvieron dos hijos: Charles Alden Black Jr. nacido el 29 de abril de 1952 y Lori Black nacido el 9 de abril de 1954. Permanecieron casados hasta la muerte de él de un síndrome mielodisplásico con 86 años el 4 de agosto de 2005.
Black posteriormente se involucró en la política del Partido Republicano, entrando sin éxito en la carrera congresional de 1967 en una plataforma pro-guerra. Continuó consiguiendo varios puestos diplomáticos, sirviendo como delegada de Estados Unidos en muchas conferencias y cumbres internacionales. Fue nombrada delegada de las Naciones Unidas por el Presidente Richard M. Nixon en 1969. Fue nombrada embajadora estadounidense en Ghana (1974–76). En 1976, se convirtió en la primera mujer Jefa de Protocolo de los Estados Unidos que puso a su cargo todas las ceremonias, visitas y regalos del Departamento de Estado a líderes extranjeros y la coordinación de temas de protocolo con todas las embajadas y consulados de Estados Unidos. Fue embajadora en Checoslovaquia (1989–92) y fue testigo de la Revolución de Terciopelo, sobre la que comentó, "Ese fue el mejor trabajo que tuve en toda mi vida." En 1987 fue nombrada la primera funcionaria honoraria del servicio extranjero en la historia de Estados Unidos por el entonces Secretario de Estado, George Schultz.
Black apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título "Picture Perfect" y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, "Sobreviviendo al cáncer de mama". Apareció en los Oscar 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy.
Black sirvió en la junta directiva de algunas grandes empresas incluyendo The Walt Disney Company (1974–75), Del Monte, Bancal Tri-State y Fireman's Fund Insurance. Sus nombramientos en las juntas de organizaciones sin ánimo de lucro incluyeron el Institute for International Studies en la Universidad de Stanford, el Council on Foreign Relations, el Council of American Ambassadors, el World Affairs Council, la Comisión de Estados Unidos para la Unesco, el National Committee on US-China Relations, la Asociación de las Naciones Unidas y el US Citizen's Space TaskForce.
Recibió doctorados honorarios de la Santa Clara University y la Lehigh University, una Beca de College of Notre Dame y un Chubb Fellowship de la Universidad de Yale. Black ahora vive en Woodside, California.
Actividad reciente
En 2001, sirvió como asesora para la producción de la red de televisión ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía.
En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorizar y publicar su primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, The Shirley Temple Storybook Collection.
El Sindicato de Actores (SAG) anunció el 12 de septiembre de 2005, que ella iba a recibir el honor más pretigioso del Guild, el Lifetime Achievement Award. La Presidenta del SAG Melissa Gilbert dijo:
"No puedo pensar en nadie que merezcan más el premio del SAG Life Achievement de este año que Shirley Temple Black. Sus contribuciones a la industria del entretenimiento no tienen precedente; sus contribuciones al mundo no son menos inspiradoras. Ella ha vivido la vida más extraordinaria, como la brillante intérprete que el mundo llegó a conocer cuando sólo era una niña, a la dedicada servidora pública que ha servido a su país tanto en casa como fuera durante 30 años. En todo lo que ha hecho y cumplido, Shirley Temple Black ha demostrado una gracia, talento y determinación poco común, sin mencionar la compasión y coraje. De niña, estaba encantada de bailar y cantar sus películas y más recientemente como presidenta del gremio he tenido el orgullo de trabajar junto a ella, como amiga y colega, en servicio a nuestra unión. Ha sido una indeleble influencia en mi vida. Fue mi ídolo cuando era una niña y sigue siendo mi ídolo hoy en día."
Shirley Jane Temple Black tiene actualmente 80 años. Mide 1,57 m. Su marido murió el 4 de agosto de 2005 de enfermedad de la médula ósea.
Premio juvenil de la Academia
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Audrey Hepburn
Audrey Hepburn (4 de mayo de 1929 – 20 de enero de 1993) fue una actriz anglo-belga, ganadora del Oscar y del premio Tony. Conocida por ser la primera actriz que impuso la tendencia del look casual en vez del glamour (fue la pionera de las "muchachas no divas" que son toda una pauta de nuestra época); sin embargo su innovación, su pre-figuración de la espontaneidad juvenil, la "Cara de Angel" con su frescura que lucía en pantalla y su forma de vestir que impuso estilos & modas la transformaron en la perspectiva histórica del Cine como otro de los Mitos del Séptimo Arte. Además Audrey es también reconocida por ser bailarina, modelo y por sus abundantes acciones humanitarias.
Durante su juventud Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial primero en Belgica y luego en Holanda, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandes: Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, se defendía con el alemán y también chapurreaba el español...una verdadera políglota. Estudió para ser bailarina, pero la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, Audrey se vio en la disyuntiva de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz. Participó en diversas películas hasta que le llegó su gran oportunidad con el musical de Broadway Gigi (1951). A la par, participó enVacaciones en Roma (1953), su primer papel en Hollywood, por el cual ganó el Oscar por la mejor interpretación femenina.
Durante los años siguientes Audrey se convirtió en una de las actrices más reconocidas por su inigualable belleza natural, ícono de la sencillez en la elegancia femenina y transparencia de personalidad. Fue considerada entre las más queridas y populares de la meca del cine y gozó de la amistad de casi todos sus compañeros de film.
Durante estos años protagonizó Dos en la carretera, Cómo robar un millón, Una cara con ángel, My Fair Lady (1964; el famoso musical multioscarizado y el que se considera el papel de su carrera), la Holly Golightly de Breakfast at Tiffany's (1961). Pero para Audrey su mejor papel fue, sin duda, el de la hermana Lucas en Historia de una monja. Ese papel, el conocer a su protagonista real, las similitudes (ambas eran belgas y habían sufrido la guerra) hizo que Audrey recapacitara mucho y se entregara más a sus labores humanitarias. Es, sin duda, una de las mejores películas de Audrey y del cine, pero muchas personas sólo ven a Audrey como un icono de moda por su Holly en Breakfast at Tiffany's.
Su última aparición en el cine se produjo en 1989, desde entonces y hasta su muerte en 1993, Audrey colaboró activamente con UNICEF, convirtiéndose en embajadora de buena voluntad. Audrey entró en la historia como una de las mayores estrellas de Hollywood.
Infancia y juventud
Nacida como Audrey Kathleen Ruston en Ixelles/Elsene, un municipio de Bruselas, Bélgica. Era la única hija del inglés Joseph Victor Anthony Ruston y de su segunda esposa, la baronesa Ella van Heemstra, una aristócrata holandesa quien era hija del ex gobernador de la Guayana holandesa (Surinam). El padre de la futura actriz añadió más adelante el apellido de su abuela maternal Kathleen Hepburn a la familia; y su apellido se convirtió en Hepburn-Ruston. Tenía dos hemanastros fruto de un primer matrimonio de su madre con el jonkheer Hendrik Gustaaf Adolf Quarles van Ufford: jonkheer Arnoud Roberto Alexander “Alex” Quarles van Ufford y Jonkheer Ian Edgar Bruce Quarles van Ufford. Ella van Hemstra era descendiente del rey Eduardo III de Inglaterra y del consorte escocés James Hepburn, cuarto Conde de Bothwell, de quién Katharine Hepburn también se considera descendiente.
El padre de Hepburn trabajó con una compañía de seguros en Gran Bretaña, lo cual significó que la familia tuvo la oportunidad de viajar a menudo entre Bruselas, Inglaterra, y los Países Bajos. Entre 1935 y 1938 Hepburn estudió en una academia privada y femenina en Kent (Inglaterra).
En 1935 sus padres se divorcian, y su padre, simpatizante nazi, abandona la familia (ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler.) Audrey llamó más adelante a este hecho, el momento más traumático de su vida. No sería hasta mucho más adelante, que consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.
En 1939 se traslada con su madre y sus dos hemanastros a la casa de su abuelo en Arnhem (Países Bajos). Pensaban que Holanda era un lugar seguro para evitar al ejército nazi. Hepburn acudió al conservatorio de Arnhem entre 1939 y 1945, donde estudió ballet clásico, el cual compaginaba con sus estudios escolares.
En 1940 los alemanes invadieron Holanda. Durante la guerra Hepburn adoptó el nombre de Edda van Heemstra, cambiando también los documentos de su madre ya que un nombre con acento inglés era considerado peligroso. Este no fue su nombre legal. Edda era una versión del nombre de su madre “Ella”.
En 1944 Hepburn ya era una buena bailarina y, durante esta época, bailaba secretamente. Con el dinero que recaudaba lo donaba a la resistencia holandesa. Sobre esta época dijo más adelante: “el mejor público que he tenido no hacía ni un solo sonido al terminar mi actuación".
Con el desembarco de las tropas aliadas en Normandía el dia D, las cosas en Holanda empeoraron drásticamente. Durante el invierno de 1944 los alemanes confiscaron los alimentos y combustibles de la población holandesa. Sin comida ni calor en los hogares, la gente moría de hambre y frío en las calles. Hepburn y muchos otros hacían harina a partir de tulipanes con los que podían cocinar galletas y tartas. La ciudad holandesa de Arnhem fue devastada durante el bombardeo aliado (como parte de la operación Market Garden). Su tío y un primo de su madre fueron fusilados como miembros de la resistencia, su hermano Ian fue capturado y estuvo en un campo de trabajo. Las carencias alimenticias se hicieron patentes y Audrey sufrió anemia y problemas respiratorios. En 1991 Audrey dijo: “tengo recuerdos. Recuerdo de estar en la estación de tren, veía como se llevaban a los judíos, y recuerdo en particular a un niño con sus padres, muy pálido, muy rubio, usando un abrigo que le quedaba muy grande, entrando en el tren. Yo era una niña, observando a un niño”.
Audrey también notó las semejanzas entre ella y Anne Frank. “Tenía exactamente la misma edad que Anne Frank. Ambas teníamos 10 cuando empezó la guerra y 15 cuando acabó. Un amigo me dio el libro de Anne en holandes en 1946. Lo leí y me destruyó. El libro tiene este efecto sobre muchos lectores, pero yo no lo veía así, no solo como páginas impresas, era mi vida. No sabía lo que iba a leer. No he vuelto a ser la misma, me afectó profundamente”.
“Vimos fusilamientos. Vimos a hombres jóvenes ponerse contra la pared y ser disparados. Cerraban la calle y después la volvían a abrir, podías pasar por ese mismo lugar. Tengo marcado un lugar en el diario, en el cual Anne dice que han fusilado a cinco rehenes. Ese fue el día que fusilaron a mi tío. En las palabras de esa niña yo leía lo que aún sentía en mi interior. Esa niña que había vivido entre cuatro paredes había hecho un reportaje completo de todo lo que había vivido y sentido”. Pero esos terribles años no eran del todo malos, y Audrey podía vivir algo su niñez. Siguiendo con los paralelismos con la vida de Anne Frank, dice: “el espíritu de supervivencia es muy fuerte en las palabras de Anne Frank. En un momento dice 'Estoy deprimida' y la siguiente te habla de que quiere montar en bici. Ella es la muestra de una infancia en terribles cirscuntancias”.
Una manera con la cual Audrey Hepburn pasaba el tiempo era dibujando. Algunos de sus dibujos pueden verse hoy día.
El país fue liberado por las fuerzas aliadas y Naciones Unidas (lo que ahora es ACNUR) intervino en el mismo. Hepburn dijo en una entrevista que se comió un paquete entero de leche condensada, y que se puso enferma por el exceso de azúcar. Estas experiencias contribuyeron a que Audrey estuviera siempre al lado de UNICEF durante el resto de su vida.
Formación y primeros papeles
En 1945, al finalizar la guerra, Audrey abandonó el conservatorio de Arnhem y se mudó a Ámsterdam donde tomo clases de ballet con Sonia Gaskell. En 1948 se fue a Londres y siguió estudiando ballet, esta vez de mano de la reconocida Marie Rambert, profesora de Vaslav Nijinsky, uno de los mayores bailarines de la historia de la danza. De vez en cuando Hepburn le preguntaba a Rambert sobre su futuro, a lo que ella le respondía que podría seguir allí y tener una gran carrera, el hecho de que fuera relativamente alta (1.67m) sumado a su delgadez (a causa de la malnutrición durante la ocupación alemana) le permitiría tener un buen futuro como bailaina. Audrey confió en su mentora y continuó estudiando ballet, con las esperanzas de ser una gran bailarina. Rambert dijo después sobre Audrey: “era una estudiante maravillosa, si hubiera seguido, podría haberse convertido en una bailarina excepcional”. Desafortunadamente, la situación económica de la familia Hepburn no le permitiría continuar con sus estudios, y Audrey, necesitada de dinero, se replanteó el empezar a actuar, ya que esta profesión estaba mejor pagada que la de bailarina.
Su carrera como actriz comenzaría con el film educativo Holandes en siete lecciones. Después actuó en producciones musicales como High Button Shoes y Sauce Piquante. Su primer papel en una película fue en el film inglés One Wild Oat en el cual actuaba como recepcionista de un hotel. También actuó en papeles más pequeños como Young Wives' Tale, Laughter in Paradise, The Lavender Hill Mob, y Monte Carlo Baby. Durante el rodaje de Monte Carlo Baby fue elegida para protagonizar el musical de Broadway Gigi, con apertura el 24 de noviembre de 1951. El reportero Sidonie-Gabrielle Colette dijo sobre Audrey “¡voilà!, ¡esta es nuestra Gigi! Audrey ganó el Theatre World Award por su debut, siguió actuando en este musical durante los seis exitosos meses siguientes.
Su primer papel de importancia fue en el film Secret People, en el cual realizaba el papel de una bailarina prodigio. Naturalmente, Audrey hizo todas las escenas de baile. Pero el papel que la catapultó a la fama, además de ser su primer papel en Hollywood, fue junto a Gregory Peck en Vacaciones en Roma, de William Wyler. En un primer momento los productores querían a Elizabeth Taylor para el papel protagonista, pero el director William Wyler quedó impresionado por la prueba de cámara de Audrey (en la cual se dejó la cámara quieta y se le empezaron a realizar una serie de preguntas a Audrey, la cual no sabía que la cámara estaba grabando, sus respuestas y sinceridad demostraron su enorme talento) y no dudo en contratarla. Wyler dijo: “Tiene todas las cosas que busco: encanto, inocencia y talento. Además es muy divertida. Es absolutamente encantadora. No dudamos en decir que es nuestra chica.”. Su compañero de reparto, Gregory Peck, ya era una estrella consagrada y en el poster de la película su nombre tenía más importancia que el “presentado a Audrey Hepburn”. Cuando acabó el rodaje, Peck llamó a su agente e hizo que le dieran la misma importancia a los dos nombres. Peck predijo que ella ganaría el Oscar. Ambos (Hepburn y Peck) conectaron durante el rodaje, incluso hubo rumores de que tuvieron una relación amorosa, rumores desmentidos por ambos. Sim embargo, Audrey añadió: “En realidad, sientes algo de amor por tu pareja en la película, si vas a interpretar un romance, tienes que sentirlo. No lo puedes hacer de otra manera. Pero no lo lleves más allá del plató.” Debido al gran éxito de Vacaciones en Roma, Audrey fue portada de la revista TIME el 7 de septiembre de 1953.
Su interpretación recibió las alabanzas de los críticos. “Aunque no es precisamente una recién llegada al mundo de la interpretación, Audrey Hepburn, la actriz británica que se mete en la piel de la princesa Anne, está espléndida, bellísima, alternando sus escenas de la realeza y las más infantiles durante su búsqueda de placeres básicos y del amor. Aunque sonríe al final de la película, ella sigue siendo una persona lamentablemente sola que hace frente a un futuro difícil” – A.H. Weiler, New York Times, 28 de agosto de 1953. Audrey se refirió en el futuro a Vacaciones en Roma como su película más querida, ya que fue la que le hizo una estrella.
Después de los cuatro meses de rodaje de Vacaciones en Roma viajó a Nueva York para seguir con las interpretaciones de Gigi. Antes de incorporarse al rodaje de Vacaciones en Roma, Audrey estuvo actuando con el musical en Los Angeles y San Francisco. Esto fue posible ya que tenía un contrato con Paramount que le permitía tener 12 meses entre película y película para dedicarse al teatro.
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Estrella de Hollywood
Después de "Vacaciones en Roma", trabajó con Humphrey Bogart y William Holden en la comedia romántica de Billy Wilder Sabrina. Audrey fue enviada a al diseñador Hubert de Givenchy para que decidiera su vestuario en la película. Cuando le dijeron a Givenchy que “Miss Hepburn” venía a verle, pensó en Katherine Hepburn, no en Audrey. En un primer momento, rechazó vestirla, pero al final rectificó. Audrey y Givenchy mantuvieron una fuerte amistad durante el resto de sus vidas. Durante la filmación de Sabrina, Audrey y William Holden mantuvieron una relación amorosa, ella pensaba que acabarían casándose y teniendo hijos, pero la relación llegó a su final cuando William le contó que le habían practicado una vasectomía. Su papel de Sabrina le valió una nominación al Óscar (premio que finalmente fue a parar a manos de Grace Kelly).
En 1954, Audrey volvió a los escenarios para protagonizar Ondine, junto al que más tarde sería su marido, Mel Ferrer. Siguió protagonizando la obra durante el resto del año. Ese mismo año recibiría el Globo de Oro a la mejor actriz y el Óscar por su papel en "Vacaciones en Roma". Seis semanas después de recibir el Óscar, Audrey recibió el premio Tony por su obra Ondine, convirtiéndose así en una de las tres únicas actrices en ganar el Óscar y el Tony el mismo año (las otras dos son Shirley Booth y Ellen Burstyn).
A mediados de los 50, Audrey no solo era una de las mayores estrellas de Hollywood, sino un icono de la moda. Su estilo, tan personal y elegante, era admirado e imitado. Además, era muy admirada por el público, como lo demuestra su Globo de Oro a la actriz más querida en todo el mundo en 1955.
Siendo ya una de las actrices más taquillera de Hollywood, Audrey contaba con compañeros de reparto de la talla de Humphrey Bogart (Sabrina), Fred Astaire (Una cara con ángel), Maurice Chevalier y Gary Cooper (Love in the Afternoon), William Holden (Encuentro en París) George Peppard (Breakfast at Tiffany's), Cary Grant (Charada), Rex Harrison (My Fair Lady), Peter O'Toole (Como robar un millón) y Sean Connery (Robin and Marian). Muchos de estos actores se convirtieron en personas muy cercanas a la actriz. Rex Harrison la llamó su “principal dama” (Audrey se hizo muy amiga de la bailarina británica Kay Kendall, que era la mujer de Rex); Cary Grant amaba el sentido del humor de Audrey, “todo lo que pido por Navidad es otra película junto a Audrey Hepburn” dijo una vez; y Gregory Peck se convirtió en uno de sus amigos más íntimos. Después de la muerte de la actriz, Peck fue a la cámara y recitó su poema favorito, "Unending Love" de Rabindranath Tagore. Algunos creen que Audrey y Humphrey no mantuvieron su amistad, pero eso es falso, Bogart lo hizo mejor con Audrey de lo que lo haría cualquiera. Como ella después diría: “ A veces los tipos más duros resultan ser los más sensibles, como Bogey lo es conmigo”.
En 1957 actuó en Una cara con ángel, una de sus películas favoritas debido a que conseguía bailar con Fred Astaire. A esta le siguió Historia de una monja, uno de sus papeles más dramáticos y atrevidos. Sobre este papel Films un Review dijo: “ su papel callará a todos los que dijeron que es solo un símbolo de mujer sotisifica. Su interpretación de la hermana Luke es una de las mejores actuaciones del cine”. Audrey recibió una nominación a los Óscar por este papel (Simone Signoret fue la agraciada con el galardón en este ocasión).
Su interpretación de Holly Golightly en Breakfast at Tiffany's (1961) se convirtió en un icono del cine americano. Ella definió su papel como “el más jazz de mi carrera”. Cuando se le hizo la pregunta sobre su nuevo papel dijo: “Soy introvertida, actuar para ser una chica extrovertida es la cosa más difícil que he hecho en mi vida”. El elegante vestuario que usó en la película estaba diseñado por Givenchy. Además se puso mechas rubias en el pelo, look que también conservó fuera de la pantalla. Este papel, sin lugar a dudas el más popular de su carrera, estaba originariamente pensado para Marilyn Monroe (Truman Capote, el autor de la novela en que se basa la película, además de guionista, era un gran amigo de la polémica actriz). Cuando Marylin rechazó el papel debido a que quería dejar de interpretar a “chicas ingenuas” y este le llegó a Audrey, el personaje de Holly sufrió varios cambios, entre ellos el personaje dejaba de ser bisexual para ser heterosexual, además su trabajo de prostituta de lujo queda mucho más difuso y en ningún momento se hace la más mínima referencia a este hecho. Su magnífica interpretación recibiría otra nominación a los Óscar, premio que fue a parar a la italiana Sophia Loren.
Hepburn se había estabilizado como una de las actrices más populares de América. En 1963 le cantó el Feliz cumpleaños al presidente Kennedy como Marilyn Monroe había hecho un año antes. A pesar de todo ello, Audrey vivió una vida mucha más reservada y humilde que la mayoría de las estrellas de Hollywood, como demuestra el hecho de que viviera en casas, no en mansiones, y que cultivaba su propio huerto, además de su vocación por UNICEF y sus múltiples viajes a África.
En 1963 protagonizaría junto a Cary Grant la divertida Charada, ingeniosa parodia de las películas de suspense. A este papel le siguió el de My Fair Lady, de George Cukor, la que se dijo que era la película más esperada desde Lo que el viento se llevó. Eligieron a Audrey como protagonista por encima de la por entonces desconocida Julie Andrews, quien había protagonizado el mismo papel en el musical de Broadway. Esta decisión fue tomada (la de no contar con Julie) antes de contratar a Audrey, quien en un principio rechazo el papel y pidió que se lo dieran a Julie Andrews, pero cuando se enteró de que iba a ir a manos de Elizabeth Taylor, quien también competía por ser la protagonista del filme, lo aceptó. Los productores estaban de acuerdo en que Audrey era la opción perfecta. Julie Andrews tenía que filmar Mary Poppins, la cual fue estrenada el mismo año que My Fair Lady. En un primer momento, se decidió que Audrey Hepburn rodaría las escenas musicales de la película, pero no las cantaría, de eso se encargaba Marni Mixon, la cual dobló todas sus canciones. Pero aun así Audrey grabó las canciones. En el montaje final de la película se optó por las de Marni Mixon (las cuales también están recogidas en los CDs) y no las de Audrey, que están presentes en documentales y material extra en los DVDs. Solo varios números pertenecen a la actriz, como "Just You Wait" y "I Could Have Danced All Night”. Cuando le preguntaron por los cambios de voz de los números musicales de la película, simplemente respondió “you could tell, couldn't you? And there was Rex, recording all his songs as he acted...next time” y no dijo más. Dejando a un lado el doblaje, la actuación de Audrey era excelente, “Audrey Hepburn está magnífica, ella es la Eliza (la protagonista) que se recordará”, cita dicha por Gene Ringgold, crítico de cine.
La polémica sobre el reparto de la película alcanzó su cenit en la temporada de los Óscar de 1964-1965, cuando Audrey no estaba nominada por su papel de Eliza, pero sí lo estaba Julie Andrews por Mary Poppins. Los medios hicieron referencia a la rivalidad entre las dos actrices, cuando incluso ellas mismas la negaban. El Óscar finalmente recayó en Julie Andrews.
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Matrimonios, familia y últimos papeles
Hepburn estuvo casada en dos ocasiones, la primera con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo un hijo, Sean (que actualmente gestiona la fundación Audrey Hepburn Childhood), y la segunda con Andrea Dotti, un médico italiano trece años menor que ella, que le dio su segundo hijo, Luca. El padrino de Sean es el autor escocés, A. J. Cronin. Audrey confesó que el fracaso de estos dos matrimonios la hizo sufrir mucho. En los últimos años estuvo unida a Robert, un holandés con el que compartían labores humanitarias y su gusto por cosas sencillas. A partir de 1967, después de quince años de éxitos sobresalientes en el cine, comenzó a a participar en películas únicamente de forma ocasional. Su último papel lo interpretó en 1988, en la película Always, de Steven Spielberg, donde daba vida a un ángel (todos han querido ver en ese papel la evocación que se tenía de ella en muchos ambientes) poco antes de ser nombrada embajadora especial de UNICEF.
Trabajo para UNICEF
Una de las cosas que más destacaron en sus últimos años fue la dedicación, por encima de su salud, a las causas del sida o la malnutrición de los niños en todo el mundo. En 1993, tres meses antes de su muerte y ya desahuciada, Audrey hizo su último viaje a Somalia, un acto que siempre fue muy agradecido por UNICEF y que dignificaba su ya sencilla y humana forma de entender la vida. A través de esta organización, Hepburn dedicó el resto de su vida a ayudar a los niños necesitados en los países más pobres. En UNICEF todavía recuerdan su dedicación y entrega a la causa, que databa desde el año 1955 y que, poco a poco, fue ganando peso en su vida. Cabe destacar su estatua en la sede UNICEF de Nueva York, inaugurada en el año 2000.
Defunción
Falleció de cáncer de colon en su casa de Tolochenaz, en Suiza, el 20 de enero de 1993 a los 63 años de edad. Ese mismo día, Elizabeth Taylor dijo que «Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con Él». A pesar de que nunca hizo ostentación de joyas y rechazó ser imagen de la marca; la famosa joyería Tiffany, la que había popularizado en Desayuno con Diamantes, le dedicó un escaparate con la frase " Our Huckleberry friend", de la canción MOON RIVER
Audrey Hepburn en la actualidad
En el 2007 se subastó un traje que lució la actriz en la película Breakfast at Tiffany's por un precio de 467.200 libras (unos 700.500 euros) destinando el dinero a un proyecto, impulsado por el escritor Dominique Lapierre, para dos escuelas en Bengala. Muchos quieren ver a Audrey Hepburn como un icono de moda, pero ella misma siempre huía de etiquetas y de falsos premios, por lo que siempre se mantuvo fiel a Givenchy, el modisto que la conocía mejor que nadie y el cuál creó, para ella, su perfume L'Interdit. Su imagen radica en la elegancia natural y en la no ostentación de joyas ni vestuario, ni incluso de caracter, lo que le valíó una gran admiración por todo el mundo. Es muy difícil que una actriz contemporánea pueda igualarse a Audrey, porque su secreto era la clase y el encanto, la modestia y el sufrimiento, la sencillez y la caridad.
Filmografía
· Always (Para siempre) (Always — 1989)
· Todos rieron (1981)
· Lazos de sangre (1979)
· Robin y Marian (1976)
· Sola en la oscuridad (Wait Until Dark — 1967)
· Dos en la carretera (1967)
· Cómo robar un millón (1966)
· My Fair Lady (1964)
· Encuentro en París (1964)
· Charada (Charade — 1963)
· La calumnia (1961)
· Breakfast at Tiffany's (1961)
· Los que no perdonan (1960)
· Historia de una monja (1959)
· Mansiones verdes (1959)
· Ariane (1957)
· Una cara con ángel (1957)
· Guerra y paz (War and Peace — 1956)
· Sabrina (1954)
· Vacaciones en Roma (Roman Holiday — 1953)
· Americanos en Montecarlo (1952)
· The Secret People (1952)
· Monte Carlo Baby (1951)
· One Wild Oat (1951)
· Young Wives' Tale (1951)
· Risa en el paraíso (1951)
· Oro en barras (1951)
· Dutch in Seven Lessons (1948) (documental)
Premios
Oscar
· Mejor actriz principal (Vacaciones en Roma) (1954)
· Jean Hersholt Humanitarian Award (1993)
Nominaciones
· Mejor actriz principal (Sabrina) (1955)
· Mejor actriz principal (Historia de una monja) (1959)
· Mejor actriz principal (Breakfast at Tiffany's) (1961)
· Mejor actriz principal (Wait Until Dark) (1967)
Globos de Oro
· Mejor actriz principal en drama (Vacaciones en Roma) (1954)
· Henrietta Award Actriz favorita del mundo
· Cecil B. DeMille Award
· 8 nominaciones mas, todas ellas como mejor actriz
Festival internacional de San Sebastian
· Mejor actriz (Historias de una monja) (1959)
Paseo de la Fama de Hollywood
· Estrella en el paseo de la fama en el 1650 de Vine Street
Premios BAFTA
· Mejor actriz británica (Vacaciones en Roma)(1954)
· Mejor actriz británica (Historias de una monja)(1959)
· Mejor actriz británica (Charada) (1963)
· 2 nominaciones más como mejor actriz
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Grace Kelly
Grace Patricia Kelly (n. 12 de noviembre de 1929 - m. 14 de septiembre de 1982) fue una actriz estadounidense quien al contraer matrimonio con el Príncipe Rainiero III de Mónaco, se convirtió en Su Alteza Serenísima la Princesa Grace de Mónaco.
Nació en Filadelfia, en el estado de Pensilvania, como Grace Patricia Kelly, en el seno de una familia de origen irlandés y católica. Su padre era un hombre de negocios de fortuna y además un buen deportista que había ganado una medalla de oro olímpica en remo.
A pesar de que su familia se opuso a que fuese actriz, Kelly quiso realizar el sueño que había tenido desde niña. Se fue a Nueva York donde trabajó como modelo y estudió interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático.
En 1949 consiguió su primer papel en Broadway, la zona de teatros más prestigiosa de Nueva York. Seguidamente hizo algunas apariciones en televisión, hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles para probar fortuna en el cine.
Ya en 1951, a los 22 años, Kelly hizo su primera película, "Catorce horas", actuando en un papel secundario. Su elegancia y delicada belleza llamaron poderosamente la atención en Hollywood, de forma que al año siguiente se le ofreció el papel principal en el western "Solo ante el peligro", junto a Gary Cooper.
Su siguiente film fue "Mogambo", junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Oscar como mejor actriz de reparto.
En su corta carrera cinematográfica, Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock, con quien trabajó en tres películas, "Crimen perfecto" con Ray Milland, "La ventana indiscreta" con James Stewart, y "Atrapa a un ladrón" con Cary Grant. Esta última se rodó en Mónaco, donde Kelly conoció a su futuro marido, el Príncipe Rainiero. También trabajó al lado de Sir Alec Guinness en el " El Cisne", un anticipo de la vida futura que le esperaba (1955).
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En 1954 ganó un Oscar como mejor actriz principal por "La angustia de vivir", co-protagonizada por Bing Crosby y William Holden.
Su última película fue "Alta sociedad", nuevamente con Bing Crosby. Después ya se trasladó a Mónaco para casarse con Rainiero, quien le había manifestado, muy a pesar de Kelly, que si se convertía en princesa de Mónaco debía dejar el cine.
En los años de soltería en que fue actriz, se dice que Kelly vivió varios romances, principalmente con los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant.
Su boda con Rainiero, el 14 de mayo de 1956, fue como en un cuento de hadas. A partir de entonces su vida y su trabajo estuvo dedicada por entero a su familia y al Principado.
Su figura y estilo dieron un nuevo impulso al Principado de Mónaco, el cual creció económicamente gracias al turismo y al impulso de inversionistas, atraídos por las concesiones económicas impulsadas por Rainiero
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Tuvo tres hijos con él, Alberto, Carolina y Estefanía.
En 13 de septiembre de 1982 la princesa Grace sufrió un accidente cuando conducía su auto por una carretera cercana a Mónaco. Llevaba a su hija Estefanía como acompañante, quien salió ilesa. Al día siguiente, la Princesa murió sin recobrar el conocimiento en el Centro Hospitalario Princesa Grace, tenía 52 años. El Príncipe Rainiero nunca pudo superar la pérdida de su esposa.
Es la misma carretera que aparece en la película Atrapa a un ladrón, donde la princesa y Cary Grant hacen un picnic.
El cantante de origen libanés Mika la considera su mujer ideal. Por esto le dedicó una canción con su propio nombre : "Grace Kelly".
Filmografía
· Alta sociedad (1956)
· El cisne (1955)
· Atrapa a un ladrón (1954)
· Los puentes de Toko-Ri (1954)
· La angustia de vivir (1954)
· La ventana indiscreta (1954)
· Fuego verde (1954)
· Crimen perfecto (1954)
· Mogambo (1953)
· Solo ante el peligro (1952)
· Catorce horas (1951)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Irene Gutiérrez Caba
Irene Gutiérrez Caba (Madrid, 25 de abril de 1929 - 4 de julio de 1995) fue una actriz española. Hija de los actores Emilio Gutiérrez e Irene Caba Alba, nieta de Irene Alba y sobrina de Julia Caba Alba, continuó la tradición familiar en la escena al igual que sus hermanos Julia y Emilio; su hijo, el productor cinematográfico José Luis Escolar y su nieta, la actriz Irene Escolar.
Teatro
Su debut teatral tiene lugar en 1945 con la obra Vestida de tul. En 1951 ingresa en la Compañía de Catalina Bárcena, participando en el reparto de Primera de otoño. En 1958 ingresó en la Compañía de Guadalupe Muñoz Sampedro y en 1960 en la de María Fernanda D'Ocón. En 1963 interpreta, como primera actriz, las obras Los derechos del hombre de Alfonso Paso, Los separados y El caballero de milagro. En 1968 llegaría a formar su propia Compañía.
Entre sus últimas interpretaciones teatrales figuran:
· La vieja señorita del paraíso (1981), de Antonio Gala.
· Leyendas (1988)
· Reflejos con cenizas (1990), con José Luis López Vázquez.
· Cena para dos (1992).
· Siempre en otoño (1993) con su hermana Julia y Amparo Baró.
Cine
Sus incursiones en el cine han sido casi siempre en papeles de carácter secundario, en títulos como La tía Tula (1964), de Miguel Picazo, Las verdes praderas (1979), de José Luis Garci o su destacada interpretación de la tiránica protagonista de La casa de Bernarda Alba (1987), de Mario Camus, por la que fue candidata al premio Goya a la mejor actriz.
Televisión
Cuenta con una abultadísima carrera en Televisión española, desde principios de los años sesenta, con papeles memorables en los espacios dramáticos Primera fila, Tiempo y hora (1965-1967), Historias para no dormir (1967), Suspiros de España (1974).
Para Estudio 1 interpretó, entre otras obras, Las brujas de Salem (1965), Macbeth (1966), de William Shakespeare - en el papel de Lady Macbeth -, La Gaviota (1967), de Chejov, Mesas Separadas (1967), de Terence Rattigan, La loca de Chaillot (1972), de Jean Giraudoux o El Pelícano (1981), de August Strindberg.
Fue, además, el hilo conductor de la sátira de Chicho Ibáñez Serrador Historia de la frivolidad (1967) e interpretó a la madre de Juan Echanove en Turno de oficio (1986), de Antonio Mercero.
Premios y candidaturas
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor interpretación femenina protagonista La casa de Bernarda Alba Candidata
Fotogramas de Plata
Año Categoría Serie/Montaje Resultado
1966 Mejor intérprete de televisión Tiempo y hora Ganadora
1982 Mejor intérprete de teatro El cementerio de los pájaros Candidata
Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
1974 Mejor actriz secundaria Yo la vi primero Ganadora
Antena de Oro
Año Categoría Programa Resultado
1967 Mejor actriz Estudio 1 Ganadora
TP de Oro
Año Categoría Serie Resultado
1974 Mejor actriz nacional Suspiros de España Ganadora
Otros
· Finalista del Premio Mayte de Teatro (1994) por Siempre en otoño
· Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1994)
Trayectoria en TV
· Un, dos, tres... responda otra vez
o La sexología (22 de noviembre de 1991)
· Turno de oficio (1986-1987)
· La Comedia
o La importancia de llamarse Ernesto (13 de marzo de 1984)
· Nunca es tarde (1984)
· Escrito en América
o Rosaura a las diez (1 de julio de 1979)
· Suspiros de España (1974)
· Noche de teatro
o La visita de la Vieja Dama (10 de mayo de 1974)
· Las doce caras de Eva
o Escorpio (29 de diciembre de 1971)
· Fábulas
o El zagal y las ovejas (25 de febrero de 1968)
o El labrador y la víbora (3 de marzo de 1968)
o El marinero y la gaviota (14 de enero de 1970)
· Teatro de siempre
o Diario de un sinvergüenza (17 de noviembre de 1967)
o El rey se muere (29 de marzo de 1968)
o Juno y el pavo real (4 de abril de 1968)
· Historias para no dormir
o La zarpa (3 de noviembre de 1967) Luisa
o El regreso (15 de diciembre de 1967)
· Historia de la frivolidad (1967)
· Las doce caras de Juan
o Acuario (21 de octubre de 1967)
o Virgo (9 de diciembre de 1967)
· Escuela de matrimonios
o ¿Han de lavar los platos los maridos? (9 de junio de 1967)
· Habitación 508
o Presentación (4 de octubre de 1966)
· Los Encuentros
o Las obras póstumas (16 de julio de 1966)
· Novela
o Más allá del milagro (5 de abril de 1966)
o Un noviazgo (4 de julio de 1966)
o Biografía de Helen Keller (10 de julio de 1967)
o Madre Alegría (6 de julio de 1970)
· Tiempo y hora
o Partir de cero (7 de noviembre de 1965)
o La viuda (30 de enero de 1966)
o Mujeres (20 de marzo de 1966)
o La mano en la frente (9 de abril de 1966)
o El último toro (12 de junio de 1966)
o La señorita (16 de octubre de 1966)
o 6 noviembre de 1966 (6 de noviembre de 1966)
o La cara (12 de marzo de 1967)
· Tú tranquilo
o Leonor Boutique (31 de julio de 1965)
· Primera fila
o Las brujas de Salem (22 de febrero de 1965)
o Vamos a contar mentiras (16 de junio de 1965)
o El Cardenal de España (23 de junio de 1965)
o Los caciques (28 de julio de 1965)
· Estudio 1
o Carlota (15 de diciembre de 1965)
o 50 años de felicidad (11 de enero de 1966)
o Las manos son inocentes (2 de marzo de 1966)
o Noches de San Juan (22 de junio de 1966)
o Macbeth (28 de septiembre de 1966)
o La gaviota (28 de junio de 1967)
o El hilo rojo (7 de noviembre de 1967)
o Mesas separadas (28 de noviembre de 1967)
o Usted puede ser un asesino (25 de junio de 1968)
o La casa (18 de junio de 1970)
o El chalet de Madame Renard (3 de marzo de 1972)
o La loca de Chaillot (23 de junio de 1972)
o Usted puede ser el asesino (27 de junio de 1977)
o El día después de la feria (5 de enero de 1978)
o Adión, señorita Ruth (8 de noviembre de 1978)
o Un enemigo del pueblo (29 de mayo de 1981)
o El pelícano (9 de octubre de 1981)
o El adefesio (13 de diciembre de 1982)
· Confidencias
o Historia de una maleta (28 de noviembre de 1964)
o Aumento de sueldo (12 de diciembre de 1964)
o A la una y media (20 de diciembre de 1964)
· La noche al hablar
o Charlie saldrá esta noche (20 de febrero de 1964)
· El hombre, ese desconocido
o El mago de la suerte (11 de mayo de 1963)
o Dos frente al toro (18 de mayo de 1963)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Jane Powell
Jane Powell (nacido el 1 de abril de 1929) es una cantante, bailarina y actriz. Ella era una estrella de MGM musicales en la década de 1940, y continuó en la década de 1950.
Filmografia:
Song of the Open Road (1944)
Delightfully Dangerous (1945)
Holiday in Mexico (1946)
Three Daring Daughters (1948)
A Date with Judy (1948)
Luxury Liner (1948)
Nancy Goes to Rio (1950)
Two Weeks with Love (1950)
Royal Wedding (1951)
Rich, Young and Pretty (1951)
Small Town Girl (1953)
Three Sailors and a Girl (1953)
Seven Brides for Seven Brothers (1954)
Athena (1954)
Deep in My Heart (1954)
Hit the Deck (1955)
The Girl Most Likely (1957)
The Female Animal (1958)
Enchanted Island (1958)
Tubby the Tuba (1975) (voice)
Picture This (1999)
Broadway: The Golden Age, by the Legends Who Were There (2003)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Jean Simmons
Jean Merilyn Simmons OBE (n. Londres, 31 de enero de 1929), es una actriz inglesa nominada en dos ocasiones al premio Oscar. Entre sus películas destacan Hamlet (la versión dirigida por Laurence Olivier), Espartaco de Stanley Kubrick y El fuego y la palabra.
Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill, desde niña quiso ser actriz y consiguió debutar en el cine en su adolescencia apareciendo en la película Give us the moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms. Su fama en las islas británicas tampoco tardaría mucho en llegar ya que la figura de Jean Simmons se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David Lean Cadenas rotas (Great Expectations, 1946).
A partir de ese momento, las apariciones de Simmons se multiplicarían como en César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra, 1946) de Gabriel Pascal, Narciso negro (Black Narcissus, 1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo, su interpretación de Ofelia en Hamlet (1948), la adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier. Este papel le valió a Simmons una nominación para los Oscar de 1948 en el apartado de mejor actriz de reparto. Una estatuilla que no conseguiría, llevándosela Claire Trevor por su papel en Cayo Largo.
De todas maneras, esa nominación hizo de Jean Simmons una actriz atractiva para las superproducciones norteamericanas. En 1950, su popularidad aumentó aún más casándose con Stewart Granger, actor especializado en el género. Este matrimonio duró hasta el 1960.
En la década de 1950, Simmons empezó a ser habitual en las producciones hollywodienses. Así, destaca sus participaciones en Androcles y el león (1952) de Chester Erskine, Cara de ángel (1953) de Otto Preminger, La túnica sagrada (1953) de Henry Koster, Sinuhé, el egipcio (1954) de Michael Curtiz, Desireé (1954) de Koster o Ellos y ellas (1955) de Joseph L. Mankiewicz. Destacan especialmente Horizontes de grandeza (1958) de William Wyler y Espartaco, de Stanley Kubrick.
En 1960, Simmons se divorciaría de Granger y se casaría con el director Richard Brooks. De la mano de su esposo, la dirigió en una de sus mejores películas: El fuego y la palabra (1960) y posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en Con los ojos cerrados, por el que Jean repetiría nominación al Oscar, ahora en la categoría de mejor actriz principal.
En la década de los 70, Simmons fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Así, los papeles de la actriz británica serían recordados en series como Norte y sur o El pájaro espino. La interpretación de ésta última le valdría un premio Emmy. Todavía a principios del nuevo siglo, Simmons seguía trabajando esporádicamente, aportando su voz a películas de animación.
Filmografía
· Sports Day (1944)
· Give Us the Moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms.
· Mr. Emmanuel (1944)
· Kiss the Bride Goodbye (1945)
· Meet Sexton Blake (1945)
· The Way to the Stars (1945)
· César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra) (1946) de Gabriel Pascal
· Cadenas rotas (Great Expectations) (1946), de David Lean.
· The Woman in the Hall (1947)
· Uncle Silas (1947)
· Narciso negro (Black Narcissus) (1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger.
· Hungry Hill (1947)
· Hamlet (Hamlet) (1948), de Laurence Olivier.
· La isla perdida (The Blue Lagoon) (1949) de Frank Launder.
· Adán y...ella (Adam and Evelyne) (1949) de Harold French.
· Extraño suceso (So Long at the Fair) (1950), de Antony Darnborough y Terence Fisher.
· Coacción (Cage of Gold) (1950), de Basil Dearden.
· El torbellino de la vida (Trio) (1950), de Ken Annakin.
· Trágica obsesión (The Clouded Yellow) (1951), de Ralph Thomas.
· Androcles y el león (Androcles and the Lion) (1952) de Chester Erskine.
· Cara de ángel (Angel Face) (1953) de Otto Preminger.
· La reina virgen (Young Bess) (1953) de George Sidney
· Entre dos mujeres (Affair with a Stranger) (1953), de Roy Rowland.
· La túnica sagrada (The Robe) (1953) de Henry Koster.
· La actriz (The Actress) (1953), de George Cukor.
· She Couldn't Say No (1954)
· Sinuhé, el egipcio (The Egyptian) (1954) de Michael Curtiz.
· Demetrio y los gladiadores (Demetrius and the Gladiators) (1954), de Delmer Daves.
· Una bala en camino (A Bullet Is Waiting) (1954), de John Farrow.
· Desireé (Desireé) (1954) de Henry Koster.
· Pasos en la niebla (Footsteps in the Fog) (1955) de Arthur Lubin.
· Ellos y ellas (Guys and Dolls) (1955) de Joseph L. Mankiewicz.
· Hilda Crane (1956)
· This Could Be the Night (1957)
· Mujeres culpables (Until They Sail) (1957), de Robert Wise.
· Horizontes de grandeza (The Big Country) (1958), de William Wyler.
· Después de la oscuridad (Home Before Dark) (1958), de Mervyn LeRoy.
· Esta tierra es mía (This Earth Is Mine) (1959) de Henry King.
· El fuego y la palabra (Elmer Gantry) (1960), de Richard Brooks.
· Espartaco (Spartacus) (1960), de Stanley Kubrick.
· Página en blanco (The Grass Is Greener) (1960) de Stanley Donen.
· All the Way Home (1963)
· Vivir en la cumbre (Life at the Top) (1965), de Ted Kotcheff.
· La mujer sin rostro (Mister Buddwing) (1966), de Delbert Mann.
· El novio de mi mujer (Divorce American Style) (1967), de Bud Yorkin.
· Noche de titanes (Rough Night in Jericho) (1967),de Arnold Laven.
· Heidi (1968)
· Con los ojos cerrados (The Happy Ending) (1969), de Richard Brooks.
· El joven y la cuarentona (Say Hello to Yesterday) (1971),de Alvin Rakoff.
· Mr. Sycamore (1975)
· Dominique (Dominique) (1978), de Michael Anderson.
· La maldición de los Dain (The Dain Curse) (1978), de E.W. Swackhamer.
· Sensibilidad y sentido (Sensibility and Sense) (1978), de David Hugh Jones.
· Conducta confidencial (Yellow Pages) (1988), de James Kenelm Clarke.
· Reencuentros (Angel Falls) (1993), de Joyce Chopra.
· Donde reside el amor (How to Make an American Quilt), de Jocelyn Moorhouse.
· Con su propia ley (1998) (Her Own Rules) de Bobby Roth.
· Final Fantasy: La fuerza interior (2001) (Final Fantasy: The Spirits Within), de Hironobu Sakaguchi (voz).
· Jean Simmons: Rose of England (2004) (documental)
· El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro) (2004), de Hayao Miyazaki (voz).
Oscars
Año Categoría Película Resultado
1948 Oscar a la mejor actriz de reparto Hamlet Nominada
1969 Oscar a la mejor actriz Con los ojos cerrados Nominada
Premios Emmy
Año Categoría Serie Capítulo Resultado
1983 Primetime Emmy a la mejor actriz de reparto - Miniserie o telefilme El pájaro espino TV Film Ganadora
1984 Primetime Emmy a la mejor actriz de reparto - Miniserie o telefilme Se ha escrito un crimen Mirror, Mirror on the Wall: Part 1 Nominada
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Joan Plowright
Joan Plowright (Brigg, North Lincolnshire, Reino Unido, 28 de octubre de 1929) es una actriz británica.
Biografía
Desde joven manifestó interés hacia el teatro, interviniendo hacia finales de los años cuarenta en obras como Si las paredes hablasen y Mayor Barbara.
Finalizadas estras representaciones Joan Plowright ingresó en The Bristold Old Vic, donde permaneció entre 1950 y 1952. Concluida su formación profesional, contrajo matrimonio con Roger Gage. En 1954 debutó en Londres con The Duenna, a la que seguirían piezas como The Chairs y El crisol, basada en la pieza de Arthur Miller, en la que se abordaba de forma metafórica una denuncia hacia la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy durante finales de los cuarenta, a la vez que proponía un discurso sobre la importancia de decir la verdad.
Mientras tanto inició sus primeros pasos en el cine con una breve actuación en Moby Dick (John Huston, 1956), y en un thriller dirigido por Joseph Lossey. Por esas fechas se sumó a la Compañía de Teatro Nacional.
En 1958 Joan obtuvo su primera candidatura a los Premios Tony por El animador, obra teatral que ella misma protagonizaría en el cine junto a Laurence Olivier en 1960, año en el que ambos representarían -junto a la mujer de éste último (Vivien Leigh)- Rhinocero, dirigida por Orson Welles.
Ese año de intensa actividad profesional coincidió con su divorcio. Olivier al año siguiente se separó de Vivian y se casó con Joan, quien se llevaría ese año el Tony por The Taste of Honey.
En 1962 nació el primer hijo del matrimonio, Richard Olivier. Tras el parto, Joan obtuvo dos ocasiones de lucimiento en Saint Joan, en la que interpretó a Juana de Arco, y en Tío Vania de Anton Chéjov, en la que incorporó a Sonya, una mujer enamorada cuyo anciano marido dificultaba la consecución de su felicidad.
En 1966, tras el nacimiento de su hija (Juliet Kate Olivier), protagonizó la versión teatral de Mucho ruido y pocas nueces, en el mismo papel que un año antes Maggie Smith había representado: Beatrice, mujer de ingenio y carácter, que al final aceptaba casarse con su amigo-rival Benedicto. Frank Finlay, Derek Jacobi y Robert Stephens fueron sus compañeros de plantel. Sin proponérselo, Joan Plowright empeza a configurarse como una actriz destinada a interpretar a mujeres activas, con capacidad para dirigir la vida de los demás, pero que en el fondo escondían un corazón de oro. Así mismo como Judi Dench empezaba a destacarse como un rostro asociado a la alta cultura inglesa, dada su adscripción a piezas que por entonces gozaban de prestigio.
Al año siguiente interpretó la obra de Molière Tartufo.
En 1969, convertida ya en una actriz respetada por la crítica, dirigió tres obras de teatro: Evasion of Women, Rites y The Travails of Sancho Panza.
En 1970 fue dirigida por su marido en la película Tres hermanas, tras cuyo rodaje se subió de nuevo a los tabloides con El mercader de Venecia.
En 1975 obtuvo su mayor éxito con La gaviota, en la que compartió escenario con Alan Bates y Helen Mirren.
En 1977 Joan consiguió una candidatura al Premio BAFTA a la mejor actriz de reparto por la película Equus, en la que encarnó a la paciente ayudante de Richard Burton. En teatro, estrenó Filumena, una de sus intervenciones más recordadas.
En 1984 compartió protagonismo con Maggie Smith de la obra The Way of The World.
En 1986 se puso en la piel de La Poncia en La casa de Bernarda Alba, la criada testigo de la tragedia ideada por Federico García Lorca.
En 1989 Joan enviudó de Olivier. Ese mismo año su carrera cinematográfica, siempre a segundo plano hasta entonces, empezó a despegar. En efecto, Lawrence Kasdan solicitó sus servicios para Te amaré hasta que te mate, donde la actriz se puso en la piel de una suegra dispuesta a envenenar a su yerno (Kevin Kline) a la menor ocasión.
Barry Levinson la contrató en 1990 para Ávalon, donde interpretó a Eva Krinchinsky, una mujer polaca afincada en Baltimore, que años después de la II Guerra Mundial recibe noticias de un hermano al que no conocía. Ese perfil que había cultivado en el teatro empezaba a corresponderse con el que se labraba en el la gran pantalla. Eva Krinchisky constituía la pieza angular de su hogar y al final de su vida sufrió el abandono de la mitad de su familia, la cual ni siquiera asistió a su entierro.
1992 fue su gran año. Primero incorporó a la mujer de Stalin en un telefilme que llevaba el nombre del dirigente ruso. Después se unió al elenco de Un abril encantado, donde encarnó a Miss Fisher, una mujer mayor aferrada al pasado y que tras pasar una temporada en la Toscana comprendía que debía volver a aprovechar el tiempo del que disponía, abriéndose a nueva gente y experiencia. Ambas interpretaciones fueron recompensadas con sendos Globos de Oro y una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto, y que fue a para sorpresa de todos los periodistas a Marisa Tomei.
A raíz de su renovada popularidad, Joan se convirtió en una actriz de reparto frecuente en películas comerciales como Daniel el travieso -en la que se puso en la piel de la amable señora Wilsonn-, El último gran héroe -donde tenía una aparición como la afable propietaria de un cine-, La letra escarlata -donde era acusada de bruja-, 101 dálmatas -donde daba vida a la fiel Nanny- o Sobrevivir a Picasso, donde interpretó a la abuela de Françoise Gilot, una mujer preocupada por el romance de su nieta con Pablo Picasso.
Sus papeles más destacados de esta época fueron los llevados a cabo en El pico de las vidas -donde encarnó a Mrs. Doggy, una mujer que dominaba la vida del pueblo y sin complejos para difamar sin pernsárselo-, Hotel Sorrento, y Jane Eyre, en la que inició una larga colaboración con Franco Zeffirelli, quien satisfecho de su interpretación como Mrs. Fairfax -una ama de llaves que sufre al ver la atormentada vida del Señor Rochester-, la contrató para protagonizar Té con Mussolini. En aquella película Joan defendió el papel de Mary Wallace, una secretaria que se hacía cargo de la educación de un niño bastardo llamado Lucca.
En 2001 escribió sus memorias And That´s Not All y preparó su regreso a las tablas con Absolutly (2003). En el cine ejecutó pequeños cometidos en Se montó la gorda y Callas Forever, en la que incorporó a la periodista Sarah Keller, una amiga de Maria Callas preocupada por el estado anímico de ésta.
En 2003 recibió el título de Dama del Imperio Británico.
En 2005 consiguió un papel protagonista en Mrs. Palfrey At Claremont, en la que Joan interpretó a una mujer mayor que entablaba una amistad con un joven solitario. A finales de año, la actriz recibió una candidatura a los Golden Satelittes.
Teatro
Como actriz
· 1948 · If Four Walls Could Talk
· 1949 · Mayor Bárbara
· 1953 · The Country Wife
· 1954 · The Duenna
· 1956 · El crisol
· 1958 · El animador
· 1958 · The Lesson
· 1960 · Rhinoceros
· 1961 · A Taste of Honey
· 1963 · Tío Vanya
· 1963 · Saint Joan
· 1966 · Mucho ruido y pocas nueces
· 1967 · Tartufo
· 1970 · El mercader de Venecia
· 1974 · Saturday, Sunday, Monday
· 1975 · La gaviota
· 1977 · Filumena
· 1984 · The Way of the World
· 1986 · La casa de Bernarda Alba
· 2003 · Absolutly
Como directora
· 1969: The Travails of Sancho Panza, Rites, Evasion of Woman
Películas
· 1960 · El animador
· 1963 · Tío Vania
· 1970 · Tres hermanas
· 1977 · Equus
· 1988 · La modista
· 1989 · Te amaré hasta que te mate
· 1990 · Avalon
· 1992 · Un abril encantado
· 1993 · El último gran héroe
· 1993 · Daniel el travieso
· 1994 · El pico de las viudas
· 1995 · La letra escarlata
· 1995 · Hotel Sorrento
· 1996 · Jane Eyre
· 1996 · Sobrevivir a Picasso
· 1996 · 101 dálmatas: ¡Más vivos que nunca!
· 1998 · Dance With Me
· 1999 · Té con Mussolini
· 2000 · Dinosaurio (voz)
· 2002 · Callas Forever
· 2001 · Se montó la gorda
· 2003 · I am David
· 2005 · Mrs. Palfrey At Claremont
· 2006 · Curius George
· 2006 · In The Shadow of The Wing
· 2008 · Las crónicas de Spiderwick
Televisión
· 1974 · El mercader de Venecia
· 1980 · El diario de Ana Frank
· 1983 · Wagner
· 1986 · The Birthday Party
· 1986 · La importancia de llamarse Ernesto
· 1992 · La casa de Bernada Alba
· 1992 · Stalin
Libros
· Memorias: And That´s Not All (2001)
Premios
Oscar
Año Categoría Película Resultado
1992 Mejor actriz de reparto Un abril encantado Candidata
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1977 Mejor actriz de reparto Equs Candidata
Globos de Oro
Año Categoría Película/Telefilme Resultado
1992 Mejor actriz de reparto Un abril encantado Ganadora
1992 Mejor actriz de reparto de serie, miniserie o telefilme Stalin Ganadora
Satellite Awards
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor Actriz - Comedia/Musical [[Mrs. Palfrey at the Claremont Candidata
Premios Tony
Año Categoría Obra de teatro Resultado
1961 Mejor actriz A Taste of Honey Ganadora
1958 Mejor actriz El animador Candidata
Fennecus
· Candidata al premio de Mejor actriz de reparto (1992)
APEX
· Candidata al Premio de Mejor actriz de comedia (2005)
· Candidata al Premio de Mejor actriz de reparto en un drama (1990).
· Candidata al Premio de Mejor actriz de reparto en una comedia (1989, 1992)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1929 Paquita Rico
Francisca Rico Martínez ( nace en Sevilla, en el popular Barrio de Triana, el 13 de octubre de 1929). Es una actriz y cantante española.
Trayectoria artística
Tras participar en un concurso radiofónico, debuta sobre un escenario siendo aun muy joven en el ballet español de Montemar junto a Carmen Sevilla y Ana Esmeralda. Comienza a trabajar en la compañía de Pepe Pinto. Es descubierta por Florián Rey y en 1948 rueda bajo dirección de éste su primera película Brindis a Manolete, que inmediatamente le otorga gran popularidad. Le siguen comedias, sainetes y dramas, así como numerosas películas folclóricas. Estuvo casada entre 1960 y 1965 con el torero Juan Ordóñez. En años sucesivos alcanza estatuto de estrella favorita del cine español, continuando también su carrera como cantante folclórica. Su pleno éxito llega en 1959 cuando interpreta el papel de la Reina María de las Mercedes de Orleans y Montpensier (primera esposa de Alfonso XII) en la película del argentino Luis César Amadori ¿Dónde vas Alfonso XII?. Dos años después coincide en la apertura de los títulos de El balcón de la luna con sus amigas Lola Flores y Carmen Sevilla.
A partir de ese momento espacia sus apariciones cinematográficas, frecuenta círculos selectos y solamente intervendría en otros seis títulos más, hasta su retirada definitiva del mundo del espectáculo.
Es tía de la actriz Soledad Miranda.
Filmografía
· El Cid cabreador (1983)
· Viva/muera Don Juan Tenorio (1977)
· Canciones de nuestra vida (1975)
· El taxi de los conflictos (1969)
· Las Otoñales (1964)
· Historia de una noche (1963)
· El Balcón de la Luna (1962)
· Tierra brutal (1961)
· La viudita naviera (1961)
· Ventolera (1961)
· S.O.S., abuelita (1959)
· La Tirana (1958)
· ¡Viva lo imposible! (1958)
· ¿Dónde vas, Alfonso XII? (1958)
· Las lavanderas de Portugal (1957)
· À la Jamaïque (1957)
· Dos novias para un torero (1956)
· Curra Veleta (1956)
· El Soltero (1955)
· Suspiros de Triana (1955)
· Prisionera del pasado (1954)
· Malvaloca (1954)
· La moza de cántaro (1954)
· El duende de Jerez (1953)
· La alegre caravana (1953)
· Luna de sangre (1952)
· Debla, la virgen gitana (1951)
· María Morena (1951)
· Rumbo (1949)
· ¡Olé torero! (1948)
· Brindis a Manolete (1948)
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1929 Vera Miles
Vera Miles (n. 23 de agosto de 1929), es una actriz de cine estadounidense.
Su nombre original es Vera May Ralston, creció en Pratt y en Wichita, Kansas, donde de adolescente trabajó como operador mecanógrafo, en la Western Union. Se graduó en la North High School de Wichita y se proclamó Miss Kansas en 1948.
Carrera: 1950-1957
Su éxito como una reina de belleza la llevó a trasladarse a Los Ángeles en 1950, donde pronto comenzó a desempeñar pequeños papeles en cine y televisión incluyendo una participación menor en el musical “Dos billetes para Broadway" (Two Tickets to Broadway) (1951), protagonizado por Janet Leigh, con quien Miles protagonizaría nueve años más tarde la película Psicosis de Alfred Hitchcock. Atrajo la atención de varios productoras, con las que trabajo como modelo publicitaria, como era habitual en esa época para la mayoría de las aspirantes a estrellas en Hollywood. Con la productora Warner Bros participó en películas como "The Charge At Feather River". En 1954, se casó con el actor que encarnó algunas películas de Tarzán, Gordon Scott, el matrimonio duró hasta 1959 en que se divorciaron.
El director John Ford la escogió para intepretar el papel de novia de Jeffrey Hunter en la legendaria película The Searchers, "Centauros del desierto", protagonizada por John Wayne, Natalie Wood, Ward Bond y Dorothy Jordan. Aunque también intervino en otras películas en ese año como "Autumn Leaves" con Joan Crawford y Cliff Robertson, y "23 pasos a Baker Street" con Van Johnson, The Searchers fue un paso decisivo en su carrera como actriz.
Un año más tarde, Miles comenzó un contrato personal de cinco años con Alfred Hitchcock y fue publicitada como la potencial sucesora al trono de actriz favorita del director, sucediendo en el puesto a la elegante y sofisticada Grace Kelly. El nuevo mentor de Miles la dirigió en el papel de la nueva novia emocionalmente preocupada de Ralph Meeker en un episodio memorable de su serie televisiva “Alfred Hitchcock presenta” titulado “Venganza”. Gratamente impresionado Hitchcock la dirigió en la pantalla grande como la esposa cercada de Henry Fonda, que interpretaba un músico de Nueva York, falsamente acusado de un crimen, en Falso culpable (1957). El crítico del New York Times, Bosley Crowther, escribiendo de la actuación de Miles y Fonda, destacó su interpretación, manifestando que era capaz de transmitir la sensación de miedo que se desprendía de la situación en la que se habían visto envueltos los protagonistas. Hitchcock apreciaba no sólo la belleza rubia de Miles y su inteligente apariencia, sino también su talento para interpretar. Hitchcock emprendió un reinvención del aspecto y el vestuario de su nueva estrella con la asistencia de la diseñadora de vesturarios y ganadora del Oscar Edith Head. En un artículo de 1956 en “Look magazine”, Miles dijo que Hitchcock nunca la había felicitado ni le había dicho porqué la había contratado. Hitchcock comentaba en el mismo artículo, que Miles era una mujer sexy, inteligente y atractiva, pero de rodillas para arriba.
Carrera: 1958 al momento actual
La actriz era la elegida como protagonista para el siguiente proyecto de Hitchcock, Vértigo, pero el retraso en la producción y su embarazo lo impidieron. El proyecto diseñado como escaparate para su nueva estrella, fue una película considerada por muchos como una de las obras maestras del director. Miles recordaba que Hitchcock se quedó abrumado, cuando le dijo que no podría ser la estrella de su personal thriller, del que ya se había las pruebas de maquillaje y el vestuario. El director la sustituyó por Kim Novak, con quien no congenió. Cuando el director era preguntado años más tarde por François Truffaut sobre Miles, en el libro Hitchcock/Truffaut, explicaba su decepción profesional de esta manera: “Se presentó embarazada momentos antes de la obra que iba a convertirla en una estrella. Después de esto, perdí interés. No podría conseguir el ritmo con ella de nuevo.” Más tarde Miles reflexionaba sobre Hitchcock de la siguiente forma “a lo largo de los años él siempre ha tenido un tipo de mujer en sus películas como Ingrid Bergman, Kelly y así sucesivamente. Antes fue Madeleine Carroll. No soy su tipo y nunca lo he sido. Intenté agradarle pero no podía. Todas ellas son mujeres atractivas y sexy, pero lo mío es completamente diferente.”
Coprotagonizó con Susan Hayward y John Gavin en el melodrama sobre adulterio, "Back street", dirigida por David Miller y basada en la novela de Fannie Hurst de 1931. Un año más adelante, Hitchcock la eligió para Lila la hermana de Janet Leigh en Psicosis (1960)en cuyo papel descubre la verdad sobre Norman Bates y su madre. A pesar de su papel secundario, la buena actuación de Miles produjo una impresión fuerte y duradera
En 1962, le siguió otro papel en otro clásico de Ford, El hombre que mató a Liberty Valance, compartiendo reparto con John Wayne y James Stewart (que compiten por su amor), ganó un premio de "La Herencia del Western", que compartió con el director Ford, el guionista James Warner Bellah y sus compañeros de reparto, incluyendo Lee Marvin y Edmond O'Brien. Volvería a participar en una película con John Wayne en Hellfighters (1968).
La carrera de Miles tomó un inesperado giro cuando empezó a rodar con los Estudios Disney, en "A Tiger Walks" (1964), "Those Calloways" (1965), y "Follow Me, Boys!" (1966). Continuó haciendo papeles para Disney hasta los años setenta y también grandes series de televisión durante años, hasta que en 1983 repitió su famoso papel en Psicosis II, con su papel vociferante, protestando contra la libertad condicional propuesta para Norman Bates (interpretado como en el original por Anthony Perkins). En los años siguientes, lamentaba que Psicosis se había convertido en la película con la que se asociaba el nombre de Hitchcock, considerando que había dirigido otras películas mejores.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Anne Francis
Anne Francis, actriz norteamericana nacida el 16 de septiembre de 1930 en Ossining, Nueva York, Estados Unidos de América.
Esta actriz es especialmente conocida por su actuación en el clásico de Ciencia-Ficción de 1956 Planeta prohibido y por el de detective privado en la serie de televisión Honey West de 1965-1966.
Por su papel en Honey West, Francis ganó un Golden Globe como mejor actriz en una serie de televisión y fue nominada para el prepio Emmy por ese mismo papel.
Francis se casó con Bamlet L. Price, Jr, desde mayo de 1952 hasta abril de 1955, y con Dr. Robert Abeloff desde 1960 hasta 1964 con quien tiene una hija. No volvió a casarse tras divorciarse de Dr. Abeloff. Desde marzo de 2006 vive en Santa Barbara, California.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Carmen Sevilla
María del Carmen García Galisteo, conocida artísticamente como Carmen Sevilla (Sevilla, 16 de octubre de 1930) es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.
Biografía
Inicios
Desde muy joven imbuida en el mundo artístico, fue hija de Antonio García Padilla, alias "Kola", letrista musical y nieta de José García Rufino. Se inicia en el cante y baile flamenco siendo aun una niña, y con tan sólo doce años se sube por primera vez a un escenario, en la Compañía de Estrellita Castro, con el espectáculo Rapsodia española, junto a Paquita Rico y Ana Esmeralda. De ahí pasa a las Compañías del Príncipe Gitano y de Paco Reyes.
En 1947 debuta en el cine con la película Serenata española, de Juan de Orduña y tan sólo tres años después consigue su primer papel protagonista en Jalisco canta a Sevilla, donde comparte créditos con Jorge Negrete.
Época de esplendor: Años cincuenta
Los años cincuenta la consolidan como una de las actrices más destacadas en el panorama artístico español. Emparejada cinematográficamente, al principio de la década, con Luis Mariano, pronto comienza a brillar con luz propia, protagonizando uno tras otro, títulos que la van situando entre las favoritas del público. Apodada "La novia de España", se convierte finalmente en una de las más importantes estrellas del cine y de la canción en España, junto a Lola Flores y Sara Montiel.
Durante esos años de esplendor protagoniza, entre otras, Cuentos de La Alhambra (1950), de Florián Rey, La hermana San Sulpicio (1952), de Luis Lucia, Violetas Imperiales (1952), de Richard Pottier, La fierecilla domada (1955), de Antonio Román, La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem (primera película española candidata al Premio Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa), Pan, amor y Andalucía (1958), de Javier Setó o El balcón de la luna (1962), junto a sus amigas Lola Flores y Paquita Rico. Hace incluso incursiones en el cine anglosajón e interpreta un pequeño papel en Rey de reyes (1961) de Nicholas Ray, en el papel de María Magdalena.
Durante todo ese tiempo compagina el cine con espectáculos musicales y, a partir de la llegada de la televisión a España, en 1956, con continuas apariciones en el nuevo medio.
Años sesenta y setenta
En 1960 contrae matrimonio con el compositor Augusto Algueró, con quien tiene al que será su único hijo, Augusto. A partir de 1969 intentó relanzar una carrera cinematográfica que comenzaba a languidecer y adopta un nuevo registro, con papeles más dramáticos y una estética pseudo-erótica, habitual en la época, que le lleva a protagonizar títulos como Enseñar a un sinvergüenza (1969), de Agustín Navarro, Un adulterio decente (1971), de Rafael Gil, La cera virgen (1971), de José María Forqué, No es bueno que el hombre esté solo (1972), de Pedro Olea, La loba y la paloma (1973), de Gonzalo Suárez o Nosotros los decentes (1978), de Mariano Ozores. Protagoniza, además, Marco Antonio y Cleopatra (1972), junto a Charlton Heston.
En 1978 rueda su última película. Separada de su primer marido, vuelve a contraer matrimonio con el empresario Vicente Patuel y se retira de los escenarios para llevar una vida alejada de los focos en una finca rural dedicada a la cría de ovejas.
Etapa en televisión: 1990
Telecinco
Sin embargo, en 1991 Valerio Lazarov, entonces director de la recién creada cadena de TV, Telecinco, la convence para ponerse de nuevo ante una cámara, en esta ocasión como presentadora. Se inicia, de este modo, una nueva etapa en su carrera, cuando durante seis años presenta el programa diario Telecupón en la mencionda cadena de TV. Sus continuos despistes y errores ante la cámara en un espacio que se emite en directo, la hacen ser pronto objeto de imitaciones por humoristas como Martes y 13. En su etapa en Telecinco, Carmen Sevilla presentó Galas, Espectáculos y distintos programas de variedades, como Se acabó la siesta (1992), con Laura Valenzuela y Agustín Bravo, Date un respiro (1993), Mañana serán estrellas (1993), con Manolo Escobar, ¿Se puede? (1993-1994) y En directo contigo (1995), junto a Belén Rueda.
Antena 3
En 1999 se intenta relanzar su carrera como actriz y protagoniza en Antena 3 la tele-comedia Ada Madrina, junto a Jesús Puente y la modelo Mar Flores. Sin embargo, la serie no cuaja entre la audiencia, y es retirada poco después de su estreno. Presentó también en esta cadena el programa "La noche de Carmen" con notable éxito.
TVE
A finales de 2004, cuando Televisión Española decide rescindir el contrato que mantiene con José Manuel Parada, presentador del programa sobre cine español, Cine de barrio, Carmen Sevilla es reclamada para sustituirlo, y desde entonces se asoma todas las semanas a la pantalla al frente de este espacio de evocación y nostalgia en el que se emiten viejas películas del cine español.
Premios
· Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (1955), por La fierecilla domada.
· Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo (1956), por La fierecilla domada.
· Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo (1956), por La fierecilla domada.
· Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (1970), por El techo de cristal.
· TP de Oro (1993), a su trayectoria profesional.
Curiosidades
· En 2004 se publicaron sus Memorias, escritas por el periodista Carlos Herrera.
· Ha creado una línea de perfumes que lleva su mismo nombre.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Chus Lampreave
María Jesús Lampreave (Madrid, 11 de diciembre de 1930) es una actriz española.
Biografía
Aunque nunca tuvo vocación de actriz, se ha convertido en una de las más reconocidas y apreciadas del cine español. Ha participado en más de cincuenta películas y numerosos trabajos en televisión, colaborando con los más importantes directores del país.
Tras cursar el bachillerato y movida por su gran afición a la pintura, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y por medio de Jaime de Armiñán, en 1958, Chus hace su debut como actriz en televisión. Sus comienzos en el cine fueron de la mano de Marco Ferreri y Luis García Berlanga, con quien trabajó después en películas tan emblemáticas como El Verdugo y en la trilogía Nacional.
Pero los mayores éxitos le iban a llegar en la década de 1980 y de la mano del director Pedro Almodóvar, con el que rueda Entre tinieblas (1983), ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984) y Matador (1986). Con él ha colaborado en cinco películas más, incluyendo Hable con ella (2002) y Volver (2006).
Con Fernando Trueba actúa, en 1986, en El año de las luces, en un papel que supone la primera de sus cinco candidaturas al Premio Goya. Especializada en personajes ingenuos o despistados, adquiere mayor protagonismo en Espérame en el cielo (Antonio Mercero, 1988). Con Trueba vuelve a colaborar en Belle Époque (1992), película ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa y por la que Chus obtuvo el Goya a la mejor actriz de reparto.
Filmografía
· 1958 El pisito
· 1960 El cochecito
· 1963 El verdugo
· 1971 Mi querida señorita
· 1977 La escopeta nacional
· 1980 Patrimonio nacional
· 1980 Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón
· 1982 Laberinto de pasiones
· 1982 Nacional III
· 1984 Entre tinieblas
· 1984 ¿Qué he hecho yo para merecer esto?
· 1985 Matador
· 1985 Sé infiel y no mires con quién
· 1985 Lulú de noche
· 1986 El año de las luces
· 1987 La vida alegre
· 1987 Moros y cristianos
· 1988 Espérame en el cielo
· 1988 Mujeres al borde de un ataque de nervios
· 1988 Amanece, que no es poco
· 1988 Bajarse al moro
· 1992 Belle Époque
· 1992 Supernova
· 1995 Siete mil días juntos
· 1995 Así en el cielo como en la tierra
· 1995 La flor de mi secreto
· 1998 Torrente, el brazo tonto de la ley
· 2002 El florido pensil
· 2002 Hable con ella
· 2004 Di que sí
· 2006 Volver
· 2008 Fuera de carta
· 2009 Los abrazos rotos
Televisión
· Hermanas (1998)
· Lo + Plus (1997)
Premios y candidaturas
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (en conjunto con el resto de actrices) Volver Ganadora
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor interpretación femenina de reparto La flor de mi secreto Candidata
1992 Mejor interpretación femenina de reparto Belle Époque Ganadora
1989 Mejor interpretación femenina de reparto Bajarse al moro Candidata
1988 Mejor interpretación femenina de reparto Espérame en el cielo Candidata
1986 Mejor interpretación femenina de reparto El año de las luces Candidata
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película/Serie de TV Resultado
2005 Toda una vida Ganadora
1993 Mejor actriz de televisión ¿De parte de quién? Semifinalista (1ª ronda)
1990 Mejor actriz de televisión Eva y Adán, agencia matrimonial Candidata
1988 Mejor actriz de cine Espérame en el cieloMiss CaribeMujeres al borde de un ataque de nervios Candidata
1986 Mejor actriz de cine El año de las lucesLulú de nocheMatador Candidata
1984 Mejor actriz de cine ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Candidata
Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz secundaria de cine Fuera de carta Candidata
2006 Mejor actriz de reparto de cine Volver Ganadora
1995 Mejor interpretación secundaria de cine La flor de mi secreto Candidata
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Elaine Stewart
Elaine Stewart (30 de mayo de 1930, Nueva Jersey) es una actriz y modelo.
Stewart hizo su debut al ganar en Miss Véase en 1952, con medidas 34-25-36. Ella salio en muchas revistas como Playboy y Photoplay. Tenía un memorable papel secundario en The Bad and the Beautiful (1952) con Kirk Douglas. Ella apareció en otras películas, como Brigadoon, Night Passage y The Adventures of Hajji Baba.
En 1961, llegando al final de su carrera en televisión, se casó con el actor Bill Carter. el 30 de diciembre de 1963, se divorció y se casó otro productor de televisión Merrill Heatter. Juntos, tuvieron una hija, el 14 de julio de 1970. También es conocida como la co-anfitriona en 1970 de dos juegos, Gambit y la edición de noche High Rollers ambas producidas por su marido.
Hoy, jubilada, vive en Beverly Hills, California.
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1930 Elke Sommer
Elke Sommer nació en Alemania, fue la hija de un ministro luterano que murió cuando ella contaba con apenas 14 años de edad. A los 17 ella estaba trabajando en una casa en Londres, situación que aprovechaba para aprender inglés pues su plan era convertirse en una traductora diplomática.
Fue también por esa edad que recibió algunas ofertas para modelar, lo que le sirvió para ser convocada en la que sería su primera película, la germana “Das Totenschiff” (1959).
Mientras se encontraba en Italia, ella llamó la atención de un productor quien le dio un importante rol en “Femmine di Lusso” (1959). En el proceso, Elke aprovechó para aprender italiano.
Como otras actrices europeas, ella recibió su empujón definitivo con “The Victors” (1963); film en el que aparece desnuda, lo que llamó la atención de los medios de prensa en los Estados Unidos.
Su siguiente cinta fue al lado de Paul Newman en “The Prize” (1963) y Peter Seller en “A Shot in the Dark” (1964). Durante este periodo ella conoció a quien sería su esposo, el escritor Joe Hyams, cuando este le hizo una entrevista para una revista.
Su carrera tuvo altos y bajos, pero Elke Sommer mantuvo su popularidad, gracias en parte a que su dominio de siete idiomas le posibilitó presentarse en numerosos shows de TV alrededor del mundo.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Joanne Woodward
Joanne Gignillat Woodward (nacida el 27 de febrero de 1930 en la localidad de Thomasville en Georgia, Estados Unidos) es una actriz estadounidense ganadora de un Óscar a la mejor actriz en 1957. Casada con Paul Newman hasta su muerte, formaron posiblemente una de las parejas más estables de Hollywood.
Carrera
Woodward estudió en la Universidad del estado de Louisiana, donde ya participaría en producciones teatrales. Para desarrollar sus inquietudes interpretativas se mudó a principios de los años 50 a Nueva York. Asistió a clases en lujosas academias de la Gran Manzana.
Joanne Woodward apareció en varias obras de Broadway y en series televisivas. Después conseguiría firmar un contrato con la 20Th Century Fox y brillar en la película Count three and pray. A partir de entonces brillaría sobre todo en películas dramáticas.
Recibiría su Óscar a la mejor actriz por su maravillosa interpretación en Las tres caras de Eva.
Fue la primera persona en obtener una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
Filmografía
· Count three and pray (1955)
· Un beso antes de morir (1956)
· Más fuerte que la vida (1957)
· Las tres caras de Eva (1957)
· El largo y cálido verano (1958)
· Un marido en apuros (1958)
· El ruido y la furia (1959)
· Piel de serpiente (1959)
· Desde la terraza (1960)
· Paris Blues (1961)
· Rosas perdidas (1963)
· Samantha (1963)
· Signpost to murder (1964)
· El destino también juega (1966)
· Un loco maravilloso (1966)
· Raquel, Raquel (1968)
· 500 millas (1969)
· WUSA (1970)
· El detective y doctora (1971)
· El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972)
· Deseos de verano, sueños de invierno (1973)
· Con el agua al cuello (1975)
· Sybil (1977)
· The end (1978)
· Harry e hijo (1984)
· El zoo de cristal (1987)
· Esperando a Mr. Bridge (1990)
· La edad de la inocencia (1993) voz
· Philadelphia (1993)
· Even if a hundred ogres... (1996) voz
· Empire falls (2005)
Premios
Óscar
Año Categoría Película Resultado
1990 Óscar a la mejor actriz Esperando a Mr. Bridge Candidata
1974 Óscar a la mejor actriz Deseos de verano, sueños de invierno Candidata
1969 Óscar a la mejor actriz Rachel, Rachel Candidata
1957 Óscar a la mejor actriz Las tres caras de Eva Ganadora
Vida privada
Woodward se casó el 29 de enero de 1958 con el amor de su vida, Paul Newman, formando así una de las parejas más estables de Hollywood, estando casados 50 años, hasta la muerte de Paul. Tuvieron tres hijas juntos: Elinor Teresa (1959), Melissa Steward (1961) y Claire Olivia (1965).
Woodward vive en Westport, estuvo allí junto a Newman, hasta la muerte de este.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1930 Tippi Hedren
Nathalie "Tippi" Hedren (n. New Ulm, Minnesota, 19 de enero de 1930) es una actriz estadounidense.
Fue descubierta por Alfred Hitchcock, quien la vio en un anuncio de una bebida y que estaba buscando a una actriz que se pareciera a Grace Kelly, ya que la relación con esta última se enfrió tras el próspero trabajo mutuo realizado en míticas películas como La ventana indiscreta y Crimen perfecto. Hedren protagonizó las películas de Hitchcock Los pájaros y Marnie, la ladrona. Hasta entonces se ganaba la vida como podía como modelo publicitaria.
Inicios
Nathalie Hedren es hija de padre sueco y madre alemano-noruega. Su padre le puso el apodo "Tippi", que procede del sueco "Tupsa" - "cariño" -. Es la madre de la conocida actriz Melanie Griffith - esposa del actor español Antonio Banderas - .
En su adolescencia, Hedren ejerció de modelo en algunos pases en grandes almacenes. Sus padres se trasladaron a California en esa época. Tan pronto como cumplió los 18 años, se marchó a Nueva York y empezó su carrera de modelo profesional. En menos de un año, hizo su debut cinematográfico en el musical The Petty Girl (1950), aunque en las entrevistas ella siempre dice que su primera película fue Los pájaros. Durante su estancia en Nueva York, conoció y se casó con su primer marido, Peter Griffith.
En 1963, Alfred Hitckcock, que estaba buscando a alguien que sustituyera a la actriz Janet Leigh, quien había protagonizado su película anterior (Psicosis, 1960), pensó en Tippi Hedren, a la que había visto en un anuncio de bebidas, para protagonizar su nueva película, Los pájaros. El rodaje fue muy duro y peligroso, según relata la propia Hedren; como ejemplo, durante la grabación de la última escena en la que los pájaros atacan, Hedren acabó tan exhausta que se sentó en medio del plató y comenzó a llorar. Sin embargo, esta dureza se vio recompensada cuando ganó el Globo de Oro a la actriz revelación.
Al año siguiente, protagoniza, también bajo la dirección de Hitchcock, la película Marnie, la ladrona. Después de esta película, y debido en gran parte a la actitud controladora de Hitchcock, quien incluso intentaba dirigir la carrera profesional de Hedren, la relación entre el director y la actriz se fue enfriando. Según cuenta la actriz, Hichcock le envió una nota diciéndole que iba a arruinar su carrera. A partir de ese momento, los productores que querían contratar a Hedren tenían que vérselas con Hitchcock, quien les decía que «ella no estaba disponible».
Después de protagonizar las dos películas de Hitchcock, ha hecho otras 40 películas entre 1967 y 2005. Después de Marnie, la ladrona, apareció en la última película de Charlie Chaplin, La condesa de Hong Kong (1967). En 1981, produjo su propia película, El gran rugido, una cinta en la que aparecían docenas de leones africanos. Durante el rodaje, varias personas fueron atacadas por los animales, incluidas la propia Hedren y su marido entonces, Noel Marshall.
Esta película influyó para que la actriz estableciera en Acton, California, una reserva de animales. Hedren vive en el lugar y, mensualmente, dirige visitas por el lugar.
Tippi Hedren ha estado casada cuatro veces. Con Peter Griffith se casó en 1952 y se divorció en 1961. De este matrimonio, nació su hija, la actriz Melanie Griffith. En 1964 se casó con Noel Marshall, del que se separó en 1982. Su tercer matrimonio fue con Luis Barrenechea, y duró de 1985 a 1995. Desde 2002 está casada con Martin Dinnes.
Filmografía selecta
· Los pájaros (1963)
· Marnie, la ladrona (1964)
· La condesa de Hong Kong (1967)
· El gran rugido (productora) (1981)
· Closed (2010)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Angie Dickinson
Angie Dickinson (nacida el 30 de septiembre de 1931) es una actriz de cine y televisión americana ganadora de un Globo de Oro, reconocida principalmente por su personificación de la Sargenta Leann "Pepper" Anderson en la serie de drama Mujer Policía.
Principio de su vida
El verdadero nombre de Dickinson, la segunda de tres hijas, es Angeline Brown. Nació en Kulm, Dakota del Norte, y sus padres eran Frederica y Leo H. Brown, quien era editor y director de un periódico local de la ciudad.1 En 1942, su familia se mudó a Burbank, California. Se graduó de la Escuela Secundaria Bellamarine Jefferson en 1947, a los 15 años de edad. El año anterior, había ganado el Sexto Concurso de Ensayos Anual de la Carta de Derechos. Estudió en la Universidad Glendale Community College y en 1954 se graduó de en la carrera de administración de empresas. Con la ayuda de su padre, originalmente quería ser escritora. Cuando era estudiante, de 1950 a 1952, trabajaba como secretaria en la Terminal Aérea Lockheed en Burbank (actualmente conocido como Bob Hope Airport) y en una fábrica de papel.
Inicios de su carrera
En 1953, fue segunda en un concurso de belleza. Poco tiempo después de su matrimonio con Gene Dickinson, decidió ponerse como seudónimo Angie Dickinson. Fur contratada por la NBC para aparecer en un número de programas televisivos, incluyendo The Colgate Comedy Hour. Pronto conoció a Frank Sinatra quien se convirtió en su amigo por el resto de su vida. Hizo el papel de la esposa de Sinatra en la película Ocean's Eleven.
En el día de Año Nuevo de 1954, Dickinson debutó como actriz en un episodio de Death Valley Days. Esto la llevó a interpretar otros papeles en producciones como Buffalo Bill Jr, ocho episodios de Matinee Theatre, General Electric Theater, The Life and Legend of Wyatt Earp, Broken Arrow, Gunsmoke, Cheyenne, Meet McGraw, The Restless Gun, Perry Mason, Mike Hammer, Wagon Train, Men Into Space, y un giro memorable como una cómplice de asesinato en un episodio de 1964 de la clásica serie The Fugitive, junto con David Janssen y la estrella invitada Robert Duvall. En 1965, interpretó a Carol Tredman en Dr. Kildare.
Aunque Dickinson tuvo una carrera en el cine moderadamente exitosa por casi dos décadas, y trabajó con los principales directores y actores de los 1950s y los '60s, no fue reconocida como una actriz talentosa; su estrellato vino después.
Su carrera en el cine comenzó con papeles menores en Lucky Me (un cameo en 1954) junto a Doris Day, The Return of Jack Slade (1955), Man with the Gun (1955), y Hidden Guns (1956). Tuvo su primer papel protagónico en Gun the Man Down (1956) con James Arness, y en la película de Sam Fuller China Gate (1957) la cual describió tempranamente los conflictos internos en Vietnam. Rechazando el estilo rubio platinado de Marilyn Monroe y Jayne Mansfield porque sentía que nublaría sus posibilidades de trabajo, Dickinson sólo permitió que le cambiaran el color castaño de su cabello a rubio oscuro.
A principios de su carrera, apareció principalmente en películas western, incluyendo Shoot-Out at Medicine Bend (1957) co-protagonizada con James Garner.
Fue otro western lo que la propulsó a ser conocida en Hollywood: la película Río Bravo, de Howard Hawks (1959), en la cual interpretó a una jugadora compulsiva llamada Feathers quien está a punto de ser encarcelada por el policía local, interpretado por el ídolo de su infancia, John Wayne. La película fue co-protagonizada por Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan. Cuando Hawks vendió su contrato personal con ella a un estudio más grande sin informarle, se sintió considerablemente disgustada, ya que se desvanecían sus esperanzas de que el director la eligiría sobre Lauren Bacall para sus películas.
A principios de 1960, Dickinson protagonizó numerosas películas, convirtiéndola en una de las mujeres más prominentes de la década, protagonizando The Bramble Bush con Richard Burton y Ocean's Eleven con Frank Sinatra. Luego trabajó en el documental político A Fever in the Blood (1961); en un melodrama basado en el Congo belga llamado The Sins of Rachel Cade (1962), en la cual interpretaba a una enfermera voluntaria tentada por la lujuria; y en Rome Adventure (también conocida como Lovers Must Learn) en 1962; y en Jessica de Jean Negulesco (1962) con Maurice Chevalier, en la cual personifica a una joven que envidia a las mujeres casadas de su ciudad. Angie también compartiría la pantalla con su amigo Gregory Peck en la comedia dramática Captain Newman, M.D.
En The Killers, una película que originalmente iba a ser hecha para televisión pero que fue enviada a los cines debido a su contenido violento, Angie, alcanzando la cumbre de sus habilidades como femme fatale, es golpeada por su novio, interpretado por el futuro presidente de Estados Unidos Ronald Reagan en su último papel como actor.
Dickinson co-protagonizó la comedia The Art of Love (1965), en la cual personifica a la mujer de los sueños de James Garner y Dick Van Dyke. Tuvo un éxito moderado en las películas que hizo durante el resto de la década del '60 y principios de los 70s: en la producción de Arthur Penn y Sam Spiegel, The Chase (1966), trabajó junto con estrellas como Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, Robert Duvall, Miriam Hopkins y otros.
La mejor película de Dickinson de esta era fue el clásico de John Boorman Point Blank (1967) con Lee Marvin como un ladrón traicionado y convicto que escapa de Alcatraz (fue la primer película filmada en la famosa prisión) deseoso de venganza y de recuperar el dinero que cree que le pertenece. Siguiendo el estilo de la época, la película no tuvo mucha audiencia ni mucha apreciación de la crítica hasta muchos años después. En 1969, protagonizó otro western, Young Billy Young con Robert Mitchum y Jack Kelly, y Sam Whiskey en donde le dio su primer beso en pantalla al joven Burt Reynolds. En 1971, interpretó a una lasciva maestra de escuela en la comedia Pretty Maids All in a Row con Rock Hudson, y de una médica desquiciada en la película de ciencia ficción The Resurrection of Zachary Wheeler. Uno de sus papeles más recordados es cuando interpretó a la viuda Wilma McClatchie en Big Bad Mama (1974) con William Shatner y Tom Skerritt.
Mujer Policía
Dickinson regresó a la pantalla chica en marzo de 1974 para interpretar a un personaje en un episodio de la antológica serie Police Story. Esa aparición como estrella invitada fue tan popular que la NBC decidió crear una serie de detectives semanal llamada Mujer policía, en donde personificaría a la primer policía mujer exitosa en la televisión. (Beverly Garland y Anne Francis ya habían hecho papeles similares, pero sus programas habían durado poco tiempo). Dickinson interpretó a la Sgt. Leann "Pepper" Anderson, una policía rubia con clase, miembro de la Unidad de Conspiración Criminal del Departamento de Policía de Los Angeles. Como mujer dura pero encantadora, Pepper adopta un número de disfraces para atraer a los criminales a las garras de la justicia.
El papel consolidó la fama de Dickinson como sex symbol de más de 40 años. Se convirtió en un ícono popular de los 70s. Mujer Policía fue emitido en más de setenta países, convirtiéndose en el programa más exitoso en muchos de ellos. Fue esencialmente la respuesta femenina de la NBC a otra serie de detectives de los 70s protagonizadas por hombres, como Hawaii Five-O, Kojak, The Streets of San Francisco, McMillan and Wife, The Rockford Files y Baretta, las cuales se emitían en tres canales diferentes.
El co-protagonista del programa era el actor Earl Holliman (quien reemplazó a Bert Convy, quien había personificado a Crowley en el episodio piloto), como el jefe ítalo-americano de Anderson y su amigo de toda la vida, el Sargento Bill Crowley. Además, en el elenco se encontraban Ed Bernard y Charles Dierkop como los Investigadores Joe Styles y Pete Royster, respectivamente. El primer día de rodaje, tanto Dickinson como Holliman se dieron cuenta de que tenían muy buena química en pantalla, por lo que los escritores comenzaron a basar sus guiones en esto.
En una ocasión, Dickinson le dio una chance a la hija de su jefe de actuar en el papel de su hermana menor autista, Cheryl, durante la temporada de 1974; el papel sólo duró unos pocos episodios.
Durante su cuarta temporada (generalmente reconocida como su mejor año) Mujer Policía obtuvo un éxito rápido y considerable. Sin embargo, a finales de la cuarta temporada, de 1978, la serie tuvo su año más difícil, ya que la audiencia decayó debido a los cambios de horarios en la NBC y el nivel de los guiones era muy parecido a cuando el programa recién comenzaba. Como consecuencia, la NBC decidió cancelar la serie luego de cuatro temporadas y 91 episodios. Pese a esto, Dickinson disfrutó interpretando a la atractiva policía en uno de los programas policiales más influyentes de la historia de la televisión, y sería siempre recordada por este papel. El mismo año que el programa terminó, volvió a interpretar su papel de Pepper Anderson en el especial de televisión, Ringo, co-protagonizado por Ringo Starr y John Ritter; también formó parte de los Especiales de Navidad de Bob Hope para la NBC, y, en 1987, estuvo presente como estrella invitada en un episodio navideño de Saturday Night Live.
El impacto de Mujer Policía no sólo influenció a otras películas y series protagonizadas por heroínas mujeres bellas pero fuertes, como Los Ángeles de Charlie, La Mujer Biónica y La Mujer Maravilla a finales de los '70s, sino que también inspiró una oleada de solicitudes de mujeres para trabajar en departamentos de policía a lo largo de Estados Unidos. Los periodistas dijeron que estaban sorprendidos sobre la cantidad de mujeres policías que, al preguntárseles cómo habían elegido ese oficio, habían respondido que su influencia había sido la serie.
En 1987, el Departamento de Policía de Los Angeles premió a Dickinson con un Doctorado honorario, lo cual la llevó a decir en broma: "Ahora pueden llamarme 'Doctora Pepper.'"
Los 1980s
Después de aparecer en muchas miniseries televisivas, como Pearl (1978), Dickinson regresó a la pantalla grande en el thriller de Brian De Palma Dressed to Kill (1980), por lo cual ganó un Premio Saturn a la Mejor Actriz. Amada por algunos y odiada por otros (en gran parte por su violencia y su lenguaje vulgar), la película muestra a Dickinson durante 35 minutos, hasta que su personaje muere asesinado en un ascensor. La crítica elogió su actuación y actualmente la película es vista como una de las pioneras en el género macabro, con el silencioso acecho de Dickinson en el laberinto del museo de la ciudad de Nueva York como uno de los mejores momentos del largometraje.
A pesar de los éxitos de su carrera como Mujer Policía en los '70s y Dressed to Kill en 1980, el respeto hacia Dickinson como actriz había empezado a decaer; en los '60s y a principios de los '70s, nadie cuestionaba su talento.
Tuvo un papel menos importante en Death Hunt con Charles Bronson en 1981, así como en Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen. A principios de ese año, había tenido la opción de interpretar a 'Krystle Carrington' en la serie televisiva Dynasty, pero rechazó el papel (el cual terminó siendo personificado por Linda Evans). Luego de abandonar su propia comedia, producida por Johnny Carson, 'The Angie Dickinson Show', en 1980 (luego de sólo dos episodios) porque no sentía que era lo suficientemente graciosa, comenzó a trabajar en Cassie & Co., un intento de volver a la televisión que no tuvo éxito. Más tarde protagonizaría varias películas para televisión, tales como One Shoe Makes it Murder (1982), Jealousy (1984), A Touch of Scandal (1984), Hollywood Wives (1985), y Stillwatch (1987).
En el cine, volvió a interpretar a Wilma en Big Bad Mama II (1987), y trabajó en la película para televisión Kojak: Fatal Flaw, en la cual se reencontró con Telly Savalas. Además, protagonizó con Willie Nelson el western de 1988 Once Upon a Texas Train.
Dickinson también condujo Saturday Night Live el 12 de diciembre de 1987.
En 1982, cuando tenía cincuenta años y aún no se había sometido a una cirugía, un panel de diseñadores de Hollywood y de artistas del maquillaje la posicionaron primera en su lista de Mejores Figuras de Actrices de Hollywood.
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1990s y años posteriores
En 1993, Dickinson apareció en la miniserie futurista de televisión Wild Palms, producida por Oliver Stone, en donde interpretó a la hermana sádica y militar de la figura política Tony Kruetzer. El mismo año, protagonizó la bizarra película de Gus Van Sant Ellas también se deprimen, como la dueña de un spa en Montana; Uma Thurman y un elenco de estrellas no pudieron salvar el argumento, ya que la película ha sido nombrada la peor de los '90s. En 1995, interpretó a la esposa de Burt Reynolds en el thriller The Maddening, apareció en la remake de Sabrina con Harrison Ford, y personificó a la madre de Rick Aiello y Robert Cicchini en la comedia National Lampoon's The Don's Analyst. En 1997, sedujo al anciano Artie (Rip Torn) en un episodio de "The Larry Sanders Show", de HBO, titulado "Artie and Angie and Hank and Hercules."
Durante la primera década del nuevo milenio, Dickinson interpretó a una vagabunda alcohólica, madre de Helen Hunt, en Pay it Forward (2000) con Kevin Spacey; a la abuela de Gwyneth Paltrow en Duets (2000); y a la madre de Arliss Howard en la película Big Bad Love (2001) con Debra Winger.
Habiendo aparecido en la versión original de Ocean's Eleven (1960) con sus amigos Frank Sinatra y Dean Martin, cuatro décadas más tarde haría un breve cameo en la versión de 2001 con George Clooney. Dickinson es a menudo mencionada como una miembro honoraria del Rat Pack.
Ávida jugadora de póker, Dickinson, durante el verano boreal de 2004, participó en la segunda temporada de Celebrity Poker Showdown, emitido en el canal estadounidense Bravo. Luego de anunciar su nombre, el anfitrión Dave Foley dijo "A veces, cuando decimos Celebridad, a eso nos referimos."
Dickinson ha recibido el premio Roughrider, otorgado por el estado de Dakota del Norte.
Vida personal
Angie estuvo casada con Gene Dickinson, un jugador de fútbol, desde 1952 a 1960.
Fue relacionada románticamente con Frank Sinatra, a quien Dickinson llamó "el hombre más importante de mi vida" (debido al poder que él tenía cuando se conocieron, a mediados de los '50) y con quien tuvo "una relación muy cómoda" durante diez años. Continuaron siendo amigos hasta su muerte, en 1998. También fue vinculada con el actor David Janssen, y presuntamente con el presidente John F. Kennedy, aunque ella ha elegido no hablar sobre esos rumores.
Estuvo casada con el músico y compositor Burt Bacharach entre 1965 y 1980. Dickinson temporariamente abandonó su carrera, aunque aún aparecía ocasionalmente en películas, tales como el western The Last Challenge (1967) con Glenn Ford, y la comedia Some Kind of Nut (1969).
Su hija, Lea Nikki, conocida como Nikki, nació prematuramente por tres meses en 1966 y finalmente se le diagnosticó Síndrome de Asperger. Sus problemas causaron que Dickinson rehúse varios papeles para cuidar a su hija. Nikki pasó muchos años en el Wilson Center, un instituto psiquiátrico para adolescentes localizado en Faribault, Minnesota. Aunque Nikki obtuvo un título de geóloga, sus problemas de vista, contraídos tras su nacimiento prematuro, le hicieron imposible proseguir una carrera en ese campo. Incapaz de convivir con los efectos del Asperger, Nikki finalmente se quitó la vida en su departamento en Los Angeles en enero de 2007.
Nominaciones
Premios Emmy
Nominaciones en la categoría Mejor Protagonista Femenina de Serie Dramática:
· 1975 - Mujer Policía
· 1976 - Mujer Policía
· 1977 - Mujer Policía
Premios Globo de Oro
Nominaciones en la categoría Mejor Actriz de Serie Dramática:
· 1976 - Mujer Policía
· 1977 - Mujer Policía
· 1978 - Mujer Policía
Premios
Premios Globo de oro
Premios Globo de Oro ganados en la categoría Mejor Actriz de Serie Dramática:
· 1975 - Mujer Policía
Filmografía
· Lucky Me (1954)
· Tennessee's Partner (1955)
· The Return of Jack Slade (1955)
· Man with a Gun (1955)
· Hidden Guns (1956)
· Down Liberty Road (1956)
· Tension at Table Rock (1956)
· Gun the Man Down (1956)
· The Black Whip (1956)
· Shoot-Out at Medicine Bend (1957)
· China Gate (1957)
· Calypso Joe (1957)
· Run of the Arrow (1957) (voz de Sara Montiel)
· I Married a Woman (1958)
· Cry Terror! (1958)
· Rio Bravo (1959)
· Frontier Rangers (1959)
· I'll Give My Life (1959)
· The Bramble Bush (1960)
· Ocean's Eleven (1960)
· A Fever in the Blood (1961)
· The Sins of Rachel Cade (1961)
· Rome Adventure (1962)
· Jessica (1962)
· Captain Newman, M.D. (1963)
· The Killers (1964)
· The Art of Love (1965)
· The Chase (1966)
· Cast a Giant Shadow (1966)
· The Poppy Is Also a Flower (1966)
· The Rock (1967)
· Point Blank (1967)
· The Last Challenge (1967)
· Sam Whiskey (1969)
· Some Kind of a Nut (1969)
· Young Billy Young (1969)
· The Love War (1970) Hecha para TV
· Pretty Maids All in a Row (1971)
· The Outside Man (1972)
· Big Bad Mama (1974)
· The Angry Man (1979)
· Klondike Fever (1980)
· Dressed to Kill (1980)
· Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen (1981)
· Death Hunt (1981)
· Big Bad Mama II (1987)
· Ellas también se deprimen (1993)
· The Maddening (1995)
· Sabrina (1995)
· The Sun, the Moon and the Stars (1996)
· The Last Producer (2000)
· Duets (2000)
· Pay It Forward (2000)
· Scene Smoking: Cigarettes, Cinema & the Myth of Cool (2001) (documental)
· Big Bad Love (2001)
· Ocean's Eleven (2001) (Cameo)
· Elvis Has Left the Building (2004)
· 3055 Jean Leon (2006) (documental)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Anita Ekberg
Kerstin Anita Marianne Ekberg (Malmö, 29 de septiembre de 1931) es una actriz y modelo sueca. Fue Miss Suecia en 1951 y compitió en el concurso de Miss Universo. Su papel más destacado en el cine es el de Sylvia en la película La dolce vita de Federico Fellini.
Su debut cinematográfico fue en la película Abbot and Costello go to mars a principios de los años 50. Después vendrían títulos como Loco por Anita (1945), Guerra y paz (War and Peace) de King Vidor (1956) o Paris Holiday (1958). En 1960 interpretó su papel más recordado, el de la rubia despampanante que toma un baño en la "Fontana de Trevi" en la película La dolce vita.
En 1962 protagonizó Boccacio 70 junto a Sofia Loren; en 1967 trabajó con Shirley MacLaine en Siete veces mujer (Woman times seven). Hizo también un pequeño papel en 1969 en la película Si hoy es martes, esto es Bélgica (If it's Tuesday this must be Belgium). Ekberg se fue retirando paulatinamente del cine para dedicarse más a su trabajo como modelo. Realizó diversos reportajes para la revista Playboy. En 1997 trabajó junto a Bigas Luna en la película Bámbola.
Estuvo casada con el actor británico Anthony Steel desde 1956 a 1959. Desde 1963 a 1975 fue la esposa del también actor Rik Van Nutter. Se le han atribuido romances con diversos actores como Tyrone Power, Marcello Mastroianni, Errol Flynn o Frank Sinatra. Mantuvo también un romance con Gianni Agnelli de la firma italiana Fiat. Actualmente (2005) vive sola en Roma.
Filmografía (parcial)
· 1955 - Artistas y modelos (Artists and Models) de Frank Tashlin.
· 1956 - Loco por Anita (Hollywood or Bust) de Frank Tashlin.
· 1960 - La dolce vita de Federico Fellini
· 1963 - Cuatro tíos de Texas (4 for Texas) de Robert Aldrich.
· 1953 - Call Me Bwana de Gordon Douglas.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Anne Bancroft
Nacimiento; 17 de septiembre de 1931El Bronx, Nueva York, Estados Unidos
Defunción: 6 de junio de 2005 (73 años)Ciudad de Nueva York, Nueva York, EE. UU.
Su nombre real es Anna Maria Louisa Italiano. Sus padres eran inmigrantes italianos. A los cuatro años Bancroft ya comenzó a tomar clases de interpretación y de baile. Estudió en la Academia de Arte Dramático en Manhattan.
Hizo su debut en el cine en 1952, año en el que firmó un contrato de seis años con los estudios Century Fox. Los papeles que tuvo que interpretar no resultaron interesantes, por lo que Bancroft fue a Nueva York para actuar en el teatro siempre que le era posible. Actuó durante cinco años en los escenarios con notable éxito, y gano dos premios Tony. La última obra que había representado en el teatro la repitió en el cine, en la película The Miracle Worker (El milagro de Ana Sullivan), de Arthur Penn, por la que obtuvo un Óscar a la mejor actriz principal. Con este éxito se convirtió en una estrella de Hollywood, que por fin podría demostrar su talento en el cine.
Las siguientes películas tuvieron una acogida extraordinaria, como El graduado de Mike Nichols, en el que hizo el papel de señora Robinson seduciendo a un joven Dustin Hoffman.
Desde entonces Bancroft ha sido una actriz consagrada, que ha hecho numerosas películas en papeles principales, si bien con el paso del tiempo ha ido escogiendo preferentemente papeles secundarios y ha intervenido también en alguna producción para la televisión.
Bancroft se casó por primera vez en 1953. Se divorció cuatro años después. En 1964 se casó con el director Mel Brooks, con el que tuvo un hijo.
Murió en 2005 en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York a causa de un cáncer de útero.
Filmografía
· Heartbreakers (2001)
· Up at the Villa (2000)
· Keeping the Faith (2000, "Más que amigos" en España y "Divinas tentaciones" en Venezuela)
· The Living Edens: Anamalai - India's Elephant Mountain (2000)
· Hormigaz (1998) - Voz
· Great Expectations (1998)
· Mark Twain's America In 3D (1998)
· Living with Cancer: A Message of Hope (1998)
· Middle East: Israel - Echoes From the Ancients (1998)
· G.I. Jane (1997)
· Critical Care (1997)
· The Sunchaser (1996)
· Home for the Holidays (1995)
· How to Make an American Quilt (1995)
· Point of No Return (1993)
· Malice (1993)
· Mr. Jones (1993)
· Honeymoon in Vegas (1992)
· Love Potion No. 9 (1992)
· Bert Rigby, You're a Fool (1989)
· Torch Song Trilogy (1988)
· 84 Charing Cross Road (1986)
· 'Night, Mother (1986)
· Agnes de Dios (1985)
· Garbo Talks (1984)
· To Be or Not to Be (1983)
· The Elephant Man (film) (1980)
· Fatso (1980)
· The Bell Jar (1979)
· Jesus of Nazareth (1977)
· Paso decisivo (1977)
· Lipstick (1976)
· Silent Movie (1976)
· Hindenburg (1975)
· El prisionero de la segunda avenida (1974)
· Young Winston (1972)
· El graduado (1967)
· Seven Women (1966)
· The Slender Thread (1965)
· The Pumpkin Eater (1964)
· The Miracle Worker (1962)
· The Girl in Black Stockings (1957)
· The Restless Breed (1957)
· So Soon to Die (1957)
· Nightfall (1956)
· Walk the Proud Land (1956)
· The Last Frontier (1955)
· A Life in the Balance (1955)
· The Naked Street (1955)
· New York Confidential (1955)
· Demetrio y los gladiadores (1954)
· Gorilla at Large (1954)
· The Raid (1954)
· The Robe (1953)
· Treasure of the Golden Condor (1953)
· The Kid from Left Field (1953)
· Tonight We Sing (1953)
· Don't Bother to Knock (1952)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Carroll Baker
Carroll Baker, cuyo nombre real es Karolina Piekarski, (Johnstown, Pennsylvania, 28 de mayo de 1931), actriz polaco-ruso-americana.
Empezó su carrera en 1953 con una pequeña participación en "Easy to love". Después de aparecer en diversos anuncios televisivos, el éxito le llegó en 1956 al aparecer en la película "Gigante" ("Giant") y en el film de Elia Kazan "Baby Doll" por el que sería candidata al premio Oscar a la mejor actriz.
Aunque su carrera parecía muy prometedora pronto se estancó. Sin embargo, participó en algunas películas destacadas como "Horizontes de grandeza" ("The big country") (1958) o "La conquista del Oeste" ("How the west was won") en 1962. En 1965 protagonizó "Harlow, una rubia de platino" ("Harlow") y decidió trasladarse a Europa. Apareció en diversas producciones en Italia, España, Alemania y el Reino Unido, así como en algunas producciones mexicanas.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Diana Dors
La Marilyn Monroe británica. Belleza escultural rubia no exenta de talento interpretativo nacida el 23 de octubre de 1931 en Swindon, Wiltshire (Inglaterra). Su nombre real era el de Mavis Fluck.
Su padre era un trabajador ferroviario y su madre ama de casa. La guapa Diana pronto se interesó por el mundo de la actuación debutando en el teatro cuando era una joven adolescente. Para perfeccionar sus habilidades interpretativas acudió a estudiar a la Royal Academy of Music and Dramatic Arts.
Su primera aparición en el cine británico se produjo en la película "The shop at sly corner" (1946), un estimable film dirigido por George King. Su estupendo físico la había permitido iniciar su carrera cinematográfica a la temprana edad de 15 años.
Entre los primeros trabajos de Diana Dors el más satisfactorio fue "Oliver Twist", una extraordinaria adaptación del clásico de Charles Dickens realizada por David Lean.
Poco a poco fue consolidando su fama en Inglaterra aunque era bastante desconocido en Hollywood, su sueño dorado.
Los años 50 terminaron por convertirla en una gran estrella en su país. Además de sus indudables aptitudes físicas, Diana Dors sabía actuar y así puede comprobarse en títulos como "Dance Hall" (1950) de Charles Crichton, "Lady Godiva rides again" (1951) de Frank Launder, "Man Bait" (1952) de Terence Fisher, "El niño y el unicornio" (1955) de Carol Reed, "An alligator named Daisy" (1957) de J. Lee Thompson o "El precio de un hombre" (1958) de Ken Hughes.
Diana también fue lentamente interviniendo en filmes de nacionalidad americana, como "Esposa culpable" (1957) de John Farrow, "I married a woman" (1958) de Hal Kanter u "On the double" (1961) de Melville Shavelson con Danny Kaye, ninguno de ellos de calidad excesivamente destacable.
Su carrera prosiguió de manera más lenta en los años 60 y 70 (aunque los comienzos de la década setentera fueron sus años más prolíficos) con películas en su mayoría menores, como "El circo del crimen" (1967) de Jim O'Connolly, "Tráfico ilegal" (1968) de David Miller, "Hay una chica en mi sopa" (1970) con Peter Sellers, "The Amazing Mr. Blunden" (1972) de Lionel Jeffries, "Ana Coulder" (1972) de Burt Kennedy, "The Pied Piper" (1972) de Jacques Demy, "From Beyond The Grave" (1973) con Peter Cushing o "Matar o no matar, este es el problema" (1973) con Vincent Price.
Después de un largo silencio cinematográfico en los 80 reapareció en "Steaming" (1985) de Joseph Losey, película póstuma que sería la última de ambos.
Autodenominada (y con bastante razón) "la única sex symbol que ha salido de Gran Bretaña desde Lady Godiva", Diana Dors murió de cáncer el 4 de mayo de 1984 en Berkshire, Inglaterra. Tenía 52 años.
Como curiosidad recordar el homenaje del grupo The Smiths que la utilizó como portada en un recopilatorio.
Diana se casó en tres ocasiones, la primera en 1951 con Dennis Hamilton. Hamiltón la dejaría viuda en 1959, casándose ese mismo año con el actor Richard Dawson ("La brigada del diablo").
Tras el divorcio con Dawson, se casó en 1968 con Alan Lake, intérprete visto en "Charlie Bubbles" (1968).
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1926 María Schell
María Schell cuyo verdadero nombre era Margarete Schell-Noë fue una actriz de teatro, cine y televisión austríaca que nació el 15 de enero de 1926 en Viena (Austria) y falleció el 26 de abril de 2005 en Preitenegg (Austria).
Su carrera actoral comenzó en 1942 cuando, sin experiencia previa alguna, actuó en la película Der Steinbruch (La cantera) del director Sigfrit Steiner. Fue una de las pocas actrices del ámbito germanoparlante que alcanzó fama mundial. La llamaban el "ángel rubio", debido a su rostro luminoso y sus ademanes melodramáticos de niña inocente y sentimental.
Alcanzó fama internacional en 1954 al recibir el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Cannes por su participación en la película antibelicista El último puente de su compatriota Helmut Kaeutner y posteriormente participó en algunas grandes producciones como Los hermanos Karamázov de Richard Brooks así como en numerosas comedias románticas.
En la década del 60 María Schell trabajó en el teatro y la televisión, e incluso llegó a trabajar en este último medio con su hija.
En 1957 se casó con el director Horst Haechler, con el que tuvo su hijo Oliver Haechler, conocido como actor como Oliver Schell, y posteriormente con el actor y director Veit Relin, relación que se extendió durante veintidós años y de la que nació en marzo de 1966 su hija, finalizando ambos matrimonios en divorcio. Sus hermanos Maximilian, Immy y Carl también fueron actores, al igual que su hija Marie Teréese Relin.
Biografía
María Schell era hija del escritor y dramaturgo suizo Ferdinand Hermann Schell y de la actriz austríaca Margarete Schell y se crió en Suiza desde 1938 en que la familia huyó del régimen de Hitler. Estudió en un colegio religioso de Colmar (Haut-Rhin, Francia) y cursó estudios de teatro en la Escuela de Arte Dramático de Zúrich, Suiza, en tanto trabajaba como secretaria para pagarlos.
Debutó en cine como actriz como Gritli Schell en 1942 en Der Steinbruch (La cantera) del realizador Sigfrit Steiner y volvió a filmar recién después de la guerra. Su actuación en Der Engel Mit Der Posanne The Angel with the Trumpet (1948) la llevó a Gran Bretaña, donde en 1952 en So Little Time, de Compton Bennett tuvo un papel protagónico de la clase que devendría su marca de fábrica. Personificaba a una aristócrata belga que se enamoraba de un coronel alemán miembro de las fuerzas de ocupación pero resultó demasiado melancólica para el público de postguerra. Luego en El revés de la trama (The Heart Of The Matter), basada en la magistral novela de Graham Greene, de nuevo aparecería felizmente enamorada, esta vez de un oficial de policía católico de servicio en África en lo que fue, pese a tener un final de compromiso, su mejor trabajo junto con el realizado en El último puente. En esta película austro-yugoslava hace un intenso retrato de una enfermera alemana capturada por guerrilleros yugoslavos que se va solidarizando con su causa.
Trabajó en el cine alemán en varias películas en las que formó pareja junto a O.W. Fischer durante la década de los 50. Como muchos actores, Maria Schell, fue atraída hacia películas habladas en inglés que eran nuevas versiones de filmes europeos exitosos. En su caso fue una adaptación, Angel With a Trumpet (1950), cuyo original ella había hecho dos años antes en Austria.
Actuó luego en el papel de la hija en la película pionera de William Friese-Greene el filme estelar La caja mágica (The Magic Box) en 1951.
Después de dos años de mucho trabajo, incluida su actuación en el ambicioso Napoleón de Sacha Guitry de 1955, obtiene un importante éxito en el papel principal de Gervaise, la quinta versión fílmica de L'Assommoir de Émile Zola. Su personificación de la lavandera transformada en empresaria que se hunde en el alcoholismo mereció el premio Volpi en el Festival Internacional de Cine de Venecia aunque algunos críticos dijeron que había una sobrevaloración de la técnica en su desgarradora interpretación.
Destinada al parecer a la frustración en el amor y en la vida, actuó en 1957 en Noches blancas de Luchino Visconti, la primera de las tres versiones de la amarga historia de amor de Dostoievski, en el papel de Natalia, que desecha al joven que está embelezado por ella en tanto sueña con el eventual regreso de su atractivo pero fugaz amante.
Su pintura de la mujer desesperanzada alcanzó nuevas alturas al año siguiente cuando encabezó una adaptación de la historia de Guy de Maupassant Astruc's One Life encarnando a la aristocrática Jeanne, que imprudentemente se casa con un atractivo mujeriego. Cuando enviuda se queda con su hijo y los recuerdos de una relación amorosa. Schell aporta su acostumbrada inteligencia e intensidad a la película pero algunos críticos condenan ésta y otras actuaciones como cubiertas por una "dulzura empalagosa". Schell se trasladó a los Estados Unidos para su cuarta película de 1958, personificando a Grushenka en la cuarta versión de Los hermanos Karamazov, dirigida por Richard Brooks. El papel, codiciado por Marilyn Monroe, lo cubrió en consonancia con el resto de su producción pero no alcanzó el nivel de su siguiente película en 1959, el western El árbol del ahorcado.
De nuevo interpretó a la sufriente heroína, temporariamente ciega y atendida por un dedicado médico (Gary Cooper) mientras estaba a merced de rudos vaqueros. Su vulnerabilidad y su voz plañidera acentuaban el drama pero el característico western resultó no más popular que el épico Cimarron (1960), dirigido por Anthony Mann. Fue una de sus películas menos exitosas, no estuvo acertada en su papel y en toda su actuación se la veía infeliz.
Se adaptó mejor en la nueva versión para televisión de Ninotchka. Pero quizás el nivel interpretativo de Garbo era difícil de alcanzar, y así terminó su breve pero ajetreada temporada en Estados Unidos. Schell volvió a Gran Bretaña para uno de las mejores y más polémicas películas de su larga carrera. The Mark (Hombre marcado) protagonizada por Stuart Whitman como un aparentemente reformado pedófilo que comienza una relación con una viuda que tiene una joven hija. La prensa intrusista y un preocupado siquiatra contribuyen a la tensión dentro de un filme simpático que sería imposible hacer hoy día.
Hacia el fin de una década agitada en la que había actuado, generalmente en primeros papeles, en veinticinco películas en Europa y Estados Unidos con grandes directores como Luchino Visconti, Sacha Guitry, Anthony Mann y Alexandre Astruc, Schell redujo sus compromisos a una película para cine o televisión por año. De ellas, pocas fueron las que llamaron la atención: en The Odessa File tuvo la satisfacción de tener un papel importante y trabajar con su hermano Maximilian en una ambiciosa producción. Luego fue una de las innumerables estrellas del El viaje de los malditos (Voyage Of The Damned) (1976), una bien intencionada pero pesada película acerca del SS St Louis, en el que un grupo de refugiados judíos fue embarcado para ponerlos a salvo solamente para ser rechazados en todos los puertos seguros y tener que volver a Alemania.
Como su hermano Max, María Schell nunca perdió su compromiso con los hechos de la Segunda Guerra Mundial ni el interés por la literatura clásica. Esa integridad le fue reconocida en 1977 por la Academia de Cine de Alemania con un premio "por su sobresaliente contribución a la industria cinematográfica a lo largo de los años".
Esto tuvo poco efecto en su carrera internacional y, aparte de la televisión, sus apariciones en la pantalla fueron mínimas. Entre sus mejores pequeños papeles estuvo el de Mrs. Speer en Inside The Third Reich (1982).
Schell trabajó regularmente en los 90 salvo los períodos en que estuvo enferma y tres años que tomó como descanso sabático, pero estaba agotada y el público ya no estaba atraído por su emocional y muy a menudo lacrimosa caracterización de mujeres que eran decididamente no feministas pero hizo la matriarca en Der Clan Der Anna Voss, una miniserie en seis partes. Además de su labor en el cine María Schell trabajó en obras de teatro en Zúrich, Basilea, Viena (Josefstad Theater), Berlín, Múnich (Kammerspiel Theater), en el Festival de Salzburgo y realizó giras por las provincias desde 1963. Entre las obras en las que actuó se encuentran clásicos como Hamlet, de Shakespeare, el Fausto de Goethe junto a piezas modernas como Pigmalión de George Bernard Shaw. María Schell escribió dos libros autobiográficos, Die Kostbarkeit del Augenblicks - Gedanken - Erinnerunge (La delicia del momento - Pensamientos - Recuerdos) en 1985 y ...und wenns's a Katz is! Mein Weg durchs Leben (...aunque sea un gato! Mi camino por la vida) en 1995.
La actriz austriaca, que había estado internada la semana anterior en un hospital de Graz por una pulmonía, falleció a los 79 años afectada por una neumonía en su lujosa casa de campo en Preitenegg, en la región alpina de Carintia, herencia de sus padres, donde vivía retirada desde hacía años.
Su última aparición en público se produjo en el estreno de la película documental Mi hermana María, rodada por Maximilian Schell. Se trata de un registro de su vida y carrera en homenaje a la que fuera ícono del cine germano que se estrenó en enero de 2002 en su patria de adopción, Suiza. El largometraje retrata con cariño los altibajos en la vida de una mujer frágil lanzada a la fama demasiado temprano.
En 1991, afectada por depresiones, trató de suicidarse con una sobredosis de barbitúricos y, tras una serie de derrames cerebrales, en 1997 llenó las páginas de la prensa amarilla por un escándalo financiero que no llegó a los tribunales.
Opiniones
"La considero una figura propia del clasicismo y del romanticismo alemán", comentó Alexander Horwath, director del Museo de Cine de Austria, al recordar que, a diferencia de su compatriota Romy Schneider, María Schell no consiguió escapar a su estigma y nunca se embarcó en proyectos de vanguardia.
Pocas figuras del cine entregaron a través de la pantalla tantas muestras de sufrimiento y dolor. Como si hubiese quedado aprisionada por el veredicto de un destino fatal, a María Schell casi siempre le tocó en suerte convertirse en la representación viva del desconsuelo y en su rostro se repetía una y otra vez el gesto abatido de quien se resignaba a soportar alguna angustia profunda e intransferible.
Vigorosos dramas o rigurosas adaptaciones de grandes tragedias de la literatura encontraron en la sensible expresividad de Schell a la intérprete ideal. Pero al quedar muchas veces encasillada en esos personajes de fuerte acento melodramático, el cine no siempre hizo justicia con las dotes de una actriz que, además, poseía a partir de sus ojos claros, casi transparentes, una rara belleza indigna de ser considerada apenas como la expresión de una tenue esperanza que trata de sostenerse con dignidad por encima de la desgracia.
Su hermano menor, Maximilian Schell, recordaba que cuando él fue galardonado con un Óscar por su interpretación en El juicio de Núrenberg en 1961, los diarios en alemán escribieron que quien había ganado el gran premio había sido "el hermano menor de María Schell".
Premios y nominaciones
· Premio a la mejor interpretación femenina en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 1954 por El último puente.
· Nominada a los Premios BAFTA como mejor actriz extranjera en 1954 por El revés de la trama.
· Premio Jussi a la mejor actriz extranjera por Die Letzte Brücke en 1955
· Copa Volpi a la mejor interpretación femenina en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1956 por Gervaise
· Nominada en la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión como mejor actriz extranjera en 1956 por Gervaise.
· Premio Bambi de la empresa alemana de medios Hubert Burda Media en 1951, 1952, 1953, 1954, 1955, 1956, 1957 y 1987.
· Premio de honor en 1977 de la Academia del Cine de Alemania por sus sobresalientes continuadas contribuciones al filme alemán a lo largo de los años.
· Premio a la mejor actriz de Verleihung der Goldenen Kamera de Alemania de 1983 por Frau Jenny Treibel (TV) y Der Besuch der alten Dame (TV).
· Premio Bambi a su trayectoria en 2002
Filmografía
· 1942: Steibruch, de Sigfrit Steiner
· 1948: Der Engel mit der Posaune (El ángel con la trompeta) , de Karl Hartl
· 1948: Maresi, de Hans Thimig
· 1948: Nach dem Sturm (Después de la tormenta), de Gustav Ucicky
· 1949: Die Letzte Nacht, dirigida por Eugen York
· 1950: The Angel with the Trumpet (El ángel con la trompeta), dirigida por Anthony Bushell
· 1950: Es kommt ein Tag (Llegó un día), de Rudolf Jugert
· 1951: Dr. Holl, de Rolf Hansen
· 1951: The Magic Box (La caja mágica) (de John Boulting
· 1952: So Little Time, de Compton Bennett· 1952: Bis wir uns wiedersehn, de Gustav Ucicky
· 1953: Solange Du da bist (Mientras me ames), de Harald Braun
· 1953: Der Träumende Munde) (Labios soñadores), de Josef von Báky
· 1953: Tagebuch einer Verliebten (Diario de una joven enamorada), de Josef von Báky
· 1953: The Heart of the Matter (El revés de la trama), de George More O'Ferrall
· 1954: Dans tes bras (Herr über Leben und Tode'), de Victor Vicas
· 1954: Die Letzte Brücke (El último puente), de Helmut Käutner
· 1955: Napoléon, de Sacha Guitry
· 1955Les Rats (Die Ratten), de Robert Siodmak
· 1956: Gervaise, de René Clément
· 1956: Love (Liebe), de Horst Hächler
· 1957: Rose Bernd, de Wolfgang Staudte
· 1957: Le Notti bianche (Noches blancas), de Luchino Visconti
· 1958: Los hermanos Karamazov, de Richard Brooks
· 1958: Une vie, de Alexandre Astruc
· 1958: Le Bandit au grand cœur (Der Schinderhannes), de Helmut Käutner
· 1959: The Hanging Tree (El árbol del ahorcado), de Delmer Daves
· 1959 (televisión): Playhouse 90 (serie) o 1958: Word from a Sealed-Off Box, de Franklin J. Schaffnero
1959: Por quién doblan las campanas Parte 1, de John Frankenheimer o 1959: Por quién doblan las campanas Parte 2, de John Frankenheimer
· 1960 (televisión): Ninotchka, de Tom Donovan.
· 1960: As the Sea Rages, de Horst Hächler
· 1960: Cimarrón, de Anthony Mann
· 1961: The Mark (Hombre marcado), de Guy Green
· 1961: Das Riesenrad (Toda una vida), de Géza von Radványi
· 1962: (Ich bin auch nur eine Frau) (Sólo soy una mujer), de Alfred Weidenmann
· 1963: L'assassin connaît la musique..., de Pierre Chenal
· 1963: Zwei Whisky und ein Sofa, (Whisky y sofá), de Günter Gräwert
· 1965 (televisión): Nora oder Ein Puppenheim, de Imo Moszkowicz
· 1965 (televisión): Who Has Seen the Wind?, de George Sidney
· 1969 (televisión): Die Ungarische Hochzeit, de Kurt Wilhelm
· 1969: La Provocation (La provocación), de André Charpak
· 1969: Heiße Tod, Der (99 mujeres), de Jesús Franco
· 1969: Le Diable par la queue (El diablo por la cola), de Philippe de Broca
· 1970: Le Trône de feu (El proceso de las brujas) (El juez sangriento), de Jesús Franco
· 1971 (televisión): Willy und Lilly, de Franz Peter Wirth
· 1972: Chamsin, de Veit Relin
· 1972: Die Pfarrhauskomödie, de Veit Relin
· 1972 (televisión): Die Keusche Susanne, de Thomas Engel
· 1972 (televisión): Marie, de Hans W. Geissendörfer
· 1973 (televisión): Immobilien, deOtto Jägersberg
· 1973 (televisión): Occupation, de Stelios Pavlidis y George Skalenakis (serie)
· 1973: Dans la poussière du soleil, de Richard Balducci
· 1973 (televisión): Assignment Vienna (serie) o 1973: So Long, Charlie, de Paul Krasny
· 1974 (televisión): Die Kurpfuscherin, de Ludwig Cremer
· 1974: Die Ohrfeige, de Mischa Gallé
· 1974 (televisión):Der Kleine Doktor (El pequeño doctor) (serie) o Das Arsenschloss, de Wolfgang Becker (1974)
· 1974: The Odessa File, de Ronald Neame
· 1975 (televisión): So oder so ist das Leben, de Veit Relin
· 1975 (televisión): Das Konzert, de Dietrich Haugk
· 1975 (televisión): Die Heiratsvermittlerin, de Hellmuth Matiasek
· 1975 (televisión): Der Kommissar (série TV) o Schrei vor dem Fenster, de Dietrich Haugk (1969) o Der Tod der Karin W., de Theodor Grädler (1973) o Am Rande der Ereignisse, de Theodor Grädler (1975)
· 1975: Change, de Bernd Fischerauer
· 1976: Folies bourgeoises (Locuras de un matrimonio burgués), de Claude Chabrol
· 1976 (televisión): Kojak, deAbby Mann (serie) o 1976 The Pride and the Princess
· 1976: Le Voyage des damnés (Voyage of the Damnede') El viaje de los malditos), de Stuart Rosenberg
· 1977 (televisión): Teerosen, de Rolf von Sydow
· 1978 (televisión): Inspecteur Derrick (Derrick) (serie) o L'Imposture (Yellow He), de Zbynek Brynych (1977) o Concerto (Klavierkonzert), de Helmut Ashley (1978)
· 1978: Spiel der Verlierer, de Christian Hohoff
· 1978: Superman: La película:Superman I, de Richard Donner
· 1979 (televisión): Der Wald, de Wilm ten Haaf
· 1979 (televisión): Moral, de Kurt Wilhelm
· 1979: C'est mon gigolo (Schöner Gigolo, armer Gigolo), de David Hemmings
· 1979: The First Polka (Die Erste Polka), de Klaus Emmerich
· 1979 (televisión): Christmas Lilies of the Field, de Ralph Nelson· 1980 (televisión): Der Thronfolger, deOswald Döpke
· 1980 (televisión): Las crónicas marcianas, de Michael Anderson (telenovela)
· 1980 (televisión): Liebe bleibt nicht ohne Schmerzen, deAlfred Vohrer
· 1982 (televisión): Der Besuch der alten Dame (La Visita de la vieja dama, de Max Peter Ammann· 1982 (televisión): Krimistunde, de Egon Günther (serie) o Episodio 1, temporada 1, de Wolfgang Becker (1982)
· 1982: La Passante du Sans-Souci (Testimonio de mujer), de Jacques Rouffio
· 1982 (televisión): Inside the Third Reich, de Marvin J. Chomsky
· 1982 (televisión): Frau Jenny Treibel, de Franz Josef Wild
· 1983 (televisión): Der Trauschein, de Ephraim Kishon
· 1984 (televisión): Samson and Delilah, de Lee Philips
· 1984: King Thrushbeard (Král Drozdia Brada), de Miloslav Luther
· 1985: 1919, de Hugh Brody
· 1991 (televisión): Le Dernier mot, de Gilles Béhat
· 1991 (televisión): Die Glückliche Familie (serie)
· 1993 (televisión): Maria des Eaux-Vives, de Robert Mazoyer (telenovela)
· 1995 (televisión): Der Clan der Anna Voss, de Herbert Ballmann (telenovela)
· 1996 (televisión): Tatort (serie) o 1975: Die Abrechnung, de Wolfgang Becker
· 1996 Heilig Blut, de Hartmut Griesmayr
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1928 Gracita Morales
María Gracia Morales Carvajal (Madrid, 11 de noviembre de 1928 - Madrid, 3 de abril de 1995) fue una actriz española especialmente recordada por su inconfundible voz.
Biografía
Nació en Madrid el 11 de noviembre de 1928. Gracita Morales era hija del empresario del Teatro Calderón. Tenía dos hermanos, Ana María y Pepito, y estuvo casada con el pintor canario Martín Zerolo.
Estudió danza clásica y española. Se dedicó posteriormente al teatro, dónde debutó a los 20 años como meritoria en la compañía de Luis Peña y Rosita Hernán. También formó parte del elenco de otras compañías, como las de Antonio Vico, Catalina Bárcena, Ernesto Vilches y Tina Gascó.
Uno de sus triunfos teatrales fue la obra de Miguel Mihura Maribel y la extraña familia, que repitió luego en el cine en la versión de 1960 dirigida por José María Forqué. Su éxito en el teatro la llevó al cine donde debutó en 1954, tuvo su época dorada en los 60 y empezó su decadencia en los 70. Participó en casi un centenar de obras, pero es especialmente recordada por sus interpretaciones en Atraco a las tres, Sor Citroen, Los Palomos, La ciudad no es para mí, Operación Cabaretera o Cómo está el servicio.
Se quedó encasillada en el personaje de "chacha", donde interpretaba un estereotipo entrañable, ingenuo pero voluntarioso, que se caracterizaba por su voz atiplada e inconfundible. Como dijo Almodóvar de ella, Gracita pertenecía «a la casta genial de actores atípicos que hacen las cosas de un modo radicalmente personal»
El final de su vida, fatalmente encasillada en un tipo muy concreto de papeles, se caracterizó por la falta de trabajos y solamente pudo aparecer como secundaria en un capítulo de la serie de Antena 3 Los Ladrones van a la Oficina, en la que ya se le veía muy deteriorada por la edad.
Filmografía Completa
· Canción triste de.. - 1988
· No, hija, no - 1987
· El donante - 1985
· La de troya en el palmar - 1984
· Play-boy en paro - 1984
· El pico 2 - 1984
· Adulterio nacional - 1982
· Donde hay patrón - 1978
· Nunca en horas de clase - 1978
· Mi adúltero esposo - 1975
· Vuelve, querida Nati - 1975
· Dormir y ligar, todo es empezar - 1974
· Guapo heredero busca esposa - 1972
· La graduada - 1971
· Si fulano fuese mengano - 1971
· A mí las mujeres ni fu ni fa - 1970
· En un lugar de la manga - 1970
· La casa de los Martínez - 1970
· Préstame quince días - 1970
· Cómo casarse en siete días - 1969
· Déle color al difunto - 1969
· El taxi de los conflictos - 1969
· Juicio de faldas - 1969
· Las panteras se comen a los ricos - 1969
· Matrimonios separados - 1969
· Pepa Doncel - 1969
· ¡Cómo está el servicio! - 1968
· Long play - 1968
· Mi marido y sus complejos - 1968
· Objetivo bi-ki-ni - 1968
· Crónica de nueve meses - 1967
· Cuarenta grados a la sombra - 1967
· Las que tienen que servir - 1967
· Novios 68 - 1967
· Pero ¿en qué país vivimos? - 1967
· Sor Citroen - 1967
· Una señora estupenda - 1967
· Aquí mando yo - 1966
· Buenos días, condesita - 1966
· Despedida de casada - 1966
· Operación secretaria - 1966
· Algunas lecciones de amor - 1965
· Historias de la televisión - 1965
· Hoy como ayer - 1965
· La ciudad no es para mí - 1965
· La visita que no tocó el timbre - 1965
· Más bonita que ninguna - 1965
· Operación cabaretera - 1965
· Un vampiro para dos - 1965
· La chica del gato - 1964
· Casi un caballero - 1964
· Los palomos - 1964
· Vacaciones para Ivette - 1964
· Atraco a las tres - 1963
· Cuatro bodas y pico - 1963
· Millonario por un día - 1963
· Canción de juventud - 1962
· Chica para todo - 1962
· El grano de mostaza - 1962
· El sol en el espejo - 1962
· Escuela de seductoras - 1962
· Fin de semana - 1962
· La casta Susana - 1962
· La chica del gato - 1962
· Los guerrilleros - 1962
· Vamos a contar mentiras - 1962
· Vuelve San Valentín - 1962
· Diferente - 1961
· Abuelita Charleston - 1961
· Esa pícara pelirroja - 1961
· Mi noche de bodas - 1961
· Los pedigüeños - 1961
· Los que no fuimos a la guerra - 1961
· Siempre es domingo - 1961
· Tú y yo somos tres - 1961
· 091, policía al habla - 1960
· Maribel y la extraña familia - 1960
· Mi calle - 1960
· Navidades en junio - 1960
· La vida por delante - 1958
· Elena - 1954
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Leslie Caron
1 de julio de 1931
Leslie Caron es una actriz y bailarina franco-estadounidense nominada a los Óscar, ganadora de un Globo de Oro y un Emmy. Caron dijo de sí misma: "No soy una bailarina. Me defiendo."
Leslie Claire Margaret Caron nació en Boulogne-Billancourt, Francia, hija del químico Claude Caron, y la bailarina nortemaericana Margaret Petit. Caron se preparó para su futura carrera de bien pequeña gracias a la ayuda de su madre.
Caron fue descubierta por Gene Kelly mientras bailaba con un ballet. El afamado bailarín la escogió para ser su pareja en en el clásico Un americano en París (1951). El éxito de Caron fue tan elocuente que firmó un contrato de larga duración con MGM, cosa que le permitió aparecer en otros títulos como La zapatillas de cristal (1955) o Lili (1953). Precisamente por esta actuación, le permitió a Caron conseguir la primera nominación a los Óscars en 1953. En la segunda parte de los 50, aparecería en títulos tan inolvidables como Papá piernas largas (1955) con Fred Astaire o Gigi (1958) con Louis Jourdan y Maurice Chevalier.
Como quiera que los musicales empezaban a entrar en un lento declive a principios de los 60, Caron dio un giro a su carrera con la interpetación de un preñada esperando a abortar en La habitación en forma de L (1962), un papel que le llevó a ser nominada a los Óscar en la categoría mejor actriz principal y ganar esa misma categoría en los Premios BAFTA.
Sus otras apariciones en los últimos años incluyen Operación whisky (1964) junto a Cary Grant, la obra de Ken Russell sobre Valentino (1977), sobre el mítico actor Rodolfo Valentino y donde Caron hace el papel de Alla Nazimova o la obra de Louis Malle Herida (1992). También hay que destacar su participación en el aclamado film de Lasse Hallström Chocolat (2000) o más recientemente Le Divorce (2003) de James Ivory junto a Kate Hudson y Naomi Watts.
Caron se casó con Geordie Hormel, nieto del fundador de la empresa alimenticia Hormel en septiembre de 1951. Se divorciaría en 1954.
Su segundo marido sería el actor y director británico Peter Hall con el que tendría dos hijos, Christopher (productor de televisión) en 1957 y Jennifer (actriz) en 1962. Cuando se divorciaron en 1965, se culpó a Warren Beatty de ser el responsable y se le ordenó por la justicia británica a pagar los costes del caso. Caron tuvo un romance con Beatty (1961).
En 1969, se casaría con el productor Michael Laughlin con el que estaría unida hasta 1980.
A estos, hay que añadirles los diferentes novios que tuvo Caron como Peter Lawford, Frank Sinatra, el guionista Jean-Pierre Petrolacci o Robert Wolders (ex marido de Merle Oberon y amante de Audrey Hepburn.
Por último se casaría con Paul Magwood (trabajador en productoras como backstage y con el que estaría hasta 2003, viviendo en Wisconsin. En semiretiro del mundo del cine, tiene un confortable hotel (Auberge La Lucarne aux Chouettes) en Villeneuve-sur-Yonne, a unos 100 km al sur de París.
Filmografía
· Un americano en París (1951) (An American in Paris), de Vincente Minnelli.
· The Man with a Cloak (1951), de Fletcher Markle.
· Glory Alley (1952), de Raoul Walsh.
· Tres amores (The Story of Three Loves) (1953), de Vincente Minnelli.
· Lili (1953), de Charles Walters.
· La zapatillas de cristal (The Glass Slipper) (1955), de Charles Walters.
· Papá piernas largas (Daddy Long Legs) (1955), de Jean Negulesco.
· Gaby (1956), de Curtis Bernhardt.
· Gigi (1958), de Vincente Minnelli.
· The Doctor's Dilemma (1958), de Anthony Asquith.
· The Man Who Understood Women (1959), de Nunnally Johnson.
· The Subterraneans (1960), de Ranald MacDougall.
· Austerlitz (1960), de Abel Gance.
· Fanny (1961), de Joshua Logan.
· Las cuatro verdades (1962) (Les quatre vérités), de Alessandro Blasetti.
· Al filo de la noche (Guns of Darkness) (1962), de Anthony Asquith.
· La habitación en forma de L (The L-Shaped Room) (1962), de Bryan Forbes.
· Operación whisky (Father Goose) (1964), de Ralph Nelson.
· El favor (A Very Special Favor) (1965), de Michael Gordon.
· Prométele cualquier cosa (Promise Her Anything) (1965), de Arthur Hiller.
· ¿Arde París? (1966) (Paris brûle-t-il?), de René Clément.
· El padre de familia (Il padre di famiglia (1969), de Nanni Loy.
· Madron (1970), de Jerry Hopper.
· Chandler (1971), de Paul Magwood.
· Sérail (1976), de Eduardo de Gregorio.
· El amante del amor (1977) (L’Homme qui aimait les femmes), de François Truffaut.
· Valentino (1977), de Ken Russell.
· Nicole (1978), de István Ventilla.
· Goldengirl (1979), de Joseph Sargent.
· Kontrakt (1980), de Krzysztof Zanussi.
· Tous vedettes (1980), de Michel Lang.
· Coco Chanel (Chanel Solitaire) (1981), de George Kaczender.
· Imperativ (1982), de Krzysztof Zanussi.
· La diagonal del loco (La Diagonale du fou) (1984), de Richard Dembo.
· Más allá de la aventura (Courage Mountain) (1990), de Christopher Leitch.
· Herida (1992) (Fatale) , de Louis Malle.
· The Genius (1993), de Emily Breer.
· Guerreros y cautivas (Guerriers et captives) (1994), de Edgardo Cozarinsky.
· A Hundred and One Nights of Simon Cinema (1995) (scenes deleted)
· Los comediantes (1994) (Funny Bones), de Peter Chelsom.
· Deja que sea yo (1995) (Let It Be Me), de Eleanor Bergstein.
· The Reef (1999), de Robert Allan Ackerman.
· From Russia to Hollywood: The 100-Year Odyssey of Chekhov and Shdanoff (1999) (documental), de Frederick Keeve.
· Chocolat (2000), de Lasse Hallström.
· Las últimas rubias explosivas (2000) (The Last of the Blonde Bombshells), de Gillies MacKinnon.
· Le Divorce (2003), de James Ivory.
Televisión
· Carola (1973), de Norman Lloyd.
· QB VII (1974) (QB VII), de Tom Gries.
· Die Unerreichbare (1982), de Krzysztof Zanussi.
· Falcon Crest (1987)
· The Man Who Lived at the Ritz (1988), de Desmond Davis.
· Lenin: The Train (1990), de Damiano Damiani.
· The Ring (1996)
· The Last of the Blonde Bombshells (2000)
· Murder on the Orient Express (2001)
· Caron coprotagonizó Law & Order: Special Victims Unit en el episodio Recall (2006).
Oscar
Año Categoría Película Resultado
1963 Oscar a la mejor actriz Sed de poder Candidata
1953 Oscar a la mejor actriz Lili Candidata
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Lucia Bosè
Lucia Borloni (Milán, 28 de enero de 1931) es una actriz italiana residente en España, madre del cantante Miguel Bosé y matriarca de una saga de artistas españoles. Desde sus comienzos como Miss Italia 1947 ha actuado en diferentes películas italianas y algunas películas españolas, encontrándose retirada del cine en la actualidad (2009).
Biografía
Comienzos
Dependienta de una pastelería milanesa, Lucía Bosè, participa en el concurso de Miss Italia de 1947, cuando todavía era muy joven, y sale ganadora, lo que le abre las puertas del mundo del cine.
Interpreta un cortometraje de Dino Risi sobre las Cinco jornadas de Milán (1848, realizado en 1948-1949 con el asesoramiento artístico de Alberto Lattuada y Giorgio Strehler). Lucia Bosè debuta como protagonista de un largometraje en Non c'è pace tra gli ulivi (1950) de Giuseppe de Santis, último capítulo de la trilogía campesina del maestro neorrealista en el cual tiene el papel de una pastora de la Ciociaría, al lado de actores tan prestigiosos como Raf Vallone y Folco Lulli. En el mismo año, la actriz ofrece una significativa muestra de su talento en Cronaca di un amore, espléndida opera prima de Michelangelo Antonioni en la cual Bosè interpreta con convicción a la protagonista, Paola Molon, en una historia en la que se analizan con minuciosidad los sentimientos de la alta burguesía milanesa en un trasfondo policial.
Al cabo de poco tiempo, Lucia Bosè colabora con de Santis otra vez : la actriz interpreta en 1951 el papel de Simona en Roma ore 11, película que trata el tema del desempleo femenino y que ofrece una característica galería de retratos de mujeres magistralmente trazados (entre las intérpretes cabe citar también a Carla del Poggio, Lea Padovani y Delia Scala). Antonioni, en 1953, ofrece, a Bosé, el papel de Clara Manni, en una película que narra la historia de una empleada que se convierte en actriz, se hace inmediatamente famosa y, luego, sufre un doble fracaso – sentimental y profesional – se trata del amargo La signora senza camelie, película sobre la dimensión poco auténtica del mundo cinematográfico, fiel espejo de la aridez que caracteriza las relaciones entre los seres humanos.
En el mismo periodo, Lucia Bosè también es la protagonista de numerosas películas que confirman su facilidad de adaptarse con excelentes resultados a cualquier exigencia expresiva. La actriz se dedica a la comedia rosa tardo-neorrealista interpretando dos de los títulos más famosos de la filmografía de Luciano Emmer: el divertido París, siempre París (1951), con Aldo Fabrizi y, sobre todo, Tres enamoradas (1952), en la cual personifica a una modista que, tras convertirse en maniquí, no olvida sus orígenes modestos ni el amor por su novio, simple pero simpático.
Junto a Walter Chiari, Lucía Bosé también participa en numerosas películas de carácter cómico y burlesco entre las cuales cabe señalar E' l'amor che mi rovina… (1951) en la cual interpreta a una joven profesora de esquí en la localidad de Sestriére con la dirección de Mario Soldati.
Éxitos y matrimonio en España
El año 1955 es fundamental para la actriz; en efecto, Bosè es la protagonista de tres importantes títulos que representan todo un éxito profesional para una carrera que todavía está a los inicios. En Gli sbandati de Francesco Maselli traza con extrema sensibilidad a la graciosa y alocada Lucia de la cual se enamora el joven conde Andrea (Jean-Pierre Mocky). En La muerte de un ciclista, dirigida por Juan Antonio Bardem, ofrece una buena interpretación en una de las obras más interesantes realizadas bajo la dictadura franquista . En Así es la aurora , dirigida por Luis Buñuel al volver a Francia tras su estancia en México, Bosè interpreta al personaje de Clara, una joven viuda italiana que reside en Córcega y vive una purísima historia de amor con el medico Valerio (George Marchal); cabe recordar que esta película es la única del genial cineasta aragonés con un final feliz.
En 1 de marzo de 1955, Lucia Bosè se casa por lo civil con el célebre torero español Luis Miguel Dominguín en Las Vegas y el 16 de octubre lo tiene que hacer por la iglesia en España para no levantar sospechas en la España franquista. El torero y la actriz tuvieron 3 hijos: Miguel (3 de abril de 1956), Lucía (19 de agosto de 1957) y Paola (5 de noviembre de 1960). Por un tiempo, se retira de la carrera cinematográfica que sólo reemprenderá tras separarse del marido en 1968.
Retorno al cine
Entre 1968 y 1976, Lucia Bosè vuelve a trabajar, solicitada en Italia y en el extranjero, tanto por maestros famosos como Federico Fellini, los Taviani, Bolognini, como también por directores más jóvenes. También es protagonista de originales historias femeninas, dirigidas por la escritora y directora Marguerite Duras y coprotagonizada por Jeanne Moreau.
Sin embargo, cabe recordar que el retorno al cine lo hace bajo la dirección de Pere Portabella, exponente destacado de la escuela de Barcelona, con Nocturno 29 (1968), película interpretada junto a Gabriele Ferzetti. En España, Bosè también participa en otras películas entre las cuales cabe señalar Jurtzenka, un invierno en Mallorca, (1970) de Jaime Camino y Ceremonia sangrienta (1972), una película de género horror-erótico dirigida por Jorge Grau.
En el Satiricón (1969) de Federico Fellini, Bosè aparece en una sola y memorable escena pero en Sotto il segno dello Scorpione, el lúcido apólogo abierto a muchas claves de lectura que los hermanos Paolo y Vittorio Taviani dirigen en el mismo año, Bosè es la protagonista, al lado de Gian Maria Volonté y Giulio Brogi.
La colaboración de la actriz milanesa con Mauro Bolognini es más articulada y empieza con Metello (1970), sigue con Por las antiguas escaleras (1975), con Marcello Mastroianni y Françoise Fabian y con la serie televisiva La cartuja de Parma (1982), en la cual interpreta el papel de la marquesa del Dongo.
En el mismo periodo, siempre en Italia, Lucia Bosè participa en títulos interesantes que la estimulan a dar lo mejor de sí: en 1971 interpreta el papel de una enferma mental en L'ospite de Liliana Cavani, al lado de Glauco Mauri ; en 1972 participa en el extraño Arcana de Giulio Questi, en el papel de una viuda que se dedica a la magia y en La colonna infame de Nelo Risi, basada en la obra de Alessandro Manzoni. La actriz muestra su madurez artística y su capacidad de introspección psicológica en Nathalie Granger (1972), película dirigida por Marguerite Duras en la cual la Bosè es Isabel, la madre de la niña que da el nombre a la película.
En 1976, tras su participación en Violanta de Donald Schmid y La señora García se confiesa para televisión junto a Adolfo Marsillach, la carrera de Lucia Bosè sufre una segunda interrupción; volverá al cine sólo a finales de los años ochenta interpretando a dos figuras maternas en Crónica de una muerte anunciada (1987) de Francesco Rosi (basada en la famosa novela de Gabriel García Márquez), en Volevo i pantaloni (1990) de Maurizio Ponzi, una adaptación del best-seller homónimo de Lara Cardella y en El avaro, versión cinematográfica de la obra maestra de Molière, dirigida por Tonino Cervi con Alberto Sordi y Laura Antonelli.
Desde los 90
En los 90, poco a poco ha ido espaciando cada vez más sus participaciones en el cine, sin dejar del todo de lado su profesión. Lucia Bosè vive en Brieva, España, país al que se ligó sentimentalmente desde hace muchos años. En el año 2000 decide hacer realidad un sueño de su juventud: abrir el primer Museo de Ángeles del mundo. Ha creado en el pueblo segoviano de Turégano un museo dedicado a las representaciones de los ángeles. En la actualidad cuenta con más de 80 obras de artistas contemporáneos procedentes de diversos países, así como diversas esculturas de lo más angelicales.
En el año 2003, publicó su autobiografía titulada Diva divina, escrita por la periodista española Begoña Aranguren.
Filmografía seleccionada
· Non c'è pace tra gli ulivi (1950) de Giuseppe de Santis
· Crónica de un amor, (Cronaca di un amore) (1950) de Michelangelo Antonioni
· Roma hora 11, (Roma ora 11) (1951) de Giuseppe de Santis
· París, siempre París, (Parigi è sempre Parigi) de Luciano Emmer
· La señora sin camelias, (La signora senza camelie) (1953) de Michelangelo Antonioni
· Traicionada (Tradita) (1954) de Mario Bonnard
· Sinfonía de amor (Sinfonia d'amore) (1954) de Glauco Pellegrini
· Muerte de un ciclista (1955) de Juan Antonio Bardem
· Así es la aurora, (Cela s’appelle l’aurore) (1955) de Luis Buñuel
· El testamento de Orfeo, (Le testament d’Orphée) (1960) . de Jean Cocteau
· Nocturno 29 (1968) de Pere Portabella
· Metello (1969) de Mauro Bolognini
· Satiricón, (Fellini Satyricon) (1969) de Federico Fellini
· Del amor y otras soledades (1969) de Basilio Martín Patiño
· Jurtzenka, un invierno en Mallorca, (1970) de Jaime Camino
· La casa de las palomas (1972) de Claudio Guerin
· Ceremonia sangrienta (1973) de Jorge Grau
· Vera, un cuento cruel (1973) de Josefina Molina
· Nathalie Granger (Nathalie Granger) (1974) de Marguerite Duras
· Los viajes escolares (1974) de Jaime Chávarri
· Manchas de sangre en un coche nuevo (1975) de Antonio Mercero
· Lumière (1976) de Jeanne Moreau
· Violanta (1977) de Daniel Schmid
· Crónica de una muerte anunciada, (Cronaca di una morte annunciata) (1987) de Francesco Rosi
· Brumal (1988) de Cristina Andreu
· El niño de la luna (1988) de Agustín Villaronga
· El último harén, (Harem Suare) (1999) de Ferzan Ozpetek
· A propósito de Buñuel (2000) de José Luis López-Linares
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Mala Powers
Mary Ellen "Mala" Potencias (20 de diciembre de 1931 - 11 de junio de 2007) fue una película norteamericana actriz.
Ella nació en San Francisco, California. En 1940 su familia se mudó a Los Ángeles. Su padre era un ejecutivo de United Press. En el verano de su reubicación, asistieron a las Potencias Max Reinhardt Junior Taller donde disfrutaron su primer papel en una obra de teatro antes de una audiencia en vivo. Ella continuó con sus clases de teatro, y un año después ganó la audición y una parte en el 1942 Muerto Fin Infantil película resistente a medida que entren.
A la edad de 16 ella comenzó a trabajar en la radio teatro, antes de convertirse en una actriz de cine en 1950. Su primer papel en la indignación y el borde de Doom en 1950. Ese mismo año, de Stanley Kramer firmó Potencias estrellas frente a José Ferrer, en lo que puede ser su papel más recordado como Roxane en Cyrano de Bergerac. Ella fue nominada para un Golden Globe Award por su parte en esta película.
Si bien en un servicio universal de entretenimiento turístico en Corea en 1951, ella adquirió una enfermedad de la sangre y casi muerto. Fue tratada con chloromycetin, pero una reacción alérgica grave como resultado la pérdida de gran parte de su médula ósea. Potencias apenas sobrevivió, y su recuperación tardó casi nueve meses.
Ella comenzó a trabajar de nuevo en 1952 y 1953, que incluye una parte en la ciudad bajo el mar y la ciudad que nunca duerme, aunque se sigue la medicación. Después de su recuperación, ella apareció en la película B-western, como Rage en Dawn (1955), y películas de ciencia ficción, entre ellos El coloso de Nueva York (1958), de la perdida de vuelo en globo (1961), y la máquina Doomsday ( 1972). Ella también tuvo un gran papel en la Tammy y la Licenciatura (1957)
Ella apareció en más de 100 programas de televisión, incluyendo episodios de Maverick, Wild Wild West y Perry Mason, y que ella co-protagonizó frente a Anthony Quinn en la película de televisión El Hombre y la Ciudad.
Se casó con Monte Vanton en 1954, pero se divorció más tarde, tuvieron un hijo, Toren Vanton, que sobrevivieron a su madre. Potencias nupcias en 1970 a M. Hughes Miller, un editor de libros. Sra. Potencias fue un éxito de los niños de la autora de "Sigue la estrella" y "Seguimiento del Año" y de "marcar una historia".
Poco antes de su muerte por complicaciones de la leucemia 11 de junio de 2007, de 75 años, ella había estado en una gira de conferencias en las universidades. Fue un maestro de maestros durante los últimos 14 años en el programa de verano de la Universidad del Sur de Maine para el Instituto de Teatro de Michael Chejov, la formación de maestros y agentes que actúen. Mala Powers fue co-fundador de la Asociación Nacional de Michael Chejov con la enseñanza colegas Wil Kilroy y Lisa Dalton, que siguen enseñando el plan de estudios elaborado por el trío en el estado de Maine. Potencias fue la ejecutora de la Michael Chejov inmuebles e instrumental en la publicación de los libros de Chejov en la técnica de Actuación, al actor, y el camino del actor. Ella también publicó el audio de serie Chejov "El teatro y el arte de la Actuación", a lo que agregó una guía de estudio de 60 páginas. Es co-Gregory Peck narra con un documental sobre Chejov titulado "Desde Rusia To Hollywood".
Ella era la patrona de Michael Chejov Studio de Londres y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Mamie Van Doren
Mamie Van Doren (nacido en 6 de febrero de 1931) es una actriz y sex symbol
Van Doren nació Joan Lucille Olander en Rowena, South Dakota, la hija de Carl Warner Olander (30 de marzo de 1908 - 4 de junio de 1992) y Harriet Lucille Bennett (21 de enero de 1912 - 27 de agosto de 1995). Ella es de las tres cuartas partes sueco de ascendencia, el resto es mixto Inglés y alemán. Su nombre de su madre después de Joan Crawford. En 1939, la familia se mudó a la ciudad de Sioux, Iowa. En mayo de 1942, se mudaron a Los Ángeles.
A principios de 1946, Joan comenzó a trabajar como bedel en el Pantages Theatre de Hollywood. Al año siguiente, había un poco en una primera parte de televisión. También cantó con Ted Fio Rito 's banda y entró de belleza. Van Doren fue casada por un breve tiempo en el diecisiete. Ella y primer marido, Jack Newman, eloped a Santa Bárbara. El matrimonio disuelto rápidamente, a su descubrimiento de su carácter abusivo. En el verano de 1949, a los 18 años, ganó los títulos de "Miss Bola Ocho" y "Miss Palm Springs".
Joan fue descubierto por el famoso productor Howard Hughes en la noche fue coronada Miss Palm Springs. El par de fecha durante varios años. Hughes lanzó su carrera por su colocación en varias películas RKO
A principios de carrera
Van Doren Hughes siempre con un poco parte de Jet Piloto en RKO, que fue su película de debut. Su línea de diálogo consta de una palabra, "¡Mira!" uncredited y ella aparece en la película. Aunque la producción de la película es de 1949 a 1953 (retrasos por Hughes), no fue liberado hasta 1957. Al año siguiente, 1951, plantea que para las marcas famosas clavijas de niña artista Alberto Vargas, el pintor de la glamourosa "Chicas Vargas". Su pintura de Van Doren estaba en la portada de julio Esquire.
Van Doren ha hecho un poco más algunas partes en las películas en RKO, incluyendo su tipo de mujer (1951) protagonizada por Robert Mitchum, Jane Russell y Vincent Price. Acerca de su aparición en la que uno, Van Doren ha dicho: "Si parpadearon que me pierda. Miro apenas la edad suficiente para conducir".
Van Doren entonces comenzó a trabajar en el escenario. Ella era una corista en Nueva York en Monte PROSER la discoteca versión de mil millones de dólares para bebés. Songwriter Jimmy McHugh la descubrió por su musicales, y luego decidió que era demasiado bueno para el coro de la línea y debe tener formación dramática. Estudió con Ben Bard y Bliss Hayden. Si bien figura en el papel de Marie en un escaparate de la producción de Vuelve, Pequeña Sheba, Van Doren fue visto por Phil Benjamin, un director de casting en Universal Internacional.
A principios de carrera cinematográfica
El 20 de enero de 1953, Van Doren firmó un contrato con Universal Studios. El estudio tenía grandes planes para ella, con la esperanza de que haría que la misma clase de éxito que la 20th Century Fox tuvo con Marilyn Monroe, símbolo sexual de la reina de la época. Van Doren, cuya firma coincidió con el día de la toma de posesión del Presidente Eisenhower, se le dio el nombre de Ike Mamie la esposa, Mamie Eisenhower. Y tomó nota de un prominente familia de intelectuales de América, el Van Dorens incluyó dos ganador del premio Pulitzer hermanos, Carl (biógrafo) y Mark (poeta), Marcos y la esposa de Dorothy, un académico e historiador. Irónicamente, en 1957 y Dorothy Marca el hijo de Charles Van Doren hizo la primera página de noticias, tanto por ganar $ 129,000 en un televisor de juegos, luego de admitir que el programa fue manipulado. La publicidad en torno a este escándalo mantenido el nombre de "Van Doren" en los periódicos y tabloides.
Van Doren la primera película de Universal se Prohibida (1953), jugando un cantante. A continuación, hizo All-American (1953), jugando Susie Ward, una rebelde chica que es el hombre-trampa en un campus de la cerveza común. En Yankee Pasha (1954) protagonizada por Jeff Chandler y Rhonda Fleming, el papel de una esclava, Lilith. En 1956 jugó frente a un pre-fama Clint Eastwood en Star en el polvo.
Van Doren protagonizó en varias películas de mala chica que más tarde se convirtió en culto películas. Ella también apareció en algunas de las primeras películas para presentar Rock & Roll y la música se convirtió en rebelde identificado con este estilo, e hizo algunas rock. En la película Untamed la Juventud en 1957, fue la primera mujer que canta rock and roll en un musical de Hollywood (Eddie Cochran hizo la música de la película). Esta película fue luego presentado en Ciencia Misterio Teatro 3000 's' Untamed Juventud "(1990).
Algunos de Van Doren películas más notables son el profesor de mascotas (1958) en el Paramount, Nacido Reckless (1958) de la Warner Bros, High School Confidencial (1958), y The Beat Generation (1959), estos dos últimos en MGM. Van Doren, pero era tan bien conocido por su papel provocador. Ella estaba en la cárcel para Niñas Ciudad (1959), que provocó censura con ducha escena en la que el público pudiera ver Van Doren la espalda desnuda. Como la víspera en la vida privada de Adán y Eva (1960) que llevaba sólo las hojas de higo, y en otras películas, como La Hermosa Piernas de Sabrina (1959), Sexo Kittens ir a la universidad (1960) y Vicepresidente Raid (1960) el público se clued en cuanto a la naturaleza de las películas de los títulos.
Muchos de Van Doren funciones mostró la película de su amplia curva, y su vestuario en la pantalla por lo general consta de suéteres ajustados, blusas de corte bajo, vestidos de forma ajustada, y atrevido (para la época), trajes de baño. Mientras que ella y otros contemporáneos como bomba rubia Cleo Moore, Sheree North, Jayne Mansfield, y Diana Dors no alcanzaron el mismo nivel de superestrella como Marilyn Monroe, Van Doren ha convertido en un muy notable y famosa estrella de Hollywood símbolo sexual. Marilyn, Mamie y Jayne Mansfield fueron conocidos como los "Tres M". [1] Sin embargo, en comparación, cuando Monroe logró señores Prefiero Blondes y Mansfield, tuvo un gran éxito con Will Rock Hunter estropear éxito?, (Una parte que fue escrito originalmente de Van Doren, que lo convirtió abajo), Universal Van Doren pegado con la Hablar Mula Francis en Francisco se une a la WACS.
Cine de carrera en declive
Como la carrera de Van Doren avanzado, muchas de las producciones que protagonizó fueron de bajo presupuesto B-movies. Son en gran parte desconocidos para generaciones posteriores, aunque algunos han adquirido un alto para su siguiente campamento de valor.
En 1959, Universal decidió no ejercer la opción en su contrato. Van Doren es ahora un agente libre y tuvo que luchar para encontrar trabajo. Algunas de sus películas más tarde eran extranjeras y las producciones independientes, como Sexo Kittens ir a la universidad (1960), La Rubia desde Buenos Aires (1961), El candidato (1964), La Marina frente a la Noche de monstruos (1966), así como Voyage Planeta a la Prehistoria de la Mujer (1968), dirigida por Peter Bogdanovich, que usó el seudónimo de 'Derek Thomas' de la película.
Vida personal
Van Doren ha estado casado cinco veces; fabricante de ropa deportiva de Jack Newman (1950-casado divorciado 1950), de orquesta, compositor y actor Ray Anthony (1955-casado divorciado 1961), jugador de béisbol Lee Meyers (1966-casado divorciado 1967), el empresario Ross McClintock (1972-casado divorciado 1973) y el actor Thomas Dixon (casado 1979-presente).
Ella y Anthony había un hijo, Ray Anthony Perry (nacido el 18 de marzo de 1956).
Van Doren la década de 1960 en la gran publicidad de nuevo fuera de nuevo el compromiso de jugador de béisbol Bo Belinsky rompió definitivamente en 1964. En su decir, todo autobiografía, reconoció numerosos asuntos, incluyendo aquellos con Clark Gable, Howard Hughes, Johnny Carson, Elvis Presley, Burt Reynolds, Jack Dempsey, Steve McQueen, Johnny Ríos, Robert Evans, Eddie Fisher, Warren Beatty, Tony Curtis , Steve Cochran, y Joe Namath. Reivindicación de la fidelidad a cada amante, la vida de Hollywood dijo, "Yo no usar bragas más - este startles el Hollywood lobos tanto que no saben lo que hay que tirar en, por lo que me dejen solo".
En 1963, el doble que ella posó para Playboy para promover su película Tres Nueces En busca de un perno (1964), aunque ella nunca fue una Playmate. En este punto en su carrera, su voluptuosa figura mide 38DD-26-36 (auto-describió en 1997). De sus curvas ella dijo, "yo no quiero decir doble D, porque son aún más grande que eso."
En 1964, Van Doren fue un invitado en el Whisky a Go Go en Sunset Strip en West Hollywood cuando los Beatles estaban en el club de visita con Jayne Mansfield, y un borracho George Harrison accidentalmente tiró su bebida en su momento fue realmente tratando de tiran los periodistas molestos en algunos [4].
Van Doren desarrollado también un club nocturno e hizo acto de vivir el teatro de operaciones. Actuó en producciones teatrales de señores Prefiero Blondes y Damas en el mar, en el Teatro Drury Lane de Chicago, y apareció en El éxito de drenaje Rock Hunter? Y The Tender Trap en el Teatro Arlington Park.
Durante la guerra de Vietnam, hizo giras por las tropas de los EE.UU. en Vietnam, por tres meses en 1968 y nuevamente en 1970. Además de la USO muestra, visitó los hospitales, incluyendo los pabellones de los amputados y víctimas de quemaduras que muchas otras celebridades se quedó fuera de la.
Van Doren de invitados en la televisión incluyen The Bob Cummings Show, El Jack Benny Show, Isla Fantasía, de la Ley de Burke, Vega $, y LA Law.
En la década de 1970, Van Doren ha hecho un club nocturno en Las Vegas.
Segunda carrera en etapas posteriores de la vida
Van Doren la autobiografía, Reproducción del Campo (1987), trajo mucho a la atención de nuevo el veterano y símbolo sexual demostrado ser los medios de comunicación más grande de su chapoteo en más de 25 años. Desde la publicación del libro que a menudo ha sido entrevistado y ha perfilado y de vez en cuando regresó a la actuación.
A los 60 años, se sometió a la cirugía estética. En las entrevistas, se ha negado siempre tener los implantes mamarios. En 2006, Mamie posaron para fotografías de Vanity Fair con Pamela Anderson, como parte de su tema anual de Hollywood.
En 2006 - a la edad de 75 - Van Doren y su marido, Thomas, mantener su popular y polémico sitio web. Aquí se vende autografiada "pezón impresiones" y casera protagonizada por ella misma cortometrajes, como "A Girl y su plátano». Su contemporáneo en topless y desnuda fotos y abiertamente opiniones políticas han contribuido a crear una base de aficionados más grande que en cualquier otro momento en su notable carrera, posiblemente el más largo de la carrera de cualquier símbolo sexual de Hollywood, con la posible excepción de Mae West, Van Doren ídolo de la infancia.
Van Doren tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 7057 Hollywood Boulevard en Hollywood.
Van Doren se hace referencia en un episodio de Los Simpson (Mona hojas-a, temporada 19, episodio 419), donde el Sr. Quemaduras con un trabajador sostiene y afirma: "He visto a su esposa, y ella no Mamie Van Doren".
Filmografía
· Footlight Varieties (1951)
· His Kind of Woman (1951)
· Two Tickets to Broadway (1951)
· All American (1953)
· Forbidden (1953)
· Hawaiian Nights (1954) (short subject)
· Yankee Pasha (1954)
· Francis Joins the WACS (1954)
· Ain't Misbehavin' (1955)
· The Second Greatest Sex (1955)
· Running Wild (1955)
· Star in the Dust (1956)
· Untamed Youth (1957)
· The Girl in Black Stockings (1957)
· Jet Pilot (1957) (filmed from 1949-1953)
· Teacher's Pet (1958)
· High School Confidential! (1958)
· Born Reckless (1958)
· Guns, Girls, and Gangsters (1959)
· The Beat Generation (1959)
· The Beautiful Legs of Sabrina (1959)
· The Big Operator (1959)
· Girls Town (1959)
· Vice Raid (1960)
· College Confidential (1960)
· Sex Kittens Go to College (1960)
· The Private Lives of Adam and Eve (1960)
· The Blonde from Buenos Aires (1961)
· The Candidate (1964)
· 3 Nuts in Search of a Bolt (1964)
· The Sheriff Was a Lady (1964)
· The Las Vegas Hillbillys (1966)
· The Navy vs. the Night Monsters (1966)
· You've Got to Be Smart (1967)
· Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968)
· The Arizona Kid (1971)
· That Girl from Boston (1975)
· Free Ride (1986)
· Hollywood Uncensored (1987) (documentary)
· King B: A Life in the Movies (1993)
· The Vegas Connection (1999)
· Slackers (2002)
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1931 Monica Vitti
Maria Luisa Ceciarelli (nacida en Roma el 3 de noviembre de 1931), más conocida por su nombre artístico Monica Vitti es una de las actrices más importantes del género cómico de los años 1970. Sus papeles han sido tanto dramáticos como cómicos, destacando particularmente en estos últimos. Ha actuado en multitud de largometrajes, y también dirigido como directora Scandalo Segreto en 1989.
Se sabe muy poco de su vida privada, que siempre ha mantenido confidencial incluso después de haber publicado su autobiografía en 1993 con el título Sette Sottane. Se graduó en la Accademia dell'Arte Drammatica en 1953 y comenzó su carrera artística en el teatro en 1956 para pasar al mundo del cine en 1958 con Le dritte. Se le ha relacionado sentimentalmente con Michelangelo Antonioni y Carlo De Palma.
Filmografía
· Le dritte (1958)
· La noche (La Notte) (1960)
· La aventura (L'Avventura) (1960)
· Accattone (1961)
· Les quatre vérités (1962)
· El eclipse (L'Eclisse) (1962)
· Dragées au poivre (1963)
· Château en Suède (1963)
· Il disco volante (1964)
· El desierto rojo (Deserto rosso) (1964)
· Las cuatro muñecas (Le bambole) (1965)
· Las cuatro brujas (Le fate) (1966)
· Fai in fretta ad uccidermi... ho freddo! (1966)
· Modesty Blaise (1966)
· Ti ho sposato per allegria (1967)
· La Ragazza con la pistola (1968)
· La femme écarlate (1968)
· Amor mío, ayúdame (Amore mio aiutami) (1969)
· La cintura di castità (1969)
· Ninì Tirabusciò: la donna che inventò la mossa (1970)
· Dramma della gelosia, tutti i particolari in cronaca (1970)
· Tres parejas (Le coppie) (1970)
· La pacifista (1971)
· Noi donne siamo fatte così (1971)
· Teresa la ladra (1972)
· Tosca (La Tosca) (1973)
· Esa rubia es mía (Polvere di stelle) (1973
· El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté) (1974)
· Qui comincia l'avventura (1975)
· Pato a la naranja (L'anatra all'arancia) (1975)
· La ronda del placer (A mezzanotte va la ronda del piacere) (1975)
· El regodeo (Basta che non si sappia in giro!...) (1976)
· La Raison d'État (1977)
· Mimì Bluette... fiore del mio giardino (1977)
· La otra mitad del cielo (L'altra metà del cielo) (1977)
· Letti selvaggi (1979)
· Mis maridos y yo (Amori miei) (1979)
· An Almost Perfect Affair (1979)
· El misterio de Oberwald (Il Mistero di Oberwald) (1980)
· Camera d'albergo (1981)
· Scusa se è poco (1982)
· Io so che tu sai che io so (1982
· Flirt (1983)
· Francesca è mia (1986)
· Scandalo segreto (1989)
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Re: LAS GRANDES DIVAS DE 7º ARTE
1931 Olympia Dukakis
Olympia Dukakis (20 de junio de 1931) es una actriz estadounidense ganadora de un premio Óscar.
Biografía
Dukakis nació el 20 de junio de 1931 en Lowell, Massachusetts hija de dos inmigrantes griegos: Alexandra Christos y Constantine Dukakis. Tuvo un hermano de nombre Apolo y es prima de Michael Dukakis, quien fue dos veces gobernador de Massachusetts (1975-1979 y 1983-1991) y candidato del partido demócrata a presidente de Estados Unidos en las elecciones de 1988.
Fue alumna del Arlington High School y cursó estudios universitarios en la Boston University.
En 1962 Olympia se casó con él con el también actor Louis Zorich con quien tiene tres hijos. Políticamente Olympia Dukakis nunca ha ocultado su opción por el partido demócrata y se ha destacado como defensora de los derechos de las mujeres y las causas medioambientales.
Carrera
Teatro
Sus inicios vienen de la mano del teatro doónde representó variados papeles en obras shakesperianas para más tarde, a los 30 años, dar el salto a Broadway. En los años sesenta se afianzó como actriz de teatro en obras como Who's Who in Hell, Social Security y Rose, obra para un solo personaje femenino. El conjunto de su trabajo en este campo ha sido galardonado con un Premio Obie, un Premio Drama Desk, un Premio del Círculo de Críticos dramáticos de Los Angeles y un Golden Globe.
Cine
A su trabajo teatral añade una importante participación en el cine que data de 1964 dónde se ha caracterizado por papeles de madre “étnica”. Entre sus numerosas apariciones en la gran pantalla de Dukakis destacan Magnolias de acero, Profesor Holland, Esto es todo amigos, Poderosa Afrodita, Mafia, ¡Estafa como puedas!, Mira quién habla y Hechizo de luna. Fue esta última película, en la que interpretaba a la madre de Cher, la que le lanzó al estrellato cuando contaba ya con 56 años. De hecho este trabajo le reportó un premio Óscar a la mejor actriz de reparto (que le fue substraído de la cocina en 1989 por unos ladrones que dejaron únicamente la placa con el nombre).
Televisión
También ha trabajado para la televisión donde su versatilidad para representar personajes extranjeros tanto, griegos como italianos o del este de Europa ha sido muy valorada. En España la hemos podido ver en la miniserie televisiva Juana de Arco o en uno de los episodios de Frasier. Menos conocido en el mundo de habla hispana aunque bien recordado en la televisión estadounidense es su papel de Anna Madrigal en otra miniserie titulada Tales of the City (Cuentos de la ciudad), que la hizo merecedora de una nominación a los Emmy, o el de la Dra. Bárbara Moreno en Search for Tomorrow (En busca del mañana) junto a Stu Bergman.
En un episodio de Los Simpson («The Old Man and the Key», da voz a Rosanelda, la mujer de la que se enamora el Abuelo (obviamente en la versión en inglés).
Últimos premios y trabajos
Dukakis igualmente se hizo merecedora de un Premio de la Academia Británica por Hechizo de luna y fue nominada para otro premio, esta vez de la Academia Canadiense por The Event. En 2003, Dukakis publicó su autobiografía Ask Me Again Tomorrow: A Life in Progress (‘pregúntame de nuevo mañana: una vida en progreso’) que se convirtió pronto en best-seller en EE. UU. Sus últimas películas incluyen 3 agujas, The Librarian: Return to King Solomon's Mines, Entre mujeres, y Lejos de ella.
Premios
Óscar
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor Actriz de Reparto Hechizo de luna Ganadora
Filmografía
· ·
· 1964 · Lilith
· Twice a Man
· 1969 · El precio del placer
· John y Mary
· 1971 · Made for Each Other
· 1973 · Hermanas diabólicas
· 1974 · El justiciero de la ciudad
· The Rehearsal
· 1979 · Niños ricos
· Las pandillas del Bronx
· 1980 · Forjador de ídolos
· 1982 · National Lampoon Goes to the Movies
· 1985 · Walls of Glass
· 1987 · Hechizo de luna
· 1988 · Secretaria ejecutiva
· 1989 · Flores de acero
· Mira quién habla
· Mi padre
· 1990 · Mira quién habla también
· Un espíritu nos persigue
· 1992 · En lo alto de la colina
· 1993 · Mira quién habla ahora
· A vivir que son dos días
· Digger
· 1994 · Uno contra otro
· 1995 · Querido maestro
· Poderosa Afrodita
· Jeffrey
· Dead Badge
· Young at Heart
· 1996 · Leche y dinero
· Jerusalem
· Las manías de mamá
· 1997 · La pareja ideal
· Novio de alquiler
· 1998 · Better Living
· Mafia
· 2000 · Brooklyn Sonnet
· 2005 · The Intended
· 2003 · Charlie's War
· Despidiendo mi vida
· 2005 · Whiskey School
· Los caminos de la vida
· The Thing About My Folks
· New York City
· 2006 · Day on Fire
· Lejos de ella
· Siguiendo a Mary
· 2007 · Entre mujeres
· 2008 · Poor Things
· The Price of Art
· 2009 · Montana Amazon
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